音樂理論、鍵盤彈奏、出國留學：啟發電影配樂之路

音樂創作是一門藝術，優秀創作仰賴深厚的理論基礎和實踐理論的技巧。對於學習音樂並追求成為影視配樂工作者的學生們來說，理解音樂理論的重要性是至關重要的。同時，鍵盤上的和聲彈奏練習與即興能力也對音樂的創作的情感表現力有著深遠的影響，並攸關未來在製作數位音樂時彈奏輸入的能力與執行效率。在進入國內外音樂院碩士班學習專業配樂課程之前，建立堅實的音樂理論與鍵盤能力，將可以讓你在資源豐富的音樂院環境中，更能展露自己的能力，藉以累積優秀作品錄音與音樂創作相關人脈。

 

首先，讓我們談談音樂理論的重要性。音樂理論是音樂的基本語言，它有助於我們理解音樂如何構建和演化，有助於創作出更豐富、更有深度的音樂。此外，透過理論與相關曲目的風格元素分析，來理解不同風格和時代的音樂，這對於為不同場景和情感創作配樂至關重要。再者，透過分析名家曲目的和弦使用方式、調曲與曲式結構的關係、句法結構與和聲的關係、和聲色彩與情感傳遞的關係、素材的發展方式等，將有助於學習者用音樂語言來表現各種情感的能力，並保有音樂本身的藝術性，讓配樂可以不僅僅是襯托影像的氛圍之用，而是可以有音樂本身獨立於影像之外的生命，例如許多久石讓的配樂曲，即使在沒有影像搭配時，我們播放他的音樂，仍然能得到許多感動，這便是音樂本身可獨立於影像之外的專屬的生命。此外，學習樂曲分析，也能夠讓學習者快速理解不同音樂的風格特徵，掌握關鍵的風格創作元素，不受制於特定風格的習慣，而能配合各種創作需求製作出和宜風格的作品。

 

其次，鍵盤上的和聲彈奏練習也是至關重要的。鍵盤是一個強大的工具，它可以幫助你直觀而迅速地理解和彈奏和聲，並能在必要的時候，依照手型來找到新的和聲靈感，補足純粹使用理論進行思考時的速度差。換句話說，通過鍵盤上的練習，你可以培養對和聲的敏感度，也可以透過手形的記憶增加思考和聲的速度，這將成為你音樂配樂生涯中的寶貴技能。

 

在學習配樂的過程中，我們非常鼓勵學習者有機會至美國的音樂院學習其他專業課程，因為那裡有更豐富的音樂軟硬體資源，也才是世界主流電影的中心，相較於國內的應用音樂碩士班通常只是一個小組，規模太小以及對於學生來源的不確定性，導致或者招生對象並不以音樂創作者為主要對象，使得課程規劃過於目的分散，課程較不完備，軟硬體與專業師資也較為匱乏，甚至不得不修讀與影視配樂不相關的其他共同必修的課程。反之，美國音樂院則提供了更為系統化的音樂創作相關課程與演奏資源，你可以在這裡更深入學習音樂理論、和聲、作曲、樂器演奏、甚至指揮等方面的知識和技能，以及最新的軟硬體使用方法、混音技巧及最新的音樂科技等。此外，音樂院還常為學生提供了與音樂專業人士合作和實務學習的機會，學生可以在畢業之後至美國應用音樂業界實習一年，這對於建立職業生涯和人脈關係至關重要，若適應能力夠好，還有機會以專業能力的優勢與身份，留在美國繼續音樂生涯。

 

最後，我們要提醒學生不要過早投注大量時間在音樂軟體的學習。音樂軟體的功能確實日新月異，但它們只是工具，而不是音樂創作的根本。過早深入研究軟體可能會分散你的注意力，而忽略了音樂基礎知識的建立，許多坊間的配樂課程偏重教授軟體，或分享無法被系統化的接案經驗談，對於學習者而言，都很難看到明顯的創作能力進步的效果。軟體功能可以學習，但軟體進步太快，現在更出現了 AI 音樂生成的工具，可以製造出簡單的背景音樂，也可能在未來幾年，重新改寫音樂軟體的功能。然而，不斷追逐軟體功能與介面的熟悉，卻不會寫能真正表現情感的曲子，很容易流為浪費金錢與時間。此外，他人接案經驗的工作坊雖然可以聽聽看，但每個案例都不同，他人的音樂人脈與接到的專案未必是你能遇到的人脈與專案類型，業主的偏好往往也並無一定法則可尋，這就好像去參與「音樂欣賞」的課程，仍然沒辦法讓你成為真正的作曲家一樣。他人的接案心得分享，充其量僅能為你提供一個對於音樂生涯發展上的憧憬與想像，並不能落實到扎實的音樂能力之訓練。簡言之，音樂理論與鍵盤能力仍是最重要的核心能力，也是應用音樂創作上最重要的技術。總是記住，軟體只是實現音樂創作的手段，而不是目的；特定配樂專案的創作心得分享或風格選擇並不等同音樂能力訓練，無法取代系統化的音樂理論與創作技巧的學習。

 

本中心的電影配樂課程之學生，目前有兩位已從畢業班畢業的學生在美國獲得了全職的音樂工作。此外，念完美國配樂碩士班則回到台灣的學生，目前也都在台灣找到全職的音樂工作或自己成立工作室，有的在音樂製作公司擔任專職編曲，有的在遊戲公司擔任專職的音效配樂師，也有在音樂系擔任講師兼營自己的工作室。他們的專業能力以及在碩士班的實務經驗，都讓他們可以真正從事自己喜歡的志業。最後，讓我們舉出三位學院派出身的好萊塢著名電影配樂家，以鼓勵學生更進一步至國外學習專業配樂課程：

 

John Williams是一位學院派出身的作曲家，他的音樂作品包括《星際大戰》、《哈利波特》和《辛德勒的名單》等。他的音樂不僅豐富多彩，還能深刻地表達電影中的情感。他曾師事著名作曲家Mario Castelnuovo-Tedesco，後又至Juilliard音樂院學習鋼琴，也算是一位具有學院專業訓練的作曲家。

James Horner是加拿大著名電影配樂家，曾榮獲兩座奧斯卡最佳原創配樂獎。他是南加州大學音樂學院的畢業生，他曾師從著名作曲家羅伯特·沃克。他在南加州大學（USC）獲得了音樂學士學位。此後在加州大學洛杉磯分校（UCLA）攻讀碩士及博士學位。

Thomas Newman是一位多次提名奧斯卡獎的作曲家，他的作品包括《美麗心靈》、《雨人》和《刺激》等。他的音樂充滿情感和細緻度，這些都受到他在音樂院的教育影響。他曾在英國耶魯大學取得音樂碩士的學歷。

 

總之，音樂理論與鍵盤彈奏能力是成為一個專業配樂師的核心能力，雖然軟體的使用能力也很重要，但優先順序不同。配合本中心的師資系統化地指導音樂理論、鍵盤練習與音樂創作，建立堅實的音樂能力，並準備申請學校時的代表作品，在取得碩士學歷時，等於不但有了音樂能力上的專業認證，同時也取得更多的實務經驗（例如美國電影配樂碩士班所提供的與管弦樂團合作的經驗、與電影學院學生合作的機會、以及參與業界的專案製作等）及累積足夠的代表作品，將有助於你成為一位優秀而具有競爭力的音樂配樂家。

狂賀本中心非科班學員考取台南藝術大學應用音樂系「影像音樂創作組」

 狂賀本中心非科班學員歷經一年左右在邱麗芬老師的指導下，從音樂基礎理論開始學習到數位音樂創作，順利考上國立台南藝術大學應用音樂系「影像音樂創作組」。非常恭喜這位學員可以開始追逐自己的音樂夢想 !

學應用音樂、配樂作曲需要學「和聲學」嗎？

不同人對於「和聲學」這門學問與內容範圍常常有不同的定義，許多流行音樂的作曲者常把和聲學定義為單純的「和弦的連接方式」；許多音樂系的學生、或為了音樂系升學考試而去上「和聲學」課程的人，則可能把他認定為「十八、十九世紀和弦連接方式」，或定義為「聖詠合唱曲的四部和聲寫作方式」，有些音樂系非作曲主修的學生，因為只會寫和聲學中的低音題（給 bass 與數字低音，讓學習者填寫上面三個聲部），就認為已經學過和聲學（因為非作曲主修的樂理考試，和聲學通常只考低音題），因此也可能認為和聲學並不難、或認為和聲學無助於作曲，只是古代人的和聲風格。其實這些講法可能都只是針對他們自己的個人學習經驗，去為一種學問下定義，然後在某種狹義的定義之下，去說明這些學問在作曲上用不上，卻可能因此讓作曲或應用音樂的年輕的初學者，也誤以為事實正是如此。實際上，和聲學是一門極為複雜而龐大的學問，不僅牽涉到單純的合弦連接方式，也牽涉到每個聲部的連接，且也涵蓋音樂內容與和弦之間的關係及其運用法則。和聲學內容有其系統化的部分，也有其應用上的各種變化之探索，因此學和聲學也猶如學語言一樣地複雜，有文法、片語、甚至也有值得記憶的優美詞句。和聲學不是一門紙上談兵的學問，而是一種需要不斷練習、操作、分析、探索、彈奏、聽音的實務技術，但多數人抓不到學習的訣竅，只把和聲學當作一種書本上的知識、或考試卷上的解題技巧，也因此產生了各種偏差的見解。由於和聲學如此複雜而廣博，所以學習者仍必須透過資深老師的引導，才能進行有效的學習並應用於音樂創作上。

和聲學與配器上的關係：
依照 Harmony and Voice Leading 這本書的定義與安排，和聲學其實不僅包含了「和弦連接的方式」，更包含了「橫向聲部導進的技術」，也藉由豐富的譜例說明了「和弦跟音樂表情、句法結構、素材運用等的關係」。學作曲的人若沒有橫向「聲部導進」的技術，則就難以寫出優秀的管弦樂作品，因為管弦樂作品非常講究線條，每個樂器聲部都有自己的橫向線條，且因為樂器的音色不同，橫向線條的任意中斷，都會造成聽覺上的不順暢；即使是鋼琴獨奏曲，伴奏聲部的線條也都具有重要的角色。在新版的 Harmony and Voice Leading 的書中，甚至特別加了一個章節，來談對位法，主要的目的在於使學習者更能了解多層次的線條之寫作技巧，可見和聲學並非只是談和弦怎麼銜接而已。如果學習者的志向只是在創作流行歌曲，那麼對於和聲學的技術之仰賴，也許就沒有那麼強烈，因為流行的編曲的音樂層次要求較低，主要的音樂聽覺焦點在人聲，所強調的音樂元素在於主旋律本身、以及節奏的動能，也因此往往只講究主旋律以及 bass 的線條，其他被強調的重要音樂元素則是節奏，以至於流行歌編曲中的弦樂或 Pad 音色，其配器的角色上已經退於背景，所以每個內聲部的連結已經不是聽覺的焦點，因為也聽不清楚，也因此許多寫流行歌的作曲者，並不一定需要高度的和聲學的聲部導進的技巧就能執行流行歌編曲，此外，流行歌編曲目前已經有自動編曲軟體可以輔助，要取代作曲家的編曲能力，其實已經不是什麼難題。然而，這不意味和聲學的訓練對流行編曲無用，和聲學的技術仍可以讓流行音樂編曲者開展更深層的音樂創作能力與和聲運用能力，而有機會使得作品更為細緻動人。從另一方面來看，倘若是寫純器樂的作品，那麼聽覺焦點又會再度落回樂器的線條，只講究高音部跟 bass 線條的寫作方式，音樂會聽起來比層次較少，也比較不是那麼動人或耐聽。以好萊塢的電影配樂為例，管弦樂仍然常常被使用到，因此只會寫流行歌的人，就會難以駕馭管弦樂的編寫。以上是從各聲部的橫向線條的寫作技術來看和聲學的重要性。

至於和弦的連接方式，在和聲學的知識體系中，提供了系統化的說明，以轉調法為例，就可以包含共同和弦轉調、共同音轉調、模進轉調、等音變化轉調等等，然而許多流行音樂的編曲或作曲者並不會轉調的方法，多半只會整段音樂直接用電腦功能移高或移低，而不會編寫調區轉換時所需要的「過渡段落」，或許因此許多流行音樂都採用「直接轉調」，而不需要複雜的轉調技巧。然而，若作曲學習者只想作流行歌曲的編曲，那麼則是忽略了音樂創作市場的主要需求，並非在流行歌編曲，而是在配樂創作，因此風格的學習上必須非常廣泛，才有生存的空間。至少在台灣，若要以作曲、編曲為業，其實需要精通各種風格與編制，不能只會流行歌曲創作或編曲，僅靠著一兩套每首歌曲都重複使用的和弦公式，永遠使用同一個調寫曲子、或只會「直接轉調」用電腦幫你直接一整段移調，而不會寫銜接的過渡段。


和聲學的學習是走向專業作曲的唯一途徑嗎？
前述已經提過如果學習者只鎖定「流行歌曲創作或編曲」，那麼技術上比較單純，對於線條的需求較少，就可以只學幾套常用的「和弦連接方式」，不一定要靠傳統的和聲學的訓練來學習。

以寫作較精緻的器樂、或管弦樂編制的遊戲配樂、影視配樂為例，若不從和聲學入手，也可以透過大量的作品分析（包含和弦分析）來了解和聲的銜接方式、轉調手法、和弦與句法結構的關係，以及和弦色彩與情感的連結等。這種透過「作品分析」的學習方式，的確會比較有趣，但不會比較省學習的時間，因為這種學習方式，由於沒有教科書的整理，會更加仰賴有經驗的老師的指導與講解，透過老師的解說來觀察作品的各種細節而讓學習者知道和聲應用的方法。此種學習方式雖然更有趣、也比較快會有成就感，又可以享受彈奏曲子的樂趣，但由於學習的歷程很容易是瑣碎的、片段化的知識，因此一樣需要長時間的學習，且必須要有一個比較務實的鍵盤練習方法，才能有效率的學習。

本中心的音樂創作課程可以由學習者自己依照需求與個人學習策略，來選擇是否按部就班系統化的學習和聲學與作品分析，或是不學和聲學而只透過大量作品分析來學習和弦連接方式及常用的聲部導進原則。兩種學習途徑都一樣需要比較長的時間來累積能力，整體而言，和聲學的學習上，相對而言比較具有系統化的特性，但對於初學者而言，往往卻有些吃力而枯燥。透過作品分析來學和聲，則相對會有更多的趣味，但學習者必須善於從大量作品的觀察中，歸納出一些共通的法則，才會比較有幫助。兩種學習方式都可以是殊途同歸，但並沒有相對的捷徑，且 指導的師資也高度影響學習的成效。

學完和聲學就會寫曲子了嗎？

和聲學是為了作曲打基礎，有很好的和聲學底子，就可以了解名家如何使用和聲，並可以藉此分析能力，不斷增加自己的和聲語彙，並將新吸收的名家和聲語彙加以活用，而不是只會抄襲他人的和聲而不知所以然、也不會活用。然而大部分的人學完和聲學，由於缺乏鍵盤的練習，很容易淪為紙上談兵，只會算音高與升降記號，卻無法立即在鍵盤上即興，此種不完整的和聲學習方式，會導致學習成效大打折扣，花了很多時間卻抓不到學習要領是非常可惜的。因此若上課的老師能夠適當引導學生進行鍵盤練習，把重要的概念簡化成手的動作，可以更有助於創作上的和聲使用與鍵盤上的即興。此外，學習和聲理論，卻沒有研究相關譜例，就很難了解這些和弦連接的法則跟句法結構、曲式的關聯性，則也會使和聲學的知識無助於音樂創作。

本中心的和聲學課程內容與範圍：
本中心的和聲學課程便是參照 Harmony and Voice Leading 這本書，加上一些特殊的鍵盤和聲練習方法、以及補充的相關作品譜例而成，補充的譜例則不限於 18-19 世紀的藝術音樂作品，也包含了通俗音樂的相關作品，並且再加上二十世紀和聲技法的介紹、以及統整絕版書 George Rochberg 的 Chromatic Harmony 的半音和聲之範例介紹。強調鍵盤彈奏的目的在於藉由手指的運作來輔助和弦的記憶與快速反應，然而這樣的學習方法卻是一般考試為目的的和聲學課程所沒有的練習方法。

以 Harmony and Voice Leading 4th Edition 這本書的內容安排而言，分成六部分。第一部分主要說明基礎樂理、和弦性質、四部寫作的通則、對位導論等。第二部分則功能和聲結構和弦，也包含了初步的轉調介紹、以及橫向聲部導進的各種細節。第三部分則著重在聲部導進的和弦。第四部分則提旋律上、節奏上的裝飾音形（例如：掛留、先現、Pedal Point 等，第五部分則強調半音和聲、大小調混用、進階的轉調技術等。第六部分則強調 19 世紀後的半音和聲。整體來說，課文的內容不僅有「和弦連接」、「聲部導進」、也有「對位法導論」、「聲部導進的和弦」、「半音和聲」，也提及「和聲與曲式的關係」，更還在附錄中提供了「鍵盤和聲」的練習範例，把跟和聲有關的該學的作曲技術，幾乎都涵蓋了。因此，雖然這本書的確談論和聲範例內容是以 18 - 19 世紀古典音樂為主，但由於有更深入的範例細節與作曲技巧說明，因此對於當代的應用音樂、配樂、流行音樂創作仍然是非常有幫助。此外，以配樂作曲家為生涯規劃而言，你能百分百確定你可以完全不需要用到 18- 19 世紀的和聲技術嗎？事實上，許多遊戲配樂，尤其是史詩戰鬥式的配樂風格，仍非常仰賴 18-19 世紀的和聲風格，你跳過學習和聲學，也等於跳過了對於 18-19 世紀的古典音樂和聲風格的深入研究，自然也少了一種風格模仿的能力。以下這首筆者作過的遊戲配樂，後半（0:40 起）的半音和聲便是仰賴 19 世紀的半音和聲技巧：

0:40 起的半音和聲，其實是一套古典和聲的公式，不屬於系統化的「功能和聲」的範圍，而是屬於「聲部導進」的結果，亦即各聲部橫向線條「偶然」相遇所產生的結果，但也被記載在 Harmony and Voice Leading 這本書中，然而一般以「考試」為目的來學和聲學的人，都不會深入到這個部分，以「考試」為教學目的老師，也不會教這些進階的和聲技術，甚至可能他們自己從這個「考試」為目標的學習體系上來，也沒有學過這些技術。換句話說，Harmony and Voice Leading 書中，除了基本的、系統的功能和聲學之內容外，其實還有許多有趣而有效的和聲進行值得學習甚至記憶。有些樂理或作曲老師的觀念上，會認為和聲無定則，只要通曉功能和聲的概念、以及熟悉四聲部寫作的常用規則即可，沒有必要去記憶特定的和聲 pattern。筆者則比較持不同的想法，認為「功能和聲」的概念，有如基本的文法， 只懂得文法，沒有豐富的詞藻，則很難寫出文情並茂的文章。就音樂創作而言，這些詞藻可以是來自前人已經留下的有效的和聲 pattern。此外， 對於應用音樂而言，創作的效率更是一件重要的事，光靠靈感與鍵盤上笨拙的實驗、以及粗淺的和聲概念，若只是要創作出很普通的應用音樂不會有問題， 但要創作出與眾不同的作品， 會變成非常困難而耗時，也不符合經濟效益。功能和聲的架構之外，有許多來自聲部導進所產生的一些非常有效的和弦連接方式， 這類特殊的和弦連接方式常會需要仰賴記憶與練習，才能成為作曲家可用的音樂詞彙之一，卻往往不在學校和聲學課程中被提及，也不在一般考試導向的和聲學課程中 。因此武斷地說「和聲學」的內容對於應用音樂、配樂等的創作「無用」，是值得商榷的。通常學生不知道怎麼應用課本中的東西，其實是因為不知道哪些內容是重點、哪些內容需要記憶、哪些內容需要多次鍵盤操作，甚至不知道為什麼要學而不願意花時間好好研究它，那麼走馬看花式的和聲學習方法，當然就很困難把所學的東西拿來應用。

和聲學的學習需要老師引導的原因：
承上，也因為和聲學的內容非常廣、細節也多，因此更需要好的老師的引導。同樣的音樂的科目名稱，授課者教學的內容與教學的方法，會大為影響學習成效，人文藝術領域的課程尤其如此。然而選擇作曲老師往往比選擇鋼琴老師更為困難，鋼琴上個一兩堂課，就會知道老師的教學方法是否適合自己，但作曲與音樂理論需要循序漸進，光是上一兩次課，初學者往往仍然無法知道老師葫蘆理賣得什麼藥，有時可能真的得全憑運氣與緣份了，一旦跟錯了老師，要換老師也往往已失先機，為時已晚，因為不太可能再從頭重練重學，有的人也會認為是炒冷飯，更沒機會重新走過一次這樣的訓練流程。

音樂的學習往往包含太多「個人化」的經驗傳遞， 作曲或和聲的學習也是如此，並非單單靠著教科書就能學得通，練習的方法往往是很重要的關鍵，而每個老師能掌握的內容與練習方法的有效性也不相同，偏偏初學的學生往往無法真正知道老師有料還是無料，或者上過學校的大班課，才知道原來學校的內容跟一些校外個別老師授課的內容細節與教學方法差很多，因此筆者有一些舊的學生在考上碩士班、或大學部音樂系作曲組之後，雖然學校有相同科目的大班課及個別課，還願意回頭來上我這裡的課，往往就是因為經過了實際上課比較之後，得到結論是我們這裡的個別課，學習上更有效率與深度。當然也常有一些來 Learnmusic 面談的學生，只是想探聽我們怎麼幫學生準備考試或申請國外學校，然後私底下又找更便宜的老師來上同樣的科目，表面上很像很聰明，其實是因小失大，因為音樂理論的基本訓練，將深深影響日後創作的能力，過了這個打基礎的學習階段，要重新回頭大概也沒機會了。因此師生有時候真的很看緣份！找尋作曲與和聲學的師資，需要了解這幾點：

(1) 同樣是教這些課程項目，內容跟深度差很多，因此光看課程名稱或課程綱要，並無法了解實際上課的內容與方法。以音樂系或音樂班所開設的和聲學課程為例，內容往往並非為了音樂創作的學習者而設計，演奏主修者跟作曲主修者若合班上課，由於所需要的和聲學深度與細節度都不一樣，因此為了配合修課者的能力，內容通常會更為初階，鮮少進行深入的探討或細節的說明，也鮮少提及創作上的應用方法與技巧。

(2) 就算用相同的課本，優秀的老師老師會知道如何用這些基本教材來進行深入講解，也會延伸說明如何結合書上的理論落實到真實的寫作中。

(3) 好的和聲學老師會分享許多實際的應用範例與實作技巧，由於這個部分也涉及老師個人多年的經驗，甚至有時並非系統化的教科書知識卻又是極為有效作曲技巧。

(4) 優秀的音樂理論教師需要有廣博而深入的音樂理論知識，也需要有豐富的音樂創作經驗與教學經驗，才能更精確的將這些理論解釋得更透徹。然而，一個優秀的作曲家卻不一定是一個優秀的作曲老師，因為若沒辦有辦法把作曲技巧、和聲技巧以更系統化的方式傳達給學生，學生仍很難有效率的學習。




結論：
回到本文開頭的主題，和聲學對於應用音樂創作無用之說，其實是一種誤導，反之，系統化而深入的和聲學的學習，是訓練調性音樂的最有效的方法之一，只是很多人的學習方式都是紙上談兵、或是走馬看花，不去深入理解與研究、不去記憶與熟練鍵盤操作，不去深入體驗和聲色彩與情感之間的連結關係，而只是為了考試而學習和聲題庫的作答方式、或只是為了快速完成創作的作品，那麼當然無法藉由和聲學來提升作曲技巧，也不會知道怎麼應用在創作上了。當代和聲學其實在許多學者的整理下，整個學習系統在當代已經非常完善了，有的和聲學教科書也甚至納入了「二十世紀」的和聲技巧，這些技巧也在一些 John Williams 的配樂作品中出現過。然而，和聲學的學習上，往往需要一段較常的時間（一年至兩年），也需要優秀老師的引導，才能進行有效的學習與實際的運用。若不想從和聲學入手來學作曲，那麼就只能靠大量的作品分析來學和聲與作曲，所需要的時間不會比較短，且由於是非系統化的學習方式，會更加仰賴老師本身的歸納分析與解說。

Learnmusic 應用音樂創作的第一堂課在上什麼？

Learnmusic 的音樂創作課程第一堂課通常往往決定了學生後續要不要繼續來上課 ，而筆者也一直堅持單次上課的付單次的費用，可讓不適應的學生隨時可以停課，因此第一堂課對於筆者而言，通常壓力是很大的，因為每個學生自己認同的課程內容與重點，不一定會跟授課師資認為重要的東西一樣，尤其是有些比較「有定見」的學生或是已經有一些樂理經驗的學生，往往必須上了一段時間後，才比較會知道「作曲主修學樂理」跟「演奏主修學樂理」，很大的不同在於「操作」方法之不同，方法的不同，學習結果就有很大的不同，如果學生沒辦法信服老師的安排，後面所設計的課程，也將難以吸收。第一次上課，筆者通常會針對看似簡單的音樂理論，直接讓學生在鍵盤操作，熟悉鍵盤的操作，主要是為了增加創作的反應速度，為後續轉調、以及附屬和弦的應用打好基礎。理論沒有操作的過程，則對作曲難有幫助。舉個例子來說，Harmony and Voice Leading 有 30 多章，你大可以花個 30 天，一口氣讀到第三十章， 如果你的鋼琴底子很好，你也許真的能夠一口氣看完，但看完之後你仍然沒有辦法將裡頭的和聲技巧拿來寫曲子，頭腦只會有一個模糊的印象，因為你沒有經歷操作的過程，所以跟沒看完所有章節的人沒兩樣。此外，鍵盤上的操作是有特殊訣竅的，許多彈鋼琴的人都練過哈農，但卻沒辦法立即彈出各種調的大小調音階，若要再加入教會調式的彈奏，又變得更加困難，那是因為沒有學得好的方法幫助記憶，而我們的應用音樂前面幾堂課便會引導學生用最有效的方法來學習鍵盤上操作各種音階、調式、和弦級數，課程目標不是要你依賴直局覺反應來熟悉音階與和弦，而是要透過一種結合手指與頭腦的訓練過程，來很快找到音階、和弦。

音樂的技藝，無論是創作或是演奏，重點就是「熟能生巧」（通常仍需要借助某些有效的練習方法），就好像小提琴的演奏法，上完兩次課就知道標準姿勢大概是怎麼樣，然而初學者姑且不論指法，光是弓法就沒辦法拉出很好的音色，因為尚未熟能生巧。換個例子來說，許多人會彈鋼琴的人，只要有了基本底子，就算是音比較複雜的曲子，慢慢看、慢慢練也是可以練一個大概，但主修鋼琴的人，可能光是立即視奏同一首曲子，所能展現的音樂性就能勝過一個非主修鋼琴的人練同一手曲子練了半年的樣子，而後者永遠不會是專業鋼琴家，因為後者欠缺了基本功的累積，反應速度總是慢很多。對於有鋼琴底子的人而言，學習調性音樂作曲的確可以加快速度，但不是意味你可以不用熟練基本的音程、音階、各種音階上面所建立的三和弦、七和弦的和弦性質。筆者比較希望在最初的幾堂課程中，能確保這些重點都沒有被遺漏掉，後面的課程就能夠更順利進展，但有一些對樂理有基本認識的學生，卻可能上完第一次課，就覺得為什麼要從這麼「基礎」的東西開始，由於沒有機會了解課程中的鍵盤操作的用意，就不會再來第二堂課，所以覺得有必要把這些概念讓大家了解。

從實務來說，和弦建立在音階上面，如果你對音階每個音之間的音程不熟悉、無法每個調立即彈奏，就沒辦法在所有的調立即找到正確的和弦級數，要找到正確的和弦級數，必須仰賴對於「和弦根音」、「和弦性質」的高度熟悉，才有辦法快速反應。會算升降記號、由升降記號推和弦或音階還是不夠喔！升降記號只有在寫譜的時候用得到，鍵盤即興是不用去理會升降記號、而是必須熟悉音程距離，才能快速反應。所以第一堂課，除了給予學生關於調性音樂、和聲擴充等的重要概念外，通常會引導學生把音程、調式、音階全部在鍵盤上都測試一次，不熟者要自行回家熟練，因為通常第二次上課就會立即進入最困難的和弦級數的彈奏與立即反應，這個部分也是樂理書寫得簡單，但練習起來頗費神，若沒有特殊練習方法的輔助，又更加困難，而這些技巧卻對調性音樂極為重要。筆者剛回國時，曾在南部的的一間國立大學音樂系教授「進階和聲學課程」，結果第一次上課時，測試班上上過別的老師一年和聲學的人，卻都沒辦法立即彈奏出某個調的某個和弦級數，或從某個和弦級數推算到另一個和弦級數 （例如：以 F#m 和弦當作某個調的 ii 和弦，請立即彈奏出這個調的 V 和弦），當時班上大多數的學生要想很久，因為多半是演奏組的學生，他們只會用調號慢慢推算和弦級數或音階，才能想出答案，或甚至答案還不對，然後回應我：「這怎麼可能練得起來？」兩週之後，有照我方法練習的人（理論作曲組主修生有聽話），已經豁然開朗了，心存排斥且不相信可以練得起來的人，期末還是沒辦法會，和聲學考試照樣非常糟糕，因為是「進階和聲學」的課程，考試題目中，有一題高音題，還有轉調，沒照我方法練的人，根本沒辦法想出來那些和弦與轉調方法，他們之前上了一年的基礎和聲學，根本也是白上了，因為底子沒打好。然而，立即彈奏出某個調的某個級數的三和弦或七和弦的能力，根本就是作曲主修生的基本能力之一（思考時間不超過 15 秒），前段國立大學音樂系作曲主修生，應該百分之九十都有這種能力（因為考大學時要考鍵盤轉調、鍵盤和聲等，反應要非常快），但演奏主修生，可能百分之七十都沒有這種能力。為什麼要練這個技術，因為你不練習這個技術，你就很難學會轉調技術，不會寫轉調的過渡段，更不可能能在鍵盤上立即即興轉調，如果是作商用音樂，那麼更仰賴即興，沒有經歷這些訓練的人，其作品將侷限於那幾個固定的調、以及他自己比較熟悉的和弦級數，便很難再有突破。

所以你知道第一堂課為什麼除了熟悉調性音樂的基本概念之外，還要熟練音程、音階了嗎？你沒有熟透這些內容，後面的能力就不可能發生。非音樂系的學生、音樂系非理論作曲主修的學生，若要成為專業作曲家或考作曲主修碩士班，筆者都建議直接從和聲學開始紮實的學起，但音樂系演奏組的學生，有極少數的人真的和弦反應能力很好，那麼就可以跳過和聲學的訓練，直接從作品分析開始了解作曲手法。當然，有時候，音樂系非作曲主修的學生「自己覺得」自己和聲學學得很好，筆者也都能配合，讓學生直接跳過和聲學，直接開始分析作品、與進行創作，也是另一種可能的方式，但後續這些學生的和聲能力會一直有難以突破的侷限，因為作曲主修的學生苦練「和聲學的高音題」、「鍵盤轉調」、「鍵盤和聲」不是白練的，真的就是有差。你可能會問那麼可不可以一整首曲子都不要轉調，筆者回答：當然可以喔，應用音樂很多曲子都沒有轉調，但也有非常擅長轉調手法的作曲家，音樂品質就是有差，可能吸引到的聽眾也不太一樣。

結論，Learnmusic 的應用音樂課程有兩種上法：（1）從和聲學切入，才進入第二階段作品分析與創作，適合希望基本功可以很紮實、且對於音樂品質要求較高的人。（2）直接從作品切入，由作品本身來學和聲手法與曲式結構，直接了解作曲技巧，適合有和聲學底子的人，或希望作品「速成」，可以拿來考入學考的人。無論選 (1) 或者 (2) ，基本的音階、調式、和弦的鍵盤操作能力都是其先備知識與技術，且其後的作品準備過程，筆者都會協助同學們修改代表作品，所以考試的代表作都能有一定的品質，但考完後你自己能不能寫出相同的品質，就真的仰賴基本功了，唯有按部就班打好該有的基礎，音樂的創作能力才能真正穩固並持續進步。

physical modeling 虛擬樂器

虛擬樂器這幾年似乎進步得非常快，除了取樣音色庫之外，依照樂器的發聲的原理，利用音響學結合「演算法」所設計的虛擬樂器也進步得非常驚人，此種合成法被稱為 physical modeling。Physical Modeling 的鍵盤樂器比較容易使用，因為不用太多即時參數控制，聲音就非常逼真，還可以作音響上的微調，可能比超過 100G 大小的 spitfire audio 的鋼琴音色庫還更逼真？

除了鍵盤樂器之外，管樂是最早被模擬的，若能搭配合適 MIDI 控制器，則聽起來幾乎跟真的沒兩樣，以下面這個為例， 「花舌」轉到正常演奏法，或吹奏氣音特效，都不成問題。

取樣音色庫中最難處理的就是弦樂獨奏音色，但現在的技術，在弦樂獨奏上一直沒辦法突破，反而是 physical modeling 的技術，讓我們看到了前景。搭配合適的 MIDI 控制器，就可以演奏得有八、九成以上弦樂獨奏的相似度。

關於此系列的介面操作方法，可以參考這個弦樂獨奏樂器的教學影片：

這些用演算法來模擬真實樂器的虛擬樂器，程式檔案非常小，不相高級的取樣音色庫，動輒 30G - 100 G。但此種演算法的音色運用，也有一些缺點：

(1) 需要控制的參數太多：使用者需要一些熟悉的時間去了解每個參數的音色作用。Audio Modeling 這家公司的產品中，大概由於參數控制需求更為複雜，因此他們的 key switch 功能設定也較為複雜，有時用快速敲琴鍵的次數不同來切換 key swtich、有時又用雙鍵的 key swtich，因此操作上容易混淆。

(2) 非常耗費系統資源：由於是即時演算，其實非常耗費系統資源，中階電腦使用這種音色軟體，可能會產生 audio drop out 的聲音中斷的現象，尤其是音軌多時，電腦系統資源就無法負荷了。

(3) 即時控制參數的硬體需求較高：physical modeling 音色庫，若以管樂、弦樂而言，需要使用較多的硬體控制器，例如 expression pedal 或 breath controller 大概少不了的。一般的中低階的 MIDI 主控鍵盤並沒有附 expression pedal 的接孔，因此中低階的鍵盤可能也無法善用這種虛擬樂器。此外，breath controller 有點貴，5000 NT ~ 25000 NT 不等，對於在學的學生而言，可能也是一項負擔。

(4) 現有較理想的控制器價格昂貴：最適合的硬體控制器是著名的 seaboard rise MIDI，但 seaboard rise 價格很貴，49 鍵要超過台幣 40000。然而，audio modeling 都已經針對 seaboard rise 設計好預設值，可以直接彈奏，就已經非常逼真，其控制下所產生的樂器 attack，會比一般的 MIDI 鍵盤樂器更加逼真，但缺點就是貴。

利用 Seaboard Rise 特殊 MIDI 鍵盤來控制音色

利用吹管控制器來控制音色

由於此類音源需要硬體能夠控制多重參數，因此少不了 expression pedal 或 after touch，許多數使用者只有中低價位的 MIDI Keyboard，則會缺少 after touch、expression pedal 的感應功能。若需要擴充成有 expression pedal 的感應功能，則可以使用下面的方法來擴充 MIDI 控制器的功能：

1. 利用 usb 介面的 expression pedal 接口，可以讓沒有高階 MIDI 鍵盤的琴，也能使用 expression pedal。品牌包括：

(1) TEC MIDI  Pedal Controller :可以切換 sustain pedal 、expression pedal、以及各種 MIDI CC 參數）。價格跟 Beat Bars 的 Expression Pedal to MIDI Adapter 相近，但從原廠訂購，運費昂貴許多。

(2) Beat Bars 的 Expression Pedal to MIDI Adapter : 可以切換 expression pedal 及 MIDI CC 模式。另一款有兩個接口的，則要多 10 歐元，但多數的琴都有 sustain pedal 的接口，因此多一個 sustain pedal 的接口也可能並不需要。Beat Bars 的運費比較便宜，就算買雙接口的，售價含運費也比 TEC 的同款產品便宜，其實主要還是因為運費比較低廉， 採用 DHL 收貨速度非常快（筆者選擇購買此款產品，可考慮購買同時有 expression pedal, sustain pedal 的款式，因為有些隨身攜帶型的 MIDI 鍵盤並沒有踏板接口，例如舊款的 Korg Microkey 。多花個 10 歐元，可以多一個備用接口）。

(3) Audiofront 多重的 MIDI pedal 的轉接器 ，目前只有多孔的介面，價格也比較貴。


2. 購買可以自由設定的 MIDI 踏板組 ：有一些廠商是直接賣 usb expression pedal 的，價格更貴，可能要超過萬元，等於一台高階具有 after touch 與 expression pedal 接口的 MIDI 琴款的價格，例如 Roland FC300 踏板控制器（https://www.sweetwater.com/store/detail/FC300--roland-fc-300-midi-foot-controller），可能比較適合同時有現場表演需求的人，但筆者認為並不符合多數人的需求，也許如此，此類產品 型號非常少見。

3. 利用 breath controller : 目前則以 TEC 、HB1 最廣為人知。TEC 比較便宜，HB1 功能較多也更貴。此類產品甚至可以偵測牙齒 咬的力度、以及頭擺動的方位，來控制 MIDI 的相關參數。網路關於 Audio Modeling 這家公司的 phyiscal modeling 音色庫之 demo 影片，有許多都用吹管控制器來控制音色。

(1) TEC BBC2（https://www.tecontrol.se/products/usb-midi-breath-bite-controller-2
(2) HB 1:  https://www.sweetwater.com/store/detail/hb1MIDI--hornberg-research-hb1-midi-breath-station

4. 延伸的 MIDI 控制器：若陽春的 MIDI 鍵盤的控制紐、拉桿有限，可以考慮添購一些簡易的MIDI 控制器，例如 KorgNanoKontrol 2，可以作為音樂軟體如 cubase 的分軌音量控制器，也可以作為一般 MIDI CC 控制碼的控制器，兩種不同的模式可以透過 Korg Editor 來修改切換。請參考此影片的設定教學：

結論：具有 after touch、expression pedal 的 MIDI 鍵盤，才比較適合拿來配合此類 physical modeling 軟體音色使用，也可以再搭配 breath controller，會讓音色表現更接近真實。前述組合會比購買一台 seaboard rise 還要便宜。若已經有專業 MIDI 主控鍵盤，則演奏時，同時可以即時控制的參數就包含： velocity, after touch, expression pedal, sustain pedal 四種，可以達到基本的樂器音色模擬，若還要更多的控制器，那麼大概就是吹管控制器，內容又可多出四個左右的參數，例如：吹氣、咬合、點頭、側身等，但參數愈多，若沒有多多練習，可能頭腦會來不及協調各種動作吧？另一種輔助的控制器則是 MIDI 的旋鈕或拉桿，但要作即時彈奏控制，可能就不是那麼容易，而有必要分次錄製 MIDI 資訊及非即時的編修了。

Vienna Symphonic Orchestra 贈送音色庫 Big Bang Orchestra 至十月底

最頂級的音色公司 VSL 正在贈送免費的音色庫 Big Bang Orchestra，這大概是筆者使用 VSL 音色將近 10 年以來的第一次喔，此次這麼慷慨的贈品，應該是為了推廣他們新的音色引擎 Synchron 系列音色庫為目的吧。VSL 的產品是使用自家的取樣器 Vienna Instrument, Vienna Instrument Pro 及 Vienna Synchron Player，不但價格昂貴，產品的內容也略為複雜，但音色品質非常好，介面也非常好用。如果有 Vienna Key 硬體鎖的數位音樂玩家，想初步體驗一下 VSL 的音色庫，那麼此次便是最好的機會。目前 Vienna Key 硬體鎖也是正在特價中。

其實筆者後來發現 Vienna Key 跟 Cubase 的 Key 是通用的，都是 e-licenser 這家處理軟體授權的公司之產品，因此只要有購買 Cubase 正版的軟體使用者，使用內附的硬體鎖就可以順便申請 VSL Big Bang Orchestra 的免費使用授權了。這個機會只到十月底喔，有興趣的人可以去官網看看喔:

https://www.vsl.co.at/en/BBO

Big Bang Orchestra 的宣傳影片：

Big Bang Orchestra 的取得方法：

Big Bang Orchestra 的使用方法：

VSL 管絃樂音色庫教育價折扣開始囉！

https://www.vsl.co.at/en/News/2019-09_Student_Discounts

一年一度 VSL 音色庫教育價又來囉，筆者開始使用這家廠商的音色庫迄今也接近第十年，從入門版的 special edition 入手，因為覺得好用，又逐步升級到各種管絃樂樂器家族的標準版、延伸版，甚至也購入人聲、電吉他等的樂器音色，前前後後就花了 20 萬元台幣左右，因為當初不知道每年九月或十月份有教育價優惠，且逐步升級的方式購入 VSL 又比較貴。VSL 整體的品質上都非常滿意，除了dimension 系列的音色庫，筆者覺得太講究聲音細節而又耗資源（Dimension 這系列強調的是使用者可以指定樂團的大小，樂團就是每個樂器疊合起來的結果，然後每個樂器又可以拆開來用。），比較不符合台灣市場的製作效率，因此比較不去用它之外，其他都好用，同時性單軌道可執行多聲部的 legato 更是別的音色廠商所沒有的技術。
買音色庫其實不是資料龐大就好，有一些廠商的音色庫並不那麼實用或好操作，雖然便宜卻用不到，或者 demo 曲很完美，其實是用了很多其他的音色庫去疊合而成，或根本就是真人直接錄音而宣稱是音色庫做出來的曲子。整體上我蠻推 VSL 的品質是很不錯，所以想入手 VSL 的人可以趁此機會撿便宜囉！

最新系列的 VSL 為 Synchron 系列的產品，但目前還在逐步擴張當中。未來幾年將會取代現有的軟體介面與舊有 的 VSL音色庫。

儘管如此，舊有的 VSL 音色庫還是非常好用，多聲部的 legato 、可用平板點腦音色切換演奏法、序列器的自動化演奏的功能都很特別，是別家廠商的音色庫所沒有的功能，因此舊的 VI 系列的音色庫還是非常好用、功能也非常完整。

人聲音高校正技巧

前些日子忙於老顧客的委託編曲，結案之後，客戶要求筆者幫他的人聲錄音修釋一下，剛好筆者正想抽空試試看最近軟體升級購入的 Propellerhead Reason 10 的音高校正功能，因此就義務的增加了這項「售後服務」。Propellerhead Reason 應該是目前具有最好的音高校正功能的數位音樂工作站了，感覺他的音高校正功能比 cubase 的內建 vari audio 還更強大，除了使用 correct 按鍵直接校正音高至最近的音高格線之外，可以輕易使用介面上的「藍色圈圈」來調整滑音的時間範圍，也可以使用「白色圈圈」來調整每個音高區塊 vibrato 的幅度。

在音高偵測的過程中，有些人聲的細微或快速的滑音，會導致不同音高被界定為同一個音高區塊的抖音所造成的音高偏移，這種情形下，若原本的旋律的確是要區分成兩個不同的音，可以使用「刀片」工具來切割這個音高區塊，讓音高校正功能可以把這個音高分成兩個不同音高區塊來辨識，用 backspace 則可以刪除「刀片工具」強制分割的音高區塊。此外，不同音高之間的區塊時間位置之切換點可以利用「control + 左右拖曳區塊邊界」來調整（教學影片中提及 mac 加上 option 鍵、PC 加上 alt 鍵，但以 reason 10 使用測試的結果，應該是要改成 contrrol 鍵）。若不同時按住功能鍵，而直接橫向拖曳區塊邊界，則會讓聲音的片段移動位置，主要是用來調整節奏的失誤、或用來拉長聲音之用。

歌手演唱時，有時走音或 vibrato 的幅度與速度控制得不好，則同一個音高區塊有可能還需要再切割，才能去調整更多 vibarto 的細節。整體而言，音高校正若要校正得完美，其實也是蠻費時的，且需要很好的耳朵與音樂審美的能力，如果只要校正個大概，挑選比較嚴重的問題來校正，則倒也可以很快。以上就是此次使用 reason 10 來作音高校正的實作心得分享。上面這個官方影片內容解釋得也非常清楚，憑藉網路影片，學音樂軟體其實越來越容易了。

相較於 Cubase 而言，Reason 的 pitch editor 介面更為優化，功能更為齊全，雖然 reason 沒有 cubase 自動寫四部合生的功能，MIDI 相關的編輯能力也不及 cubase，且也無法導入影片，但整體操作介面上都傾向盡可能的友善與易懂，電子合成器音色也非常豐富，母帶處理的套件也非常完整且有預設值套用，可說是非常方便的編曲工具，系統穩定性也很高，其使用手冊更是一套非常深入淺出的聲音合成學習手冊喔，因此也是筆者長期追蹤學習的軟體之一，非常適合想學習聲音合成的人、也可作為專業編曲的附加輔助工具軟體。

影片摘要：

音高校正之步驟與要點：

1. 選擇要校正的音高
2. 點選 correct
3. 調整「白色圈圈」，以減低 vibrato （抖音）
4. 手動調整音高偏離太多而無法自動校正的音。snap （以貼齊、吸附音高格線的方式移動）、jump (以一個半音的方式移動，但不會吸附在鍵盤上的音高）、fine （微調）===> 三種方法中， snap 為最常用的模式。
5. 一個長音若其音高曲線偏離中心音太多，則可以使用 razor tool 切割成數個音，讓軟體重新偵測出短音的音高，再各自去調整其音高。（backspace 可以用來取消長音的分割）
6. 承上，option (alt) ＋ 滑鼠拖曳，可以用來修改「長音切成數個短音」的分割點的時間位置。
7. 「藍色圈圈」用來調整每個音與下個音之間的「連接區域」之範圍，若範圍越小，則音高轉換會比較直接、缺少滑音。

Steinberg 公司 30 週年慶，正舉辦 Cubase 半價優惠中

Steinberg 公司目前正在 30 週年慶當中，因此有難不錯的優惠，Cubase Pro 10 專業版 279.5 歐元（原價 559 歐元），比平常的學生價還要便宜，但就不知道國內代理商有沒有提供這種價格？筆者為何推薦 Cubase 呢，因為這大概是目前市面上唯一一款可以輸入和弦名稱就能幫你編寫四部和聲的音樂編曲軟體，此外其他功能也都一樣好。

最近這幾天剛好有學生在詢問要如何買到 Cubase Pro 10 呢？購買 Cubase Pro 10 的只要以學生證影印本跟國內代理商購買教育版（內容跟專業版無異），就能有教育價優惠，價格約在 13500~ 14000 上下，這種盒裝的價格，裡頭是會附上一支硬體鎖及實體光碟。如果同學們想要利用目前原廠 30 週年慶的 Cubase 優惠，那麼可以至原廠網站購買網路下載版，為 279.5 歐元，搭配一支 elicenser key 即可。這支硬體鎖是用來儲存 cubase 的授權資料。硬體鎖跟國內廠商買也買得到，這樣就可以省下從國外郵寄的費用。所以呢， 9691(279.5 歐元) + 1800 (國內直購授權硬體鎖）= 11491。所以利用此次 Steinberg 公司 30 週年慶的折扣優惠，可以比直接跟國內代理商買學生價的 cubase 還便宜約 2000 台幣，但可能要花一點時間瞭解如何下載授權至 elicenser key 中囉！大家可以參考看看囉。

https://www.pcstore.com.tw/musictone/M44917211.htm

當然，若國內代理商也有提供三十週年慶的優惠折扣，且提供硬體鎖的盒裝版，那麼真的是要趕緊去購買囉。

不過話說回來，軟體更新很快，沒學好音樂理論與作曲能力，則並不建議太早購買任何編曲軟體，除非你用遠不打算更新軟體，否則每年軟體更新版都還要負擔升級費用的。

無提供碩士學位的應用音樂「學程」 vs 數位音樂「碩士班」

許多非科班的音樂創作愛好者，往往對於「名校」的流行音樂、應用音樂學程趨之若鶩，但學士後學程並不等於正式的學位，也沒有一般音樂系的主副修考試，表面上看起來可能有許多名人掛名授課，但掛名的人不一定授課，且真正的業界翹楚也可能沒有時間為了趨趨 700-900 NT 的鐘點費跑一趟學校授課，因此表面看到的文宣未必符合實際的內容。從另一個觀點來說，有時業界師資願意在名校掛名，其實也是為了增加自己的名聲，再用名聲換取更多的業界機會，所以有些音樂的學習者認為「學歷」不重要的想法、認為自己以後完全不想從事教學，正是忽略了碩士學歷、以及大專兼課講師對於個人名氣與品牌經營的幫助，畢竟有了品牌與名氣， 才有自我價值提升的機會，而可能因此獲得更多相關的專業工作機會。然而，學歷並非絕對的收入保證，若空有學歷沒有實力，高學歷雖可能使初次合作的客戶比較願意信任，但一旦被發現只是空有文憑而無實力，則久而久之也難以立足業界。

大體而言，數位音樂、流行音樂學程的課程多半是一些短期可以成就的知識或技術，沒有一對一的作曲主修、副修課程，只有大班課軟硬體技術的課程或工作經驗分享課程，比較適合已經有作曲能力而想增加數位音樂知識者。學程之所以稱為學程，主要原因就是教育部對於學程的專任師資員額要求不高 、且軟硬體設備與空間規劃的要求較低，並屬於一個學校中的暫行教學單位，也因此授課的老師們都是暫時的、兼任的老師，教師們對於長期妥善規劃、經營課程這件事的心力有限，更不可能像一般健全的系所一樣，專任老師們會去開課程會議，協調授課內容整體的系務發展方向，也是人之常情。

至於若立志想成為專業作曲家，但尚無音樂創作能力、未經和聲理論訓練者，則筆者建議以追求音樂創作相關的碩士班為目標較佳，這些數位音樂或音樂創作的碩士班最大的優點在於提供一對一的音樂創作主修課程，可以由老師一對一的引導之下，逐漸強化自己的專業作曲能力，且在音樂系底下學習，系所對於音樂能力有一定的要求，且有其他樂器主修的同學一起修課、交流，對於日後在音樂上的發展頗有幫助。此外，音樂系底下的碩士班， 往往提供了其他演奏相關的主副修 課程，有更多器樂學習的機會，可藉此增加音樂經驗 。客觀而言，若同樣是花兩年，筆者並不建議先往無學位的音樂學程鑽營，因為軟硬體技術更新得太快，業界經驗分享式的教學也對於沒有紮實音樂基礎的人幫助有限，等於本末倒置，花了兩年學習數位音樂軟硬體或聆聽哪個大案子賺了多少錢、做了什麼商業談判等，卻沒有同時學習音樂本身能力，實際上並沒有太大益處。此外，又偏偏軟硬體的技術淘汰得很快，可能等多年以後音樂創作能力成熟時，又必須重新學習數位音樂軟硬體，那麼就等於白白浪費了兩年的時間，且也拿不到正式的碩士學位，無法運用一些教學工作來增加穩定性的收入或建立專業名聲。當然如果資金充足可以在無學位的學程之外另外找個別師資指導音樂創作、及相關音樂理論、演奏與即興能力，也可以達到碩士班一樣的成效，只是仍會缺少一張碩士文憑。文憑的作用在於找工作、等待接案時，提供進可攻、退可守的保障，也是個人名氣、能力的一個表面證明。有了音樂碩士文憑，在沒有案子可接的時候，可以至音樂教室兼課、也甚至有大學兼課的機會（大學兼課講師的基本要求是碩士學位，以無學歷要求的專業技術人員聘僱，則需要有非常多年的業界實務工作經驗）。

總而言之，無論是否花了了兩年進入數位音樂學程或碩士班學習，要成為專業的作曲家，絕對不能不重視音樂基本能力，況且音樂創作能力會隨著紮實的音樂理論能力、創作經驗的持續累積而與日俱增，數位音樂軟硬體技術與知識卻是沒有持續更新就淘汰很快（例如：五年前考的音樂軟體證照，過了五年若不用此技術來創作音樂，等於廢紙一張，要使用軟體時又得重新學習新的操作介面、與新的編曲工具），因此哪個為主、哪個為從，道理應該非常清楚了。原則上，筆者建議無論是否準備數位音樂碩士班、或先參加數位音樂學程，就專業作曲家的生涯規劃而言，音樂創作相關的理論及音樂本身的能力是絕對不能偏廢，而必須立即學習、長期累積、先打好音樂本身的基礎才是應用音樂學習與長期自我經營的根本之道。此外，由於學歷、實力其實都重要，因此兼顧兩者，才是致勝之道。

音樂創作能力之養成：音樂天才 vs 音樂理論的後天訓練

筆者最近在音樂系大班音樂理論的課堂上，發現有一位鋼琴主修的學生非常快速而精準的視奏能力，以及多種音樂風格的即興與創作能力，當然更不用說有絕對音感。他的即興能力的確讓筆者非常好奇這位年輕的音樂家到底是透過何種學習管道而達成這種能力，他的能力不僅是古典音樂的照譜彈奏，而是可以立即改編既有旋律變成不同風格的音樂。經過詢問，這位年輕的鋼琴主修生進大學之前只唸過一年音樂班，其它則是一般的古典鋼琴課訓練。他的視奏能力是在鋼琴學習的過程中，就自然發展出來的，他的即興與創作能力則是透過彈奏多種曲目以及自己揣摩得到的一些即興與創作經驗，這位學生本身其實理論能力也非常好，甚至比理論作曲主修生的理論能力更好，結論就是他的音樂能力來自天分與後天的努力。天分根本是可遇而不可求的，但若本身沒有後天的努力，也很難有後來的造詣。

我跟本中心的 Anning 老師分享了這個案例，她認為在音樂創作上有高成就的人，第一等的人來自天份，第二等的人來自紮實的理論訓練。我也覺得頗為認同，一般學音樂的人要跟音樂天才比較音樂能力有一定的難度，但還好真正的天才並不多，有趣的是許多沒看過真正音樂天才的人，卻常誤認自己是天才而不太需要紮實的學習或訓練；實際上，願意下苦工把理論紮實學好的人實際上也不多，或者說有機緣遇到好的老師引導理論的學習，且可以耐得住性子一點一點打基礎的人也不多。我想這也是為什麼創作應用音樂的人很多，但是許多的曲子都是大同小異， 真正不靠歌詞而靠音樂卻能動聽的作品並不多。這些大同小異的商用音樂若有運氣，或許會被用在某一個特定的媒體上，但過了一段時間，就不會有人再去聽這種音樂或演奏這種音樂。然而，某些比較具有特色與創意或特別感人的作品仍會被留下來，被一聽再聽，或被拿來改成各種不同編制的版本而被演奏，或被其它人拿來研究，繼續發揮作品的價值，而其中的創意、特色、或感人的特質，若不是來自天才的能力，就是來自音樂理論能力的積累，因為學得比別人多，所以創作的語彙也比別人多。

許多人以為音樂理論的訓練就是讀很多音樂理論的書，然而其實真正的音樂理論的訓練，光讀書是不夠的，而是需要一套有效的練習方法以及實踐方法，這就好像學鋼琴，許多人以為慢練、多練就會變成鋼琴家，但其實專業的鋼琴訓練是有許多特殊的練習方法的，否則有許多手指技巧單純靠著慢練、多練，根本沒辦法克服，只是事倍功半而已。一位好的音樂創作的老師，除了熟悉音樂理論的內容之外，還必須要有統整各種音樂創作相關細節與技巧的能力，照本宣科的教學其實並不難，但若要能夠融會貫通，瞭解各種理論背後的理由，而非只談死規則的教學者卻很少，往往需要長年累月的積累與努力才有辦法達成。其實每種理論與規則都有其背後原因，不求甚解的去記憶是很難讓學習者能夠活用而不被理論綁死。從情感的層面而言，音樂要能感人，也不是僅靠著系統化的音樂理論就能達成，也非單靠直覺，而是需要有資深作曲者引導學習者去思考聲響或和聲可以怎樣跟情感產生連結，並且透過對比性原則而被強化，這類較無法系統化的技能，也鮮少出現在書籍當中，而是靠實作與師資的修改與引導，而使學習者能慢慢內化的能力。這也是為何音樂創作入門看似簡單，但成為一種專業卻可以很高深的原因，換句話說，不只是作品的品質可以有很多種不同等級與層次，音樂創作教學的專業，也有很多種不同的等級與層次。

非天才的音樂學習者，除了音樂理論需要紮實訓練之外，更需要有一段較長時間持之以恆的學習，中間不能間斷，因為音樂理論的能力其實也一項音樂能力，需要每日練習、定期到課，才有辦法漸漸熟練而強化反應能力。許多非科班的學生往往無法認清這點，兩天捕魚、三天曬網，沒有辦法堅持每日一定要空出時間練習、每週一定要到課學習，則學習的效益會大打折扣，因為音樂理論的熟悉與反應能力，如同學習樂器一般，學習若未能持之以恆，則如逆水行舟，不進則退，最後仍可能面臨將所學忘記大半的窘境。其實學習任何高度專業的科目也是一樣，想成為某個領域的專家，就需要天天接觸這個領域的內容，對於初學者而言，由於熟悉度不夠，更不該斷斷續續，才是最佳的進步方法。

Reason 與 Cubase 的串接

前一陣子因為廠商委託的專案，要製作一個印度旅遊宣傳影片配樂，因為音色上的需求，使得筆者不得不把 Cubase 與 Reason 相結合，以增加製作的效率。筆者通常依據音樂的風格需求，去選擇合適的編曲軟體。筆者認為 Reason 在電子樂器的部分，有非常不錯的音色表現以及電子樂器之編曲工具，但筆者的 Reason 8 無法外掛第三方的音色庫，筆者沒有再去買新版的 Reason，因此仍無法使用外掛 VST 的新功能，且即使新版的 Reason 仍無法支援導入影像的功能； Cubase 則是方便外掛第三音色庫，並且提供了更多 MIDI 編輯的各種工具，也可以進行影音同步。然而，Cubase 雖然也有內建電子樂器，控制上相較之下，並不是那麼方便，因此有時候仍需要結合 Cubase 與 Reason 來完成專案製作的音色需求。下面這首作品，就是此次配樂專案中，其中一個測試版本的 demo，製作的需求在於結合印度風格元素，依照影片的順序，表達宗教神秘色彩、山林之趣、以及曲子尾部的文化慶典活動作為高潮點。

 


透過 Rewire 的通訊協定，讓 Cubase 可以變成主程式，使 Reason 跟 Cubase 串接在一起，聲音串到 Cubase 中，並且由 Cubase 來控制 Reason 的播放與速度變化。然而這兩種軟體要串接在一起，專案完成後，若未來要重新開啟，似乎也不是這麼方便。使用者自己知道這兩個軟體要怎麼串，有哪些相關設定，才不會遺漏掉 Reason 中的音色設定。在此次專案中，筆者發現兩個軟體的串接，似乎常常失敗，經過搜尋國外的相關網站的相關討論以及筆者的測試，終於得到一個比較穩妥的串接步驟，也同時發現一些串接上可能遇到的問題，記載如下：

1. 開啟 Cubase，確認 Studio 選單中的 Rewire Setup 要先勾選 Reason。(Studio Setup 中 VST Audio System 的選項 release driver when in background 要取消勾選。)

2. 開啟 Reason。

3. 開啟 Reason 專案文件。

4. 開啟 Cubase 專案文件。

5. 再到 Cubase 的 Studio 功能選單中，確認一下 Reason Rewire 有沒有成功。(第一次設定時，有時點一下沒反應，那麼要點開與關兩次，也許就能順利讓 Cubase 找到 Reason 已經開啟的樂器)

6.  將 Cubase 專案中給 Reason 的軌道之 MIDI OUT 指定為專案中的 Reason 之某項虛擬樂器。(Cubase 似乎不會自己找到，每次重開專案，都必須手動去連結指定的 Reason 虛擬樂器)

7. 上面設定完成後，還可能發生另一個問題，是 Cubase 之下，MIDI 鍵盤所觸發的 Reason 音色，以及 MIDI 鍵盤所直接觸發的 Reason 相互重疊，導致使用者無法將 Cubase 底下的 rewire 軌道靜音。這個問題其實是來自 Reason 內部的 MIDI 設定中，沒有取消停只接收 MIDI 鍵盤訊息的緣故，導致 MIDI 鍵盤 送至 Cubase 的 MIDI 訊息可能透過 Cubase 傳到 Reason 並觸發音色，而 MIDI 鍵盤自己也會直接觸發 Reason，造成不必要的麻煩。因此此時需要到 Reason 的 MIDI 鍵盤設定中，選取停用 MIDI 鍵盤的選項。

8. 補充說明: 關閉專案時，必須先關閉 Reason 專案，才能關閉 Cubase 專案。



結論: 
Rewire 的程序真得頗為複雜，比想像中的還麻煩，只要順序錯或步驟錯，就沒辦法執行喔 !

另外，若是使用舊版的 Reason (32 bit) 可以下載 Rewire 64 to 32 bridge。
https://blogs.yahoo.co.jp/alipapa_p/62911864.html

若希望 Reason 可以藉由 VST 的方式掛在 Cubase 中，那麼可以安裝 Rewire VST
http://www.energy-xt.com/index.php?id=0115

理論作曲主修 、 應用音樂主修 vs 配樂市場

許多人夢想從事配樂工作，但走錯方向的人真的很多，近來跟幾個學生分別聊到這些問題，越來越覺得許多人對於配樂的學習是走錯了方向。沒有預先瞭解配樂的市場趨向，很容易就走偏了路而不自知。無論是念理論作曲主修、或念應用音樂主修，就配樂的創作而言，有時反而成為了兩個極端，方向皆與配樂市場不同。

許多人以為理論作曲主修的人要寫配樂，只要學學軟體就能勝任，但目前看來並非一定如此，由於大學或碩士班理論作曲入學考試時，多半考生會選擇寫無調音樂，因為這種實驗音樂對於樂理能力的要求不高，因此逃掉了去深入研究調性音樂的機會，如果考生僥倖考上理論作曲組之後，又是閒散度日、純粹只是在應付無調音樂的主修考試，沒有犧牲玩樂的時間去研究調性音樂的創作，那麼畢業之後在調性音樂能力仍然無法長進多少。然而，更糟糕的現象是，許多學理論作曲的學生，會誤把「創意」當作「隨意」，而將調性音樂的寫作看得太容易，眼高手低的情況下，那麼就更不可能重新仔細鑽研調性音樂的語法了，到頭來寫出來的調性音樂，可能品質還不及一些非科班卻不斷努力聽音樂與創作音樂的人了。

另一個極端則是非傳統音樂系底下的應用音樂科系，由於不強調嚴謹的古典音樂之訓練，常又把學生導入到爵士音樂的「隨興」創作，走入了另一個與配樂市場背道而馳的方向。爵士音樂與配樂的主流市場所使用的和聲與音樂的語法，仍有許多不同之處，多學一定是好事，但大方向沒掌握，那麼仍然走不到想達到的目標。

音樂的領域其實分得頗細，連創作的方向也分得很細，有些創作是為了學術、有些創作是為了舞台上的即興器樂表演、有些創作則是為了影視或多媒體配樂的市場，每一種東西都會一定是最好，但人的時間並不是那麼多，因此學習要掌握重點，釐清處自己的方向，深入瞭解自己未來生存空間與市場需求，才知道學習上的優先順序吧。

已是音樂系科班學生，要如何準備應用音樂碩士班的考試？ 該如何準備進入業界？

科班生想轉攻應用音樂相關碩士班，可以透過我們的數位音樂課程，規劃完成三首數位音樂作品為目標，藉由我們提供的創作指導，瞭解數位音樂的軟體、硬體該如何架構以及音樂性細節的修飾，也可同時瞭解自己在應用音樂的創作上，還有哪些音樂上可以補強之處。這些作品可同時作為清大、輔大、文大、師大應用音樂相關碩士班的備審資料，作品的品質至為重要。

整體而言，現在理論作曲科班生由於入學考試的競爭較少，導致整體素質下降，許多考生都是高中才開始準備大學音樂系理論作曲考試，因此有時調性音樂的能力並不如外界或學生自己想像得好，對和聲的瞭解亦不夠深入。另外，音樂系的學生另一個較大的障礙是軟體使用能力以及建構自己的軟體工作站的能力較差，一般大班課的補習班或學校數位音樂課程，由於軟體資源有限，也只教授某一套編曲軟體，卻不會提及各種音色庫的相關使用、哪些音色庫適合哪些曲風、哪些音色庫或特殊編曲工具好用、各種音色軟體要如何安裝等等。有人引導入門，可以省掉許多摸索的時間。在本中心的非科班生的應用音樂碩士班升學的輔導案例中，在 106 年度輔大的應用音樂碩班考試，本中心輔導的非科班生考試成績就優於音樂系理論作曲主修的學生，而把國立大學理論作曲主修的學生擠到備取名單，可見理論作曲主修生在應用音樂創作上，仍常有不足之處，最怕的是這些理論作曲的學生想進入應用音樂，卻不認為自己有缺什麼樣的訓練，那麼就無從進步。以學習和聲為例，許多科班生對於和聲學的態度，認為瞭解概念就可以自由創作而不需要再深入研究了，但這種想法往往阻礙了和聲語彙的學習，在許多的名家作品或古人的作品中，其實有許多值得特別去記憶的和聲進行，但許多人學習和聲卻未曾去深入瞭解這個部分，這就好像大家都知道文法大致上的原則，卻沒有針對優美詞句或片語下過苦工，那麼就很難寫出文情並茂的文章。

此外，由於大學或碩士班理論作曲入學考試時，多半考生會選擇寫無調音樂，因為這種實驗音樂對於樂理能力的要求不高，因此逃掉了去深入研究調性音樂的機會，如果考生僥倖考上理論作曲組之後，又是閒散度日、純粹只是在應付無調音樂的主修考試，沒有犧牲玩樂的時間去研究調性音樂的創作，那麼畢業之後在調性音樂能力仍然無法長進多少。然而，更糟糕的現象是，許多學理論作曲的學生，會誤把「創意」當作「隨意」，而將調性音樂的寫作看得太容易，眼高手低的情況下，那麼就更不可能重新仔細鑽研調性音樂的語法了，到頭來寫出來的調性音樂，可能品質還不及一些非科班卻不斷努力聽音樂與創作音樂的人了。

就就業的長遠規劃而言，無論是科班生或非科班生，可以自己列出商用音樂市場上常見的五至十種音樂風格，慢慢針對這些風格去累積相似的作品。廠商要找人做某種音樂，就是要聽接案者是否有相似風格的作品，音樂系的學生通常最容易拘泥於自己習慣的風格，也常有眼高手低的情況，也使得作品常難以符合市場需求。因此長期針對市場需求來累積作品、並進行商用音樂風格模仿是必要的。筆者比較建議可以先從遊戲配樂的相關風格入手，再慢慢延伸到其他風格，因為遊戲配樂市場是剛性需求，比較不受唱片市場影響，其他的市場也包含宗教音樂、動畫配樂、畢業歌編曲、英語教材編曲、兒歌編曲、流行歌編曲與創作、各類廣告音樂創作、布袋戲音樂創作、劇場音樂創作等等，其實範圍與風格都有頗大的差異而需要花時間去嘗試創作並累積有品質的作品。

非科班考生考大學應用音樂的準備策略

非科班考生每個人的學習背景不一樣，往往需要特別針對每個人不同能力來規劃考試策略與準備方式。考應用音樂相關科系大學部，由於輔大、中山、南藝三間學校要求不同，考生準備策略一旦錯誤，將可能白費功夫。輔大名額全國只有兩名，雖然是私大，卻是北部唯一一間應用音樂創作的學校，因此難度極高，但不考視唱聽寫樂理，故不用參加聯合術科測驗；中山名額只有 6 名，但需要長期訓練的小三科（尤其聽寫）要花很多時間準備，作品也要準備，算是各項能力皆篩選嚴格；南藝則創作組首重作品，名額也比較多，但學科不能太差。許多非科班考生花了很多時間準備視唱、聽寫、樂理，卻沒分配足夠時間給最重要作品，然而三間學校都要作品，佔分都很重，面試時作品就是入學關鍵，所以沒提早準備作品，往往是最大失策，因為小三科只有中山要計分，作品卻是三間學校都要計分。

有些人認為考試的代表作品就是靠著直覺做簡單的創作，哼哼流行歌的旋律，或利用 loop 堆疊出一首作品，是非常冒險的想法，由於考試面試的時間有限，必須在面試中展現自己音樂能力的極限，因此作品應該要求較高品質與足夠的複雜度、也需要注意更多的音樂細節、和聲變化、轉調、曲式設計，甚至數位音樂配器的處理技巧等，若沒有專業師資的指點與作品修改，要想拉高作品與面試的分數，將會非常困難。有些人可能認為寫鋼琴曲即可應付應用音樂的考試之作品需求，然而若是在作品上只有辦法寫鋼琴曲，沒有數位音樂的技術，那麼可能考生需要更加強自己的學科，利用學科把分數拉高，以減少術科的影響力，但倘若遇到學科好、作品也好的競爭對手，那麼也只能自認能力不足。反過來說，如果應考不用準備得很充分、作品簡簡單單寫就能考上，那麼這樣的學校收進來的學生必然音樂程度很差，大班課將因為同學們程度差，而使師資無法教任何進階的音樂技術，這樣的學校該不該念，就必須謹慎考量。以輔大應用音樂為例，十年前的考生就已經有人使用影片結合數位音樂的方式考上應用音樂組，那麼以現今的考生該準備到哪種專業度，可想而知。

再者，有面試的考試跟一般純粹筆試很不一樣，考官通常面試時會將想要錄取人與不想錄取的人成績差距拉大，以降低其他筆試的影響力，這是所有音樂系所考試常見的情況，因此作品的重要性往往比簡章上寫的配分方式更為重要。原本準備時間不足的人，更不該再設定理論作曲為備案，因為兩邊的東西要求很不一樣，理論作曲組要加考鍵盤和聲、鍵盤轉調、和聲學高音題，以及現場自己寫的音樂還要能自己視奏，外加副修樂器的考試，因此原本音樂能力不佳且學科能力較差者，越是分散心力來準備多種考試，考上理想學校的機率越小。若本身音樂理論基礎、鋼琴的能力非常優秀，學科也很不錯的非科班考生，且又能有兩年(是指二月份術科考試往前推兩年) 左右的準備時間之考生，才適合同時跨考不同的主修。

非科班考大學音樂系，往往礙於時間緊迫，鎖定某幾項科目來準備，以確保能夠考上某一間學校，或是一次準備多種科目，想要每間學校都考，真的很需要智慧，也跟每個人原本的音樂能力有關，每個人都有適合自己的選擇，而不是盲從才是。若能有專業師資的協助評估與策略擬定，也許就能夠提早知道合適自己的考試策略。基本上，考生必須瞭解：樂理、視唱聽寫這些科目，可讓一些原來就可以考得上的人，更有機會進到想進的學校，也可以讓學習者強化音樂的基本能力，但是考不上、考不好的主要關鍵一定是在跟自己專業有關的主修，不管這個主修是透過大考或者是透過面試來鑒定。

同樣是一對一的音樂創作主修課，內容差很大

為了準備作曲、應用音樂的升學考試、應用音樂留學申請、或為了提升音樂創作能力而尋找一對一的師資時，許多人常會找到不適合的師資而無法在有限的時間完成有效率的學習與目標導向的準備工作，因此該如何選定師資與授課方式呢？有以下兩個原則：

(1) 主動式引導的教學方式：

首先來談大學音樂系碩士班、大學部、國高中音樂班的一對一作曲主修課在上什麼。這種一對一的主修課，教師通常都是以「被動」的方式去指導學生，由學生自己去創作音樂，再由老師根據跟人經驗對於學生的作品做出修改建議。這種上課的方式，比較適合非常有「主動」學習能力、以及有較深厚音樂理論底子的人來學習。這種課程中，老師對於課程內容要上什麼，有較大的自由度，通常也較不受學校課程規劃的限制，所以無論在音樂班、音樂系，老師們最喜歡上這種課，因為幾乎不需要備課。然而這種學習方式可以適合長期學音樂的科班生去發揮自己的作品上的創意，卻不適合音樂基本能力不佳的非科班生。非科班生所需要音樂創作訓練，是一種整合式的、更系統化的音樂創作訓練，才有辦法在短期內將作品提升到一定的程度，來符合考試的需求。音樂經驗不足的初學者原本就無分析音樂的能力、讀過譜例或演奏過的曲目也很少，便只能毫無頭緒的方式去寫很陽春的曲子讓老師修改，若是以升學考試為目的，由於準備期非常短暫，補教課程又不像學校音樂系可提供多種大班課來補足學生音樂經驗的不足，則前述「被動式」的教學方式絕對無法讓非科班考生在短期內進步，換句話說，此種放任學生自由創作再由師資修改的方式，只適合已經有豐富的音樂經驗以及一定的音樂分析能力的學生，並不適合音樂經驗較少、樂理能力不佳的非科班生進行有效率學習。然而有些大型補習班的師資，在帶音樂創作主修生的方式，礙於自身的教學經驗、課程規劃能力、以及音樂理論能力之不足，往往仍持續採取這種方式來引導學生準備考試的創作代表作品，對於非科班生準備時間有限的情況下，可說是非常不利。

(2) 跨域整合的教學方式：
音樂創作的學習方式，要能夠更為具體且明確，就需要透過深入的作品分析與模仿，然而分析作品的能力往往跟師資的學經歷、創作資歷、音樂理論能力有很大的關係，若又要將數位音樂的技術整合進去，則師資本身又更必須有豐富的數位音樂製作的能力。以應用音樂考試的準備而言，許多家長或學生在尋找師資與自己規劃學習方向時，常誤以為有效率的應用音樂學習，也可以將「作曲」、「電腦軟體」、作曲所需的「樂理」分開學，每個科目各自尋求不同的學習管道，找最便宜便利的資源，就能夠在有限時間內達到學習目的，殊不知拆開各種科目分別學習，將要花更多的時間才有辦法整合所學的東西，就升學考試準備有時程的限制的情況下，是非常不智的策略。許多家長或學生為了省錢、或貪交通便利、或誤信有漂亮門面的補習班可能教得比較好，於是有人要考應用音樂創作，卻找了只會理論作曲而不會數位音樂的師資，以為只要再找個網路影片或軟體手冊學軟體操作，這樣就能快速把這些知識融會貫通，然而數位音樂又豈是會單一軟體的基本操作而已，實際上牽涉到如何透過不同工具與本身的音樂素養，將音色與音樂表情修飾得更有音樂性，也牽涉到許多音色庫的選擇能力與使用經驗；也有些家長幫孩子尋師資，想考應用音樂創作，就乾脆找個應用音樂科系畢業的師資，結果這種師資完全不擅長音樂理論，只會憑感覺創作，論及樂理也只會照本宣科的介紹基礎樂理，無法深入更細節的內容與創作上的應用細節。這種案例可說常常出現，筆者就遇過幾回來洽談、或甚至上過一次課的學生，明明音樂潛力很好，原本應該可以上國立大學，卻比較相信大型補習班而轉而接受大型補習班的課程，結果一個落榜重考、一個只能考上最後段的私立大學理論作曲；也有一些考生在接近考試的後期才發現大型補習班在作品指導教學上的問題，才轉來筆者這裡學習，但礙於時間已經太緊迫，仍然不得已必須再延後考試的時程與規劃。

實際上，應用音樂創作相關考試的準備，若要在短時間內有效率的學習，應該找能同時整合音樂理論、電腦軟體技術、作曲技巧的師資來學，但就國內的目前狀況而言，在師資的學擇上並不容易找到具有真正有應用音樂跨領域能力且音樂理論功力深厚的師資。一般而言，應用音樂系畢業的師資往往由於在學期間，學校課程規劃的問題使得其在音樂理論上的能力較為缺乏，所以她們通常不太樂意教授學生和聲學四部寫作的技術，因為她們的訓練在這個部分比較匱乏，也幾乎沒有作品分析的能力，也通常沒學過樂曲分析或曲式學的課程；理論作曲畢業的師資則也是由於在學期間，學校課程規劃的問題，使得其在電腦音樂的能力非常薄弱，因此往往會要應用音樂的考生自己去坊間學軟體操作，導致學習者無法有效的整合音樂創作的內容與所需的軟體技術，而只能學到某一個特定軟體操作上的皮毛，無法藉由軟體的潤飾，增加作品的品質；至於作曲技巧與方法的傳授，由於抽象性更高，即使作曲主修或應用音樂主修的碩士級師資，若未曾下過苦工摸索與深入研究創作技巧，一樣無法清楚掌握音樂創作與音樂創作教學的訣竅，應用音樂的考生若要在一、兩年內學得有效率，找這樣的老師則絕對無法在短期內提升作曲能力。

綜合以上所述，對於非科班生而言，由於準備時間有限、本身音樂能力也有限，因此更需要高效率的學習，在尋找師資時，應尋找能夠精熟作曲相關理論與技術，並且具有「主動式引導」學生創作、以及具有「跨域整合」條件的師資為佳。值得注意的是，由於現階段考試的制度一再改變，以應用音樂創作相關的科系而言，台南藝術大學應用音樂系目前已經不採記術科成績，有極大的分數比例是看考生的作品，中山、輔大也一樣非常重視面試的成績，而面試主要就是在展現個人的作品，因此尋找一個教學資歷與學經歷俱佳、創作經驗與跨域能力豐富的師資，對於考生而言更加顯得重要了。

＊根據瞭解，以 2017 年的狀況而言，某知名的大型音樂補習班個別課的費用高達 2700/hr，師資多為碩士學歷，然後還要經過補習班老闆抽成而可能減低師資教學熱忱，其視唱、聽寫、樂理的大班課，也高達 1200/hr；但 2017 年 Learnmusic 的資深博士師資個別課費用為 2200/hr，碩士個別課師資為 1200/hr～2000/hr，對於老師們也無費用抽成，不同科目師資之間也保持緊密的合作與聯繫，並隨時注意學生的學習狀況，CP 值算是很高。）

Learnmusic 的師資介紹在此：

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Learnmusic 的最新課程費用在此：

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Learnmusic 考大學應用音樂相關科系的課程說明在此：

http://learnmusic-tw.blogspot.tw/p/blog-page_25.html

Learnmusic 考碩士班應用音樂的相關課程說明在此：

http://learnmusic-tw.blogspot.tw/p/blog-page_3640.html

學習應用音樂創作的迷思

許多想要學習應用音樂創作的人往往有許多錯誤的觀念，導致學習方向錯誤，花了時間與金錢卻是事倍功半，以下列出幾項常見的迷思：

1. 誤以為學應用音樂創作最重要的就是電腦技術、硬體操作的技術。事實上，軟硬體操作的技術是最容易學習的一環，買了機器、看了手冊、看了 youtube 教學影片就能自學。市面上也有許多數位音樂軟硬體的相關書籍可作為學習資源。再者，軟硬體技術更新日新月異，個人電腦的普及也使得要建議自己的數位音樂工作站更加容易，就音樂創作的學習順序而言，軟硬體技術絕對是最後一環才需要學到的東西，越晚學習，學到的技術反而越新。

2. 誤以為應用音樂創作不需要學習樂理，只需要靠直覺來創作。事實上，靠直覺來創作常常只是把以前聽過的音樂片段拿來拼湊而不自知。作曲學習者應該非常瞭解每一種作曲技巧、和聲進行所能帶來的心理感受，才能快速針對客戶的需求去設計合適的和聲。另外，簡易的和聲知識只能應付一部份的商業需求，對於音樂創作能力將造成很大的侷限。

3. 誤以為爵士和聲比傳統和聲更為重要，事實上爵士和聲大部分的理論是擷取傳統和聲學的理論而發展，至於爵士中獨有的部分，卻偏向放棄「不諧和解決到諧和」的音樂表情，導致純粹的爵士音樂只能固定用在某種場合或氛圍，沒辦法刻畫深刻的情感，在商業音樂的應用上也很有限。商業音樂中，許多大量使用七和弦、九和弦的音樂，搭配了輕快的節奏或搖擺的節奏，聽起雷同爵士音樂氛圍的作品，實際上並不需仰賴爵士樂理，而只是傳統的和聲理論之延伸應用而已，亦即並不需要再特別去學習一套爵士和聲理論。

4. 誤以為樂理的學習，只要把樂理書看懂就好。實際上，看懂樂理書跟學到樂理應用的能力是兩回事。專業的作曲家基本能力之一，是熟悉和聲的法則與各種相關的作曲技巧，並且能運用這些法則與技巧，立即在鍵盤上即興，數位音樂的作曲家尤其需要這種即興能力，因為如此才能節省時間成本，以極高的效率完成客戶的委託，即興的內容也不會只限於一套固定的公式，而是有各種的變化。

5. 誤以為學習作曲主要的目的就是在學習各種「風格」的作品，實際上，作曲課程學習的重點應該是關於和聲、曲式、句法結構、材料發展上的各種思考，而非特定風格元素的學習，音樂的風格是無窮無盡的，因此重要的是作曲家分析音樂元素的能力，有了分析能力，任何風格都能夠透過分析與模仿，達到創作的目的與客戶的要求。

6. 誤以為學習應用音樂創作不用會樂器。事實上，許多時候，創作過程仍會仰賴在樂器上做測試，結合音樂理論與鍵盤測試，更易達到合適的和聲設計，例如一些電影配樂中，有些複雜的半音和聲，實際上是作曲家同時憑藉樂理能力及鍵盤樂器上的實驗而來，實驗的重點不僅是縱向音響、和聲進行、也關乎橫向橫向線條的流暢性。因此不會鍵盤樂器的人，在進階樂理與創作的學習上常會受到侷限。

7. 看到一些未受過正統音樂訓練卻能成名、成功的作曲家，就誤以為人人都能有自學創作的能力。實際上，成功者的背後許多努力、特殊的學習機緣、成長環境、個人音樂天賦、個人的特殊人脈關係等，都是外人無法完全瞭解的。因此別人自學能成功並不代表自己也能自學成功；別人能靠幾招固定的和弦公式寫出一堆炙手可熱的流行歌，並不代表自己會了這幾套和聲公式就可以成為暢銷歌曲的作曲家，因為套招的、陳腔濫調的相同而簡易的和聲進行，並無法為作曲家建立個人音樂風格特色，也無法為作曲家帶來更多創新音樂想法，如果你的音樂中的和聲跟大多數商用音樂作曲家一模一樣、或有高度相似性，若無特殊機緣，仍然很難出頭。音樂的學習往往由於過於抽象、變化多端，沒人引導進行學習、沒有系統化學習和聲理論，學習的過程以及所需的時間就會拖得非常久，然而人生能專心學習的時光有限，如果到了工作的年齡（例如三、四十歲）還沒辦法達到中等水平的創作能力的，那麼往後要以作曲為生，機率就變得很小了。時間成本常常是學習者所忽略的，因此必須有縝密的時間規劃與學習計畫，才有成功的勝算。

8. 誤以為和聲學的學習只是練習寫「低音題」，或以為和聲學是一種沒有分「難度等級」的知識。事實上「低音題」只是基礎樂理考試所需要的基本能力，跟作曲學習者所需要學會的「高音題」不同；和聲學依照深度與難度、應用上細節的多寡、譜例分析上的複雜度，也有很多種等級，因此有的和聲學的書只有薄薄一百頁，有的和聲學書籍卻有六百頁，主要的差別在於初階的和聲學書籍只講如何「不犯規」寫出低音題來應付考試，而不細節談論音樂「品質」的相關問題。和聲理論可淺可深，就好像鋼琴學習一樣，曲目有易有難，同樣都叫做「和聲學」的課程，內容往往大不相同。

9. 誤以為學了音樂理論，就自然會作曲了。事實上，音樂理論如和聲學、對位法等的能力，有如武俠片中所說的內功，作曲能力與創意則屬於武功的招式，兩者都必須透過一番學習，才能成為優秀的作曲家。被動地吸收理論可能仍不足引發學習者對於理論細節的警覺度，仍必須透過主動去進行創作、將理論付諸應用，才能讓學習者直接面對創作技巧上的問題，而透過師資的引導，則有助於讓學習者瞭解作曲上的盲點與瞭解更多非系統化的創作技巧。換句話說，系統化的音樂理論學習、以及非系統化的作曲學習，是同等重要。

10. 誤以為學習作曲相關理論，只要每週上課，上課前花個幾小時寫寫作業就可以真正學得作曲的功夫。實際上，作曲相關理論的初學者跟演奏專業一樣都需要天天練習，如此才能保持專業者對於所學專業之警覺度，才能讓自己的技能持續而穩定地進步。（等到作曲技巧與理論的能力都很純熟後，作曲者的確可以比演奏者少練習一些時間，而仍然保有一定的能力）

11. 誤以為有效率的應用音樂學習，也可以將「作曲」、「電腦軟體」、「樂理」分開學，每個科目各自尋求不同的學習管道，找最便宜便利的資源，就能夠達到學習目的。許多家長或學生為了省錢、或貪交通便利，於是找了作曲主修或應用音樂主修的大學畢業生學作曲、樂理，再找個網路影片或軟體手冊學軟體操作，以為這樣就能快速把這些知識融會貫通。實際上，應用音樂創作若要有效率的學習，應該找能同時整合音樂理論、電腦軟體技術、作曲技巧的師資來學，但就國內的目前狀況而言，在師資的學擇上並不容易找到具有真正有應用音樂跨領域能力且音樂理論功力深厚的師資。一般而言，應用音樂系畢業的師資往往由於在學期間，學校課程規劃的問題使得其在音樂理論上的能力較為缺乏，所以她們通常不太樂意教授學生和聲學四部寫作的技術，因為她們的訓練在這個部分比較匱乏；理論作曲畢業的師資則也是由於在學期間，學校課程規劃的問題，使得其在電腦音樂的能力非常薄弱，因此往往會要應用音樂的考生自己去坊間學軟體操作，導致學習者無法有效的整合音樂創作的內容與所需的軟體技術，而只能學到某一個特定軟體操作上的皮毛；至於作曲技巧與方法的傳授，由於抽象性更高，即使作曲主修或應用音樂主修的碩士級師資，若未曾下過苦工摸索與深入研究創作技巧，一樣無法清楚掌握音樂創作與音樂創作教學的訣竅，應用音樂的考生若要在一、兩年內學得有效率，找這樣的老師則絕對無法在短期內提升作曲能力。事實上，音樂系的作曲主修課的上課方式就是讓學生自己先寫曲子，再來由老師依據自己的作曲經驗來修改，但這種上課方式對於音樂經驗匱乏的非科班初學者非常不利，因為音樂經驗不足的初學者原本就無分析音樂的能力、讀過譜例或演奏過的曲目也很少，便只能毫無頭緒的方式去寫很陽春的曲子讓老師修改，若是以升學考試為目的，由於準備期非常短暫，補教課程又不像學校音樂系可提供多種大班課來補足學生音樂經驗的不足，則這種上課方式絕對無法讓非科班考生在短期內進步，換句話說，此種放任學生自由創作再由師資修改的方式，只適合已經有豐富的音樂經驗以及一定的音樂分析能力的學生，並不適合音樂經驗較少、樂理能力不佳的非科班生進行有效學習。

12. 誤以為軟體的學習獨立於音樂創作的內容之外，是一種有效的應用音樂創作學習方式。軟體使用技巧之學習上，若只是學習基本操作或瞭解了手冊中記載的功能，而獨立於作品的內容之外的方式來學習，學習者最終還是只能學到基本的操作技巧，沒有辦法真正用軟體來完成一首專業的作品。例如不同風格的作品往往需要使用不同的音色庫或特殊工具，此種 Know-How 就絕非沒有豐富的業界經驗之師資所能傳授；又例如所有數位音樂的音色庫，都需要經過細微的參數調整才能模擬真實樂器，然而這種調整參數的能力也並非只是純粹軟體操作，而攸關使用者的高度音樂能力與美感經驗，這些修飾音色的技巧往往不會包含在坊間一般的音樂軟體教學的大班課程當中，乃由於教學者本身的音樂能力與美感經驗的不足之限制、或受制於音色庫的合法性的問題而無法公開教授相關技巧，因此通常並不會在一般坊間的數位音樂軟體教學中實踐，使得這些坊間音樂軟體操作的大班課充其量只能提供單一軟體的基本操作，而無法更深入整合各種專業音色庫。

VSL Instrument Pro 序列器解析

Vienna Symphonic Library (www.vsl.co.at) 為國外專業配樂家最常用的音色取樣軟體之一，也是音色庫中的極品，就筆者的經驗，這家公司所發展的音色庫在技術上比總是領先其他廠商五年以上，即使是今日音色庫廠商創意不斷的情況下，VSL 的產品仍有其獨特的優勢。其最大的優點在於各種不同的演奏技法可以讓使用者任意組合，但獨門的技術不只這些，還包含convolution reverb 空間定位、網路串聯多台電腦的音色庫、平板電腦的即時操控 keyswitch、取樣器中內建序列器可以自己設定要重複撥放的音樂片段，這些技術已經出來多年，但其他廠商仍然無法相比。當然這家 VSL 取樣音色有硬體鎖防盜，因此對於購買者而言是有保障的。以下介紹 VSL 的專業版取樣器的關於琶音器的操作方式：

左方介面：

(1) 介面左方為使用序列器自訂 pattern 的 Key Switch，要增加 Keyswitch 可以直接從矩陣介面拖曳出新的 y 矩陣即可。y 軸最多可以建 12 個 pattern。 

(2) Link 功能可以讓所有設定給 keyswitch 的 pattern 之相關設定做同時修改，按下 Link 鍵，則介面上方的相關設定(此時呈現淡紅色背景之區域）修改之後，將套用到所有的 pattern

上方介面：

(1) sequence 相關功能：drum mode 使每次被不同琴鍵觸發所得到的音高都不改變；loop mode 讓 pattern 可以重複撥放；synchronize 模式可以保證觸發的 pattern 跟小節內的第一拍會同步出現。

(2) scale 選項中包含了 perform in, written in 兩個項目，前者代表彈奏時的音階模式（大調、自然、旋律、和聲小音階），後者代表 piano roll 所記載的音高為哪種音階。對於會彈奏鋼琴的人來說，這兩者設定一樣即可。synchronize scale setting 表示所有的 sequence pattern 都選用相同的 scale setting（用於所有的 pattern 都以相同的音階紀錄時）。velocity range setup 可以用來設定「用力度範圍的界定，來選用的 pattern 所用的音階」。

(3) 每一個 VI sequence 中的音都可以自己選想要使用的音色，主要以 X軸所載入的音色為主。設定方法為選取特定音符，再到上方介面的 cell 中去點選所要使用的音色。(使用 shift 鍵可以同時點選多個 notes，分配給特定音色）（上方Ｘ意味清除音色指定）

(4) 每個 VI sequencer 最多可以同時撥放 16 種不同樂器 (1a~8a, 1b~8b)

(5) shift + 滑鼠點擊上方的1a~8a, 1b~8b矩陣之一，可以立即選出被指定到這些樂器演奏法的所有音符，並可從左下角的隱藏功能把不是此樂器的音符隱藏起來（但不影響撥放結果）

(6) 選取想要的音符，並點選 solo 鍵，可以讓 VI sequence 單獨撥放所選的音。

(7) 利用 operation 選單中的 split 可以將一個長音依照VI sequence 所設定的 grid 格線作分割，使一個長音可以立即變成一連串的短音。其他功能則包含等比例拉長、縮短、以及 quantize 等功能。

左上方介面：

snap grid 用來設定 quantize 的音符長度

其他注意事項：

Undo, Redo 的功能無法使用於 VI sequencer 中，需把Control + Z (undo) 的功能留給了主要序列器（例如 cubase 、pro tools 等）。

上述功能繁多，未盡之處後續會再補上。先把重要的一些功能介紹給網友們。

VSL Instrument Pro 之平板電腦連結方式 & 數位電吉他音色測試、Vocal Codex人聲音色測試

前些日子筆者跟一個彈電吉他很厲害的學生討論到數位音樂能否製作出不錯的電吉他旋律，也因此特別做了一點嘗試與搜尋，發現電吉他的確表情非常多樣，用數位音色想要模擬電吉他，難度可能比弦樂獨奏更難，因為電吉他除了很多演奏技法，還包含了效果器，因此處理起來格外麻煩。儘管跑錄音室找吉他手，就可以解決電吉他音色難以模仿的問題，但如果音樂製作的預算很低，作曲者又想多賺一點，且又能夠達到一定的逼真程度，並隨時可以加以修改音樂內容，那麼數位音色模擬的電吉他，仍然會是一個重要的工具。經過一番搜尋與音色庫的 demo 聆聽，覺得還是 VSL （Vienna Symphonic Library) 的電吉他似乎比較能彈性運用，因此就趁著上個月打折的時候，趕緊買了這館 VSL overdrive 的電吉他音色，使用起來還算順手的，當然一大堆 key switch 是免不了的，比平常自己在製作數位小提琴的音色更加複雜，使用到的 articulation 大約八種左右 （legato, non-legato, vibrato, bend, upward and downward run, FX) ，雖然還有更細的可能，但我只夠時間挑選幾個我覺得比較有區別度的音色，再多的細節就無法兼顧了。當然 VSL 系列，提供了 ipad 的 App 似乎是未來要做比較複雜的 keyswitch 必備的工具了，因為自己用滑鼠去 MIDI 軌道去錄製較複雜的 keyswitch 的音高，要處理頗久，不過目前這首音樂，還來不急實驗 VSL 的專用 APP，以下 VSL 的 APP 影片供網友參考。

• 在 mac 上的連接程序非常簡單:

1. 打開 Vienna Instrument Pro，點選右上角的設定圖示，進到 midi driver and remote control setup，勾選 enable remote control，就會出現一個 IP 位置與 port 名稱。

2. 在平板電腦上直接開瀏覽器，鍵入前述 IP 位址即可連線。

• 在 PC 上的連線略為複雜:

1. 設定防火牆: 筆者是直接在防毒軟體 VIPRE 中設定防火牆， 選擇 manage rules / application / any other application / trusted inbound 選擇 allow 或  prompt ，後者在 ipad 連線到主機時，會詢問使用者要不要允許連線，使用者再選擇要允許即可。

2. 打開 Vienna Instrument Pro，點選右上角的設定圖示，進到 midi driver and remote control setup，勾選 enable remote control，就會出現一個 IP 位置與 port 名稱。

3. 在 ipad 上直接開瀏覽器，鍵入前述 IP 位址即可連線。

4. 將音色矩陣中的 X 軸、Y 軸設定成由 keyswtich 控制。即可開始用平板電腦切換音色了。

除了上述的步驟之外，必須注意一般比較低階的 midi 琴種，可能只有一個 modulation wheel 以及 pitch wheel 可以做為調整 midi 參數的硬體，但 VI Remote 會占用掉 modulation 參數，用來作為切換音色的指令之用，因此若想要用 modulation 滾輪來控制 VI 的音量，則行不通了。可能得使用其他硬體推子或直接使用 VI Remote 的音量來調整其他的 VI 參數。

4. 基本的操作: 
(1) 選擇電腦最上方的綠色介面  control me 用來讓平板電腦的操控介面可以立即轉換軌道到當前的軌道。
(2) reverb 的推桿可以藉由單指觸控打開，雙指觸控 (或橫向移動來關閉)。
(3) 拖曳介面可以改變平板上每個介面的大小。
(4) 左方 midi 小圖示可以讓音樂撥放立即切到目前的所選擇的音色指令設定值上。



回過頭來看筆者的音色庫實驗，若從頭到尾都是電吉他，實在也很難讓人不覺得膩，因此順便實驗了前幾個月買的 Best Service Vocal Codex - Era II 人聲音色庫，剛買的時候覺得沒有想像中的好，但此次使用起來，還是覺得音色非常不錯，價格也不算貴，加上要被盜版也不是那麼容易，開始喜歡上這款音色庫了。

這些嘗試剛好可作為目前洽談中的一款遊戲配樂做準備，也從音色庫的使用中，學到一些新的樂器表情，並同時再增加自己的數位音樂語彙。另一個心得是軟體工具真的日新月異，如果不知道一些更效率的製作流程，那麼就無法增加製作速度，畢竟應用音樂不只講究品質，也講究時間效率。製作音樂的速度，也是筆者目前關注的一個主題之一，在此次實驗中，也結合了更多自動化的編曲技巧，目前也陸續傳授給現在跟筆者學習中的學生，也希望對他們有所幫助。



筆者過去做過的類似風格的作品如下，有興趣的也可參考，但下面兩首使用的音色庫不太一樣，主要仍以管弦樂為主，人聲也非 Best Service Vocal Codex - Era II ：

Best Service 人聲獨唱音色庫 ERA II - Vocal Codex

Era II - Vocal Codex 是 Best Service 在 2016 年年底出品的人聲獨唱以及一些音景特效。這款人聲比較另我感到興趣的地方是其人聲的 legato 相較於其他的人聲獨唱音色庫，算是做得非常自然。相較之下，8dio 的 Laurie 獨唱音色庫雖有民族式的唱腔之句子樣本，但有時難以控制其被觸發的是哪一個音色檔，且 Legato 設計得較不自然。Era II - Vocal Codex 則包含了四種不同唱腔與音域的人聲獨唱，其特色在於 legato 非常自然，且人聲可以拉得比較長，操作起來，可以用 modulation wheel 操控母音 A - E- I - O - U，至於不同的咬字則是使用 key switch 的功能來切換，兩者可相互合併使用，但仍有一些缺憾 :

(1) 民族式的史詩唱腔，聲音樣本不如 8dio 的 Laurie 多，但兩者如果併用，則可以相互補充。這也是現階段缺乏史詩式唱腔音色庫下，音色庫市場上少有的選擇了。

(2) 多音節的文字，無法依照使用者的要求來觸發不同音節，手冊上標明由由不同的 velocity 可觸發不同咬字，但實際使用上，卻比較像是隨機觸發。

(3) 一個有歌詞的句子的聲音樣本若尚未唱完，彈奏另一個有歌詞的句子時，兩者並無法銜接。當然這也是許多人聲音色庫的問題，

儘管如此，個人覺得 ERA II - Vocal Codex 仍然是很獨特的音色庫，價格上相對於其他音色公司的產品也算是便宜，159 美金能有這樣的品質，已經是不錯了，加上防盜機制算是做得不錯，因此也算值得投資的音色庫之一。(8Dio 的 Laurie 則要價 199 美金)

這款人聲音色庫其實價格算是相對便宜，四個獨唱人聲，加上音景音色庫，總共 159 美金（或歐元），四個不同的獨唱音色庫如下：

這款 Vocal Codex 音色庫並沒有採用 Kontakt 的引擎，而是使用 Best Service 自家研發的音色庫引擎，因此仍可以受到一定時間的保護，這算是值得慶幸的地方吧。

以下是筆者使用 Vocal Codex - Era II 的人聲（後半段音樂）所創作的遊戲配樂，第一首純粹只有器樂，第二首加入的人聲，作品一下子聽起來馬上增加了許多真實感。

筆者為一款遊戲而創作配樂的器樂版本，因為沒有花時間設計和聲，因此和聲較為單調，加上又沒使用比較有宣染力的數位獨奏樂器，因此個人感覺感染力不足，並且較缺乏可記憶性。


下面這首與上方是同一首曲子，但下面這首加上了 Vocal Codex - Era II 的人聲音色，曲子似乎煥然一新，也不會因為旋律性太強而弱化了戰鬥配樂的氣勢，主要是因為這種民族式的唱腔本身就很有感染力。