赴美攻讀音樂碩士：數據揭密為何「先就學再工作」與「及早出發」才是最佳財務策略

赴美攻讀音樂碩士：數據揭密為何「先就學再工作」與「及早出發」才是最佳財務策略

許多計畫赴美攻讀音樂碩士的同學，畢業時常面臨抉擇：究竟該先在國內工作兩年存學費，還是大學畢業後立刻出發？從長期財務數據與整體投資報酬率（ROI）來看，**「先就學、後工作，越早出發越省錢」**是經過數據驗證的最優解。

一、 留學成本與通膨數據：為什麼「先工作再出國」是財務陷阱？

留學費用並非固定不變，延後出發將直接承受「學費調漲」與「生活物價膨脹」的雙重夾擊：

• 學費長年上漲趨勢： 根據美國 College Board 與 Education Data Initiative 統計，美國高等教育學費長期以年均約 3%～5% 的幅度調漲；私立大學與頂尖音樂學院的年學費（Sticker Price）常年維持在 40,000 至 50,000 美元以上，單年調幅即達數千美元。

• 生活與租金成本高漲： 美國各大城市（如波士頓、紐約、洛杉磯等音樂重鎮）在歷經通膨高點後，租金與外食開銷維持在高基期。延後兩年出發，等於必須以更高的生活成本基期就讀。

• 本土儲蓄追不上通膨與匯率： 大學畢業在國內工作兩年，以一般起薪扣除生活費，兩年約能存下 30～50 萬台幣。然而，美國碩士兩年學費與生活費的調漲差額加上匯率波動，往往就超過數十萬台幣，辛苦存下的薪資購買力實質已被通膨侵蝕殆盡。

• 高達數百萬台幣的薪資機會成本： 提早兩年畢業，代表能提早兩年進入市場賺取碩士層級的薪資待遇（在美起薪普遍具備數萬美元水準）。這兩年的實質薪資差，遠遠超越先在國內工作所累積的微薄存款。

二、 善用「教育部留學生就學貸款」：把通膨轉化為財務優勢

若出國預算不足，不應以「延後出發」作為解方，而應妥善運用政府的低利金融槓桿：

• 低利率與數年寬限期： 教育部留學貸款具備政府補貼的低利機制，碩士階段提供長達數年的「寬限期」（寬限期內僅需繳納極低利息，無需償還本金）。

• 通膨稀釋實質債務： 在長期通膨環境下，貨幣的實質購買力會逐年遞減。透過政府低利貸款並拉長還款期，未來的還款金額在實質購買力上被通膨大幅稀釋，實質效益等於**「越晚還款，通膨等於幫你少還錢」**。

• 保持充裕的流動現金： 善用學貸能讓你在留學期間與求職初期保有穩健的現金儲備，從容應對各項專業軟硬體採購與生活開銷。

三、 留學隱形巨額支出：入學「音樂理論」考試未過的代價

除了主修術科與作品集，美國各音樂學院在新生報到時皆會舉辦嚴格的音樂理論（Music Theory）與聽寫視唱（Aural Skills）分級考試，這是多數留學生常忽略的財務黑洞：

• 未通過即強制補修： 若入學樂理測驗未達門檻，校方會強制要求補修大學部基礎樂理課程，且這些補修學分不計入碩士畢業學分。

• 極為高昂的學分代價： 美國音樂研究所單一學分費動輒 1,500～2,500 美元以上，補修一至兩門課（3～6 學分）就需額外支付約 15 萬至 40 萬台幣 的學費。

• 面臨排擠效應與延畢風險： 補修基礎課程會排擠高階核心課程的時間，甚至可能導致延畢半年至一年，隨之增加的房租與生活費將使留學成本急遽膨脹。

四、 來 Learnmusic 提前奠定樂理實力：省下大筆留學費用的關鍵

與其到了美國因考試沒過而支付數十萬台幣補修基礎課程，不如在出國前用極高的性價比把樂理基礎一次打穩：

• 針對海外入學考精準培訓： Learnmusic 提供系統化的音樂理論、和聲學、曲式分析與聽寫訓練，完全依據美國音樂學院入學測驗標準規劃。

• 極高性價比，省下巨額學分費： 在 Learnmusic 學習完整音樂理論的學費，遠比在國外因入學考未通過而被迫補修學分便宜得多。

• 免修基礎課程、如期畢業： 扎實的樂理能力能確保你順利通過入學分級測驗、直接免修基礎課，把寶貴的時間與學費全數投入高階專業領域，如期甚至提前取得碩士學位！

有意赴美深造的音樂學子，把握時間儘早啟程！及早取得學歷、善用教育部留貸抗通膨，並在出發前至 Learnmusic 扎實打穩音樂理論，用最省錢、最精準的策略開啟你的留學之路！

114 年公費留考音樂理論出題方向

公費留學考試的筆試將在今年十月份舉行，回顧去年的考題，考了二聲部華彩對位、和弦分析、也考了非調性的音樂，顯見出題者希望考生從文藝復興到現代樂派對於各個時期的音樂都能有通盤的了解。這份考題對於演奏的組的同學應該不算容易，因為大部分的演奏組的同學不太願意花時間研究音樂理論，也不想去接觸現代音樂。現在大部分的國內碩士班入學考試也不考音樂理論，音樂系的演奏組同學就更沒有音樂理論的學習動機了，當然也就跟公費留考絕緣。其實音樂理論的學習，不是只是為了考試，無論在音樂詮釋、音樂即興、視奏、以及音樂的理解上，都能有很大的幫助。國外大部分的音樂學院碩士班入學都還是要通過音樂理論的考試（沒通過要花大錢補修學分)，所以如果有打算出國念音樂的同學，還是非常建議把音樂理論學好喔！

【錄取不是終點：談美國音樂院的理論入學測驗與扎根重要性】

絕大多數的音樂院在碩士班開學前，都會舉行「音樂理論」與「音樂史」的入學測驗。以美國的影視配樂碩士班為例，考試範圍涵蓋了和聲學四部寫作、曲式分析以及二十世紀作曲技巧等專業核心。倘若未能通過這項測驗，學生就必須在開學後補修相關的學分。在美國，目前每學分的費用高達 $800 至 $1,500 美元，而一門碩士課程通常為三學分，這無疑是一筆額外的時間與經濟負擔。（PS:下圖這間學校比較佛心，考試未滿 80 分，則只要補修一學分的音樂理論複習課程，但在台灣的音樂系大學部中，這些考試所涵蓋的內容，其實至少包含 8-10 學分的大班課課程才能上完。）

前幾天，一位剛錄取美國影視配樂碩士班的非科班學生傳來了學校的考試通知。他驚訝地表示，事先並不知道有這項硬性規定。萬幸的是，他在出國前就抱持著提升自我音樂能力的決心，提前來到我們這裡進修和聲學課程，這才讓他此時有了迎戰的底氣。

從這個案例不難看出，美國音樂院雖然展現了極高的包容度、願意錄取非科班的跨界人才，但對於核心音樂理論的要求卻從未妥協。錄取只是第一步，唯有實力達到標準才能順利畢業。在此也特別提醒有志留學的同學們，基本功的修練絕對不可輕忽。（下圖為該校的入學考試項目，包括和聲學四部寫作、曲式學、20-21 世紀作曲技巧，含音類集理論。）

狂賀 2026 年非科班生考上音樂碩士班的同學

超級特級狂賀（一）

狂賀本中心鋼琴老師廖珮君指導學生金榜題名！以優異成績考取台北市立大學音樂系在職碩專班，以下短文為這一名非音樂科班畢業生感謝廖老師的感言~

感謝廖老師的教導、支持與鼓勵，讓我能重拾夢想。和老師學琴並準備考試的過程是很愉悅的，廖老師教授了我許多鋼琴的練習方法和技巧，教學過程相當有耐心，總是能發掘我身上的閃光點或優點來鼓勵我、給我信心！滿滿的正能量！考前給予我書審資料的建議並幫忙口試練習，讓我的準備方向正確，最終完成目標，感謝老師一路以來的幫忙。

再次恭喜又一位考生金榜提名由本中心廖珮君老師指導，此考生非音樂科班畢業，同樣以優異成績考取台北市立大學音樂學系在職碩專班，除恭喜這位考生之外，分享他的考取感言，並且鼓勵將來的各位考生們~

感謝廖老師的指導，老師散發的正能量可以安撫我緊張的心。學習音樂這麼久，無法進入到音樂裡是我覺得最難過的事，但經過廖老師神奇的帶領，立刻可以讓我感受到作曲家的無奈意境，我漸漸的體會到音樂裡的悲涼對我來說是比考上學校更大的禮物。感謝廖老師，打開我的感受力，我會帶著這個禮物，繼續去感受更多的音樂，再藉由鋼琴把這份感動繼續帶給我的學生

超級特級狂賀 （二）

恭喜本中心廖珮君老師指導兩位非音樂科班畢業學生：崔•姬及林•卉考取北藝大音樂在職碩專班，其中崔•姬學員更以優異成績同時考取兩個組別，以下為兩位考生的感言，與大家分享勵志：

去年因緣認識了廖老師，當初只是因為一路自學鋼琴時，偶爾會遇到過渡期很迷茫，所以想找老師上課，對於曲子更深入瞭解。

當時並沒想太多，要報考研究所讀音樂系，覺得自己從來沒受過正式的音樂教育，不敢相信自己能考上，並且因為還要準備書面資料，要是沒有廖老師，我一個人就打退堂鼓了。

在第一堂跟廖老師上課時，老師就說我「考上北藝了」（預言），一直以來缺乏自信的我，遇上廖老師後，不僅在琴藝方面，整個生活也都變得更有勇氣，老師真的是一位非常神奇人物，很會療癒人心！

就這樣子懵懵懂懂地相信老師的話，硬著頭皮準備研究所，結果今天看了榜單，北藝的兩個組別都上了，老師您的預言太準了吧！

感謝廖老師啟蒙我，讓我有勇氣追求我的夢想，如果沒有您的話，我永遠不會有想實現的念頭，以前是敢夢不敢想，現在是實現了我的夢想，沒想到誤打誤撞，撞進研究所，老師您真偉大，謝謝您推我一把 —— 給廖珮君老師

林•卉~

看到錄取的榜單真的覺得很不真實，在考試的時候就可以感覺得到北藝對於篩選學生的高標準，當時雖然很緊張，但也真的期待錄取，我相信在這樣的高手雲集下自己也可以有飛快的進步，我會記得這個初衷，去面對入學後遇到的困難。

推我順利進入這個關卡的廖老師，謝謝你費心的指導，也方方面面注意到考試、面試的細節，準備過程固然驚嚇，但幫助到考試的時候很從容、不慌張。

感謝這個準備的過程，有妳

超級特級狂賀（三）

再傳捷報

恭喜本中心廖珮君老師指導非音樂科班學生岳•良，正取輔仁大學音樂在職碩專班，這一年來的準備歷程不容易，讓我們為這位同學掌聲鼓勵！以下為他的感言，跟大家分享~

謝謝廖老師這一年來的用心指導，讓我從原本只著重「怎麼彈」，逐漸轉變為理解「為什麼這樣彈」，並更深入體會音樂中的邏輯與表現內涵。也因為老師的引導，讓我從非音樂專業的道路重新走回音樂之路。未來我會持續精進自己，保持對音樂的熱忱，穩定踏實地學習與成長。

輔仁大學 2026 碩士班榜單

狂賀本中心非科班學員考取國立台北教育大學理論作曲組

狂賀本中心非科班學員考取國立台北教育大學理論作曲組（大學部）。本屆國立台北教育大學音樂系的理論作曲組，僅錄取一個名額，非常恭喜這位跟著本中心邱麗芬老師長期學習的考生，順利考上國立台北教育大學音樂系理論作曲組。

狂賀本中心學員錄取 114 年度輔大音樂學系碩士在職專班「音樂應用組」

輔大碩士在職專班放榜囉！狂賀本中心非科班學員，經過長時間的努力，終於順利考取輔大碩士在職專班音樂應用組。這位學生懷抱著音樂的夢想，從原本的非音樂專業，跨入到劇場音樂設計的工作，並堅持不懈，也有正確的學習觀念，了解音樂基本能力的重要，而願意按部就班學習，非常難能可貴。

在這個 AI 音樂興起的年代，身為資深教學者，我們很確信沒有紮實的音樂理論學習與作品分析訓練，一定無法贏過 AI，也沒有辦法讓自己的創作有特色與創意。在此祝福所有以耐心與毅力來學習音樂創作的同學們，最終都能夠達成自己的音樂夢想！

 

狂賀本中心邱老師所指導的學生何同學，錄取了輔大音樂系應用音樂創作組及國立台南藝術大學應用音樂系

狂賀本中心邱老師所指導的學生何同學，透過「申請入學招生」錄取了輔大音樂系應用音樂創作組及國立台南藝術大學應用音樂系。這位何同學從高二開始跟邱老師學習，並隨邱老師準備個人完整作品集，找到了自己喜歡的創作風格，建立了對未來的志向與願景。這位學生非常認真，每週都來跟邱老師學習兩小時。在面試之前，他依循老師的指導，努力準備專業知識和作品集（含影音與樂譜），因此取得了非常優異的成績，正取第一名錄取了輔大應用音樂創作組及正取第九名錄取南藝的應用音樂系。非常恭喜這位同學！

人工智慧對音樂創作的影響：挑戰和機會

人工智慧的世代來臨，最先被取代的可能是文字工作者、平面設計工作者、以及語言翻譯工作者，但跟樂器演奏家的工作，幾乎完全沒有任何影響。對於作曲家工作是否有影響呢？以現況來評估，流行歌編曲、流行歌作曲可能會先被取代，因為 AI 工具可以輸入歌詞，一鍵生成歌曲，模仿情感張力較薄弱的風格非常容易。（可參考下面影片的 suno AI 展示。或來這裡嘗試 https://www.suno.ai/）若某個廠商需要一首形象歌曲或產品行銷的歌曲，找真人編曲與錄音及演場，依照現在行情，費用需要 30000 NT 以上，找 AI 編曲演唱及寫歌詞，則可能只需要不到 500 NT，而且可以產生很多個版本提供選擇，那麼這個廠商八九成會找 AI 來音樂製作吧。此外，現在教學市場上有很多混音與母帶處理的工作坊，教授在數位音樂體中的混音技巧與母帶處理技巧。數位音樂初學者常以為這些技術是數位音樂的核心，所以會積極花錢花時間去學習，然而，AI 混音與 AI 母帶處理也已經技術成熟，且已經成為線上的商業服務項目，使得混音、母帶處理的專業技師的工作，也將是數位音樂界被 AI 取代的第一波人員。

然而，目前對於高階配樂或作曲工作者而言，由於工作內容的複雜度較高，創意性思考的需求較高，因此被 AI 取代的可能性尚未發生。AI 若要影響到高階的配樂或作曲工作，則首先要能讓複雜的自然音樂器音色被模仿得成功，目前 AI 技術最先模仿的是人聲演唱，在情感的部分迄今還是很難做到逼真，要模仿眾多的自然音樂器的聲響與情感表達，則還要更多的時間來訓練其模型，此外，要將和聲、句法結構、素材發展的音樂要素與情感之間的關係解釋清楚，原本就是一件抽象而困難的事，等於 AI 要模仿連音樂理論家都不一定能系統化解釋清楚的東西，因此就更加不容易了。再者，配樂的音樂需求，若是搭配影像，常常會需要對時間點，但現有的 AI 音樂工具是無法指定在哪個時間點要生成什麼樣的情緒或使用什麼樂器，因此目前 AI 音樂對於影片配樂工作者而言，現階段仍影響有限。再者，要用 AI 來寫管絃樂曲配樂難度更高，在 Chatgpt 還沒問世之前，就已經有一些公司在研究 AI 管弦樂，但從網路上可以聽到的成品以及可操作的 AI 音樂工具而言，多年來的研究產出，一樣是沒有情感的 AI 創作，離動人或具有強烈戲劇張力的的作品還有很大的距離，當然也沒辦法指定哪個時間要出現指定的音樂變化。有興趣嘗試的人可以到 https://creators.aiva.ai/ 網站自己玩一下，看看是否滿意成品。筆者測試過該 AI 系統，能夠指定的項目仍然不夠充足，且音樂品質仍難以達到堪用的標準。

(AI 管弦樂展示）

實際上，在 Ｃhatgpt 出現後，市面上也出現了很多假的 AI 音樂網站，聽起來音樂有一定品質，宣稱其音樂是 AI 製作，然而實際上只是現成的曲庫提供關鍵字搜索功能而已，根本仍然無法依照指示者的提示文字產生對應的音樂。所以 AI 對於精緻音樂而言，還有很長一段時間要走，才有些微的可能具有商品化的可能性。

呈上，學習應用音樂創作，若要能生存得長久，需要走精緻路線，朝情感渲染力、或戲劇張力較大的音樂風格來進行學習，因為 AI 目前最難取代是人類的情感表現。此外，相較於一般的電子樂器音色而言，管弦樂也是目前較難被 AI 取代的編制種類，這些樂器的情感表達方式也是 AI 目前較難模仿的。再者，需要搭配影片內容與特定時間點來進行的配樂創作，目前尚沒有 AI 音樂工具能夠達成。有鑑於此，整體看來，影視配樂相關的行業，由於更強調戲劇張力與細緻的情感表現的需求，作曲者仍可以有一定的生存的空間。值得注意的是：風格相近的流行歌曲編曲應該是最先被取代的種類，因為流行音樂通常風格模仿、和聲抄襲的情況是普遍的現象，而 AI 要從眾多相似風格曲庫中學習，則是最為快速而容易，要 AI 建立流行歌的模型相對容易得多。

整體而言，應用音樂創作的學習相關技術時，除了該選擇朝精緻音樂及影視配樂的方向前進之外，仍要注意 AI 對於這個產業的衝擊，筆者會認為多學習一項相關的技術是有必要的，例如樂器演奏也可以是作曲學習者可以多學的一項技術之一，因為樂器演奏若要由 AI 取代，還要等待 AI 能成功地控制機器人，並且能成功融入情感才有可能，因此作曲者可以多強化演奏能力以便讓自己多一個機會。另一種可能，就是增加自身的科技能力，例如多一些音樂科技的能力，或透過音樂科技的學習過程，深入程式設計，或許可以培養另一項相關專長，較能因應未來更多的產業變化。然而，可預料的是流行歌編曲的需求將大量減少，且目前已經正在發生，因為相關 AI 工具已經有一定的成熟度。年輕的音樂創作相關的學習者可以參考看看上述想法，以找出未來適合自己又能繼續以音樂為業的生存方式。

狂賀本中心鋼琴演奏家廖珮君老師指導的學員正取北藝大在職專班 (音樂專業師資教育組）

放榜囉狂賀本中心鋼琴演奏家廖珮君老師指導的學員正取北藝大在職專班 (音樂專業師資教育組）。 恭喜這位學員雖非本科系，但仍憑藉自己的努力及跟廖老師上課一年多累積實力高分考取，再次恭喜！

師大音樂系碩士班新開「音樂科技跨域合作組」

師大音樂系碩士班新開「音樂科技跨域合作組」，顯見跨領域的音樂學習已經成為未來趨勢囉，具地利的優勢，此組的出現也將可能影響交通大學音樂碩士班相似組別的未來招生。快來瞧瞧考試科目與該組別的方向喔！以下引用該組的相關招生宣傳資料：

在當今所有的表演藝術形式（舞蹈、劇場、音樂、視覺藝術、 電影、新媒體等），或是仍在被發明出來的新藝術形式之中，跨域合作已是常態。同時，幾乎所有表演藝術都脫離不了的「需要音樂」，也許是因為其聽覺本質，較能以抽象的感知經驗出發，巧妙地融合其他藝術形式。

在音樂會的展演形式中，音樂當然是主角。然而，當音樂「被需要」與其他表演藝術形式結合時，音樂仍能有多少成分的「主導」，而非僅被當作附屬的背景伴奏？或是，音樂能「主導」這個跨域的起點？處在這跨域與斜槓已是常態的當代社會與藝文環境，年輕音樂學子更應該重視這些議題。

「音樂科技跨域合作組」以培育從音樂出發的「跨域整合人才」為基，從策畫與製作的概念引導開始，在修業期間將帶入音樂與其他表演藝術或各類呈現形式的許多合作計畫，以及科技工具與軟硬體的應用，共同進行跨域合作中從發想至思辨，從觀察到合作，從策畫至執行的過程。

身為綜合大學的臺師大，從音樂系到資工、設計、美術、文學、教育、外語...等，豐沛的人才與資源，已是你來「跨域」結合的最佳起點。

臺師大音樂系新成立的碩士班「音樂科技跨域合作組」將於2022年秋季正式啟動，於2021/12/9截止報名，2022年2月入學測驗。

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Q. 請問這組一定是要學創作的嗎？我是演奏組背景的，有接觸一些編曲軟體，參與過一些音樂加戲劇的演出製作，可以報考嗎？

A. 「音樂科技跨域合作組」不限任何背景的音樂家來報考。如果你不太確定你的專業是否為將來要走的路，那這組可以是你的選擇。

Q. 請問這組一定是要音樂本科才能報考嗎？我是理工背景的，有學習過樂器，一直對音樂有興趣。

A. 「音樂科技跨域合作組」亦不限任何背景的學子來報考，但對於音樂知識、樂器演奏與表演藝術上的接觸與認知，有一定程度的要求，入學口試包含樂器演奏的考試項目。

Q. 請問有關「請繳交一份與音樂科技跨域合作相關之創作Porfolio」，所謂創作是一定要我自己個人的創作嗎？

A. 當然不一定是個人創作 ，更鼓勵呈現你在一個團隊共同創作/製作中的角色與工作範圍。

Q. 請問科技的部份，一定是要使用像是MAX/Msp等軟體才算是科技嗎？

A. 當然不是，也不限使用任何軟硬體的過往創作/製作。科技只是工具，學習跨域整合的概念才是核心。惟本組較傾向為應用與時俱進的科技工具，整合表演藝術、新創形式或實質社會合作之跨域人才培育為宗旨，非商業演出之人才培訓。

應用音樂碩士班考試、與留學申請期限前之「時間管理」

 「時間管理」在準備音樂升學考試或留學申請是非常重要的事，生活中一定會有大大小小的雜事困擾與耽擱我們的進度，因此同學們必須非常清楚當雜事與準備考試或留學申請既定的時程有衝突時，何者對我們的意義比較重要，藉此來取捨時間的使用。準備考試或準備留學申請的時程，常常會依據考生本身的程度不同而所需時間不同，因此對於沒有作曲經驗的同學而言，比較合適的策略是「提早準備、預留彈性的時間」。依照筆者的經驗，一半以上的同學都是要拖延到最後一刻才會開始緊張，以留學申請為例，往往是到最後一刻，才發現曲子的進度不夠、托福還沒考、簡歷影片還沒做，聲音後製也來不及，尤其是非科班的準備者，由於寫曲子的經驗不足，難以預估自己需要多少時間完成一首作品，若沒有預留彈性的時間來加強準備的內容與品質，要申請到名校就會變得格外困難。

以申請留學所需的作品而言，一首曲子從草稿、修改、配器至後製，以兩個月半來估算是比較保險的，加上如果有其他生活上的繁瑣事情的干擾、或反應能力較差、音樂經驗不足，則可能需要更長的創作時間。申請學校的作品不是像低階的商業案子，可以用一天、或一週就能做完，因為作品本身要代表你的能力極限，因此會需要注意更多的細節。考國內應用音樂碩士班的作品準備，則可以兩個月為作為完成一首曲子所需的準備時間，當然假設音樂能力偏弱，需要的創作與修改的時間就會更長。以上述為標準來估算寫曲子的時程之外，我會建議在預留兩個月左右的時間，作為彈性時間，這樣更為保險。「慢工出細活」的道理是必然的，假設遇到時程非常緊迫的狀況，那麼也只能依據現有的時間平均分配，按照一定的時間表來處理自己的音樂作品，但也一定會影響申請學校或考試的最後成果。

就寫曲子的過程而言，在有老師指導的情況下，老師的功能除了在學習音樂創作之初指導必要的進階和聲理論之外，還有一部分是陪著學生一邊寫曲子一邊修改、一邊提供學生創作上的想法，一段一段的進行計畫、創作、與修改，以便於把曲子盡可能的修改到一定的專業程度，整個過程都是非常重要的學習歷程。作品的修改並非完全是主觀或直覺的，曲子的品質差，通常都會有一定的「音樂」上的原因，老師的作用就是幫學生找到這些原因，並解說這些原因給同學們聽，啟發同學們的進一步思考，這其實是作曲課程中非常重要的一環，因為要在抽象的音樂中，明確告訴同學作品中發生問題的原因，是需要授課者本身有高度的音樂理論能力與作曲技巧，加上清楚的頭腦。這一部份的課程其實對於授課者而言，也特別費神，比單純講授音樂理論更的難度更高，但卻很容易被學習者忽略。有些學習者傾向一次把一整首曲子寫完，再拿給老師看，其實這樣的方式，老師要協助同學進行作品結構上的更動就會格外困難，此時就只有兩種選擇，其一是大幅刪改現有作品，其二是老師僅協助學生微調細節。如果是以後者方式進行，則整體品質要再大幅提升就很有困難，除非是非常有音樂經驗的學習者，否則對於學校的申請或考試的代表作品之品質呈現往往是不利的，此外在學習過程中，學習者也會錯過從老師這裡獲得創作上的啟發之學習歷程。

以上供考生們作參考。順便在此恭喜一下去年申請到國外配樂碩士的一位同學，不僅在今年年中獲得「教育部留學獎學金」、接著也獲得所就讀的美國的學校的配樂比賽冠軍，而得到豐厚的獎金，省掉一大筆留學費用！對於細節的注重與持續的努力，必然會有回報，藉此勉勵大家。

學應用音樂、配樂作曲需要學「和聲學」嗎？

不同人對於「和聲學」這門學問與內容範圍常常有不同的定義，許多流行音樂的作曲者常把和聲學定義為單純的「和弦的連接方式」；許多音樂系的學生、或為了音樂系升學考試而去上「和聲學」課程的人，則可能把他認定為「十八、十九世紀和弦連接方式」，或定義為「聖詠合唱曲的四部和聲寫作方式」，有些音樂系非作曲主修的學生，因為只會寫和聲學中的低音題（給 bass 與數字低音，讓學習者填寫上面三個聲部），就認為已經學過和聲學（因為非作曲主修的樂理考試，和聲學通常只考低音題），因此也可能認為和聲學並不難、或認為和聲學無助於作曲，只是古代人的和聲風格。其實這些講法可能都只是針對他們自己的個人學習經驗，去為一種學問下定義，然後在某種狹義的定義之下，去說明這些學問在作曲上用不上，卻可能因此讓作曲或應用音樂的年輕的初學者，也誤以為事實正是如此。實際上，和聲學是一門極為複雜而龐大的學問，不僅牽涉到單純的合弦連接方式，也牽涉到每個聲部的連接，且也涵蓋音樂內容與和弦之間的關係及其運用法則。和聲學內容有其系統化的部分，也有其應用上的各種變化之探索，因此學和聲學也猶如學語言一樣地複雜，有文法、片語、甚至也有值得記憶的優美詞句。和聲學不是一門紙上談兵的學問，而是一種需要不斷練習、操作、分析、探索、彈奏、聽音的實務技術，但多數人抓不到學習的訣竅，只把和聲學當作一種書本上的知識、或考試卷上的解題技巧，也因此產生了各種偏差的見解。由於和聲學如此複雜而廣博，所以學習者仍必須透過資深老師的引導，才能進行有效的學習並應用於音樂創作上。

和聲學與配器上的關係：
依照 Harmony and Voice Leading 這本書的定義與安排，和聲學其實不僅包含了「和弦連接的方式」，更包含了「橫向聲部導進的技術」，也藉由豐富的譜例說明了「和弦跟音樂表情、句法結構、素材運用等的關係」。學作曲的人若沒有橫向「聲部導進」的技術，則就難以寫出優秀的管弦樂作品，因為管弦樂作品非常講究線條，每個樂器聲部都有自己的橫向線條，且因為樂器的音色不同，橫向線條的任意中斷，都會造成聽覺上的不順暢；即使是鋼琴獨奏曲，伴奏聲部的線條也都具有重要的角色。在新版的 Harmony and Voice Leading 的書中，甚至特別加了一個章節，來談對位法，主要的目的在於使學習者更能了解多層次的線條之寫作技巧，可見和聲學並非只是談和弦怎麼銜接而已。如果學習者的志向只是在創作流行歌曲，那麼對於和聲學的技術之仰賴，也許就沒有那麼強烈，因為流行的編曲的音樂層次要求較低，主要的音樂聽覺焦點在人聲，所強調的音樂元素在於主旋律本身、以及節奏的動能，也因此往往只講究主旋律以及 bass 的線條，其他被強調的重要音樂元素則是節奏，以至於流行歌編曲中的弦樂或 Pad 音色，其配器的角色上已經退於背景，所以每個內聲部的連結已經不是聽覺的焦點，因為也聽不清楚，也因此許多寫流行歌的作曲者，並不一定需要高度的和聲學的聲部導進的技巧就能執行流行歌編曲，此外，流行歌編曲目前已經有自動編曲軟體可以輔助，要取代作曲家的編曲能力，其實已經不是什麼難題。然而，這不意味和聲學的訓練對流行編曲無用，和聲學的技術仍可以讓流行音樂編曲者開展更深層的音樂創作能力與和聲運用能力，而有機會使得作品更為細緻動人。從另一方面來看，倘若是寫純器樂的作品，那麼聽覺焦點又會再度落回樂器的線條，只講究高音部跟 bass 線條的寫作方式，音樂會聽起來比層次較少，也比較不是那麼動人或耐聽。以好萊塢的電影配樂為例，管弦樂仍然常常被使用到，因此只會寫流行歌的人，就會難以駕馭管弦樂的編寫。以上是從各聲部的橫向線條的寫作技術來看和聲學的重要性。

至於和弦的連接方式，在和聲學的知識體系中，提供了系統化的說明，以轉調法為例，就可以包含共同和弦轉調、共同音轉調、模進轉調、等音變化轉調等等，然而許多流行音樂的編曲或作曲者並不會轉調的方法，多半只會整段音樂直接用電腦功能移高或移低，而不會編寫調區轉換時所需要的「過渡段落」，或許因此許多流行音樂都採用「直接轉調」，而不需要複雜的轉調技巧。然而，若作曲學習者只想作流行歌曲的編曲，那麼則是忽略了音樂創作市場的主要需求，並非在流行歌編曲，而是在配樂創作，因此風格的學習上必須非常廣泛，才有生存的空間。至少在台灣，若要以作曲、編曲為業，其實需要精通各種風格與編制，不能只會流行歌曲創作或編曲，僅靠著一兩套每首歌曲都重複使用的和弦公式，永遠使用同一個調寫曲子、或只會「直接轉調」用電腦幫你直接一整段移調，而不會寫銜接的過渡段。


和聲學的學習是走向專業作曲的唯一途徑嗎？
前述已經提過如果學習者只鎖定「流行歌曲創作或編曲」，那麼技術上比較單純，對於線條的需求較少，就可以只學幾套常用的「和弦連接方式」，不一定要靠傳統的和聲學的訓練來學習。

以寫作較精緻的器樂、或管弦樂編制的遊戲配樂、影視配樂為例，若不從和聲學入手，也可以透過大量的作品分析（包含和弦分析）來了解和聲的銜接方式、轉調手法、和弦與句法結構的關係，以及和弦色彩與情感的連結等。這種透過「作品分析」的學習方式，的確會比較有趣，但不會比較省學習的時間，因為這種學習方式，由於沒有教科書的整理，會更加仰賴有經驗的老師的指導與講解，透過老師的解說來觀察作品的各種細節而讓學習者知道和聲應用的方法。此種學習方式雖然更有趣、也比較快會有成就感，又可以享受彈奏曲子的樂趣，但由於學習的歷程很容易是瑣碎的、片段化的知識，因此一樣需要長時間的學習，且必須要有一個比較務實的鍵盤練習方法，才能有效率的學習。

本中心的音樂創作課程可以由學習者自己依照需求與個人學習策略，來選擇是否按部就班系統化的學習和聲學與作品分析，或是不學和聲學而只透過大量作品分析來學習和弦連接方式及常用的聲部導進原則。兩種學習途徑都一樣需要比較長的時間來累積能力，整體而言，和聲學的學習上，相對而言比較具有系統化的特性，但對於初學者而言，往往卻有些吃力而枯燥。透過作品分析來學和聲，則相對會有更多的趣味，但學習者必須善於從大量作品的觀察中，歸納出一些共通的法則，才會比較有幫助。兩種學習方式都可以是殊途同歸，但並沒有相對的捷徑，且 指導的師資也高度影響學習的成效。

學完和聲學就會寫曲子了嗎？

和聲學是為了作曲打基礎，有很好的和聲學底子，就可以了解名家如何使用和聲，並可以藉此分析能力，不斷增加自己的和聲語彙，並將新吸收的名家和聲語彙加以活用，而不是只會抄襲他人的和聲而不知所以然、也不會活用。然而大部分的人學完和聲學，由於缺乏鍵盤的練習，很容易淪為紙上談兵，只會算音高與升降記號，卻無法立即在鍵盤上即興，此種不完整的和聲學習方式，會導致學習成效大打折扣，花了很多時間卻抓不到學習要領是非常可惜的。因此若上課的老師能夠適當引導學生進行鍵盤練習，把重要的概念簡化成手的動作，可以更有助於創作上的和聲使用與鍵盤上的即興。此外，學習和聲理論，卻沒有研究相關譜例，就很難了解這些和弦連接的法則跟句法結構、曲式的關聯性，則也會使和聲學的知識無助於音樂創作。

本中心的和聲學課程內容與範圍：
本中心的和聲學課程便是參照 Harmony and Voice Leading 這本書，加上一些特殊的鍵盤和聲練習方法、以及補充的相關作品譜例而成，補充的譜例則不限於 18-19 世紀的藝術音樂作品，也包含了通俗音樂的相關作品，並且再加上二十世紀和聲技法的介紹、以及統整絕版書 George Rochberg 的 Chromatic Harmony 的半音和聲之範例介紹。強調鍵盤彈奏的目的在於藉由手指的運作來輔助和弦的記憶與快速反應，然而這樣的學習方法卻是一般考試為目的的和聲學課程所沒有的練習方法。

以 Harmony and Voice Leading 4th Edition 這本書的內容安排而言，分成六部分。第一部分主要說明基礎樂理、和弦性質、四部寫作的通則、對位導論等。第二部分則功能和聲結構和弦，也包含了初步的轉調介紹、以及橫向聲部導進的各種細節。第三部分則著重在聲部導進的和弦。第四部分則提旋律上、節奏上的裝飾音形（例如：掛留、先現、Pedal Point 等，第五部分則強調半音和聲、大小調混用、進階的轉調技術等。第六部分則強調 19 世紀後的半音和聲。整體來說，課文的內容不僅有「和弦連接」、「聲部導進」、也有「對位法導論」、「聲部導進的和弦」、「半音和聲」，也提及「和聲與曲式的關係」，更還在附錄中提供了「鍵盤和聲」的練習範例，把跟和聲有關的該學的作曲技術，幾乎都涵蓋了。因此，雖然這本書的確談論和聲範例內容是以 18 - 19 世紀古典音樂為主，但由於有更深入的範例細節與作曲技巧說明，因此對於當代的應用音樂、配樂、流行音樂創作仍然是非常有幫助。此外，以配樂作曲家為生涯規劃而言，你能百分百確定你可以完全不需要用到 18- 19 世紀的和聲技術嗎？事實上，許多遊戲配樂，尤其是史詩戰鬥式的配樂風格，仍非常仰賴 18-19 世紀的和聲風格，你跳過學習和聲學，也等於跳過了對於 18-19 世紀的古典音樂和聲風格的深入研究，自然也少了一種風格模仿的能力。以下這首筆者作過的遊戲配樂，後半（0:40 起）的半音和聲便是仰賴 19 世紀的半音和聲技巧：

0:40 起的半音和聲，其實是一套古典和聲的公式，不屬於系統化的「功能和聲」的範圍，而是屬於「聲部導進」的結果，亦即各聲部橫向線條「偶然」相遇所產生的結果，但也被記載在 Harmony and Voice Leading 這本書中，然而一般以「考試」為目的來學和聲學的人，都不會深入到這個部分，以「考試」為教學目的老師，也不會教這些進階的和聲技術，甚至可能他們自己從這個「考試」為目標的學習體系上來，也沒有學過這些技術。換句話說，Harmony and Voice Leading 書中，除了基本的、系統的功能和聲學之內容外，其實還有許多有趣而有效的和聲進行值得學習甚至記憶。有些樂理或作曲老師的觀念上，會認為和聲無定則，只要通曉功能和聲的概念、以及熟悉四聲部寫作的常用規則即可，沒有必要去記憶特定的和聲 pattern。筆者則比較持不同的想法，認為「功能和聲」的概念，有如基本的文法， 只懂得文法，沒有豐富的詞藻，則很難寫出文情並茂的文章。就音樂創作而言，這些詞藻可以是來自前人已經留下的有效的和聲 pattern。此外， 對於應用音樂而言，創作的效率更是一件重要的事，光靠靈感與鍵盤上笨拙的實驗、以及粗淺的和聲概念，若只是要創作出很普通的應用音樂不會有問題， 但要創作出與眾不同的作品， 會變成非常困難而耗時，也不符合經濟效益。功能和聲的架構之外，有許多來自聲部導進所產生的一些非常有效的和弦連接方式， 這類特殊的和弦連接方式常會需要仰賴記憶與練習，才能成為作曲家可用的音樂詞彙之一，卻往往不在學校和聲學課程中被提及，也不在一般考試導向的和聲學課程中 。因此武斷地說「和聲學」的內容對於應用音樂、配樂等的創作「無用」，是值得商榷的。通常學生不知道怎麼應用課本中的東西，其實是因為不知道哪些內容是重點、哪些內容需要記憶、哪些內容需要多次鍵盤操作，甚至不知道為什麼要學而不願意花時間好好研究它，那麼走馬看花式的和聲學習方法，當然就很困難把所學的東西拿來應用。

和聲學的學習需要老師引導的原因：
承上，也因為和聲學的內容非常廣、細節也多，因此更需要好的老師的引導。同樣的音樂的科目名稱，授課者教學的內容與教學的方法，會大為影響學習成效，人文藝術領域的課程尤其如此。然而選擇作曲老師往往比選擇鋼琴老師更為困難，鋼琴上個一兩堂課，就會知道老師的教學方法是否適合自己，但作曲與音樂理論需要循序漸進，光是上一兩次課，初學者往往仍然無法知道老師葫蘆理賣得什麼藥，有時可能真的得全憑運氣與緣份了，一旦跟錯了老師，要換老師也往往已失先機，為時已晚，因為不太可能再從頭重練重學，有的人也會認為是炒冷飯，更沒機會重新走過一次這樣的訓練流程。

音樂的學習往往包含太多「個人化」的經驗傳遞， 作曲或和聲的學習也是如此，並非單單靠著教科書就能學得通，練習的方法往往是很重要的關鍵，而每個老師能掌握的內容與練習方法的有效性也不相同，偏偏初學的學生往往無法真正知道老師有料還是無料，或者上過學校的大班課，才知道原來學校的內容跟一些校外個別老師授課的內容細節與教學方法差很多，因此筆者有一些舊的學生在考上碩士班、或大學部音樂系作曲組之後，雖然學校有相同科目的大班課及個別課，還願意回頭來上我這裡的課，往往就是因為經過了實際上課比較之後，得到結論是我們這裡的個別課，學習上更有效率與深度。當然也常有一些來 Learnmusic 面談的學生，只是想探聽我們怎麼幫學生準備考試或申請國外學校，然後私底下又找更便宜的老師來上同樣的科目，表面上很像很聰明，其實是因小失大，因為音樂理論的基本訓練，將深深影響日後創作的能力，過了這個打基礎的學習階段，要重新回頭大概也沒機會了。因此師生有時候真的很看緣份！找尋作曲與和聲學的師資，需要了解這幾點：

(1) 同樣是教這些課程項目，內容跟深度差很多，因此光看課程名稱或課程綱要，並無法了解實際上課的內容與方法。以音樂系或音樂班所開設的和聲學課程為例，內容往往並非為了音樂創作的學習者而設計，演奏主修者跟作曲主修者若合班上課，由於所需要的和聲學深度與細節度都不一樣，因此為了配合修課者的能力，內容通常會更為初階，鮮少進行深入的探討或細節的說明，也鮮少提及創作上的應用方法與技巧。

(2) 就算用相同的課本，優秀的老師老師會知道如何用這些基本教材來進行深入講解，也會延伸說明如何結合書上的理論落實到真實的寫作中。

(3) 好的和聲學老師會分享許多實際的應用範例與實作技巧，由於這個部分也涉及老師個人多年的經驗，甚至有時並非系統化的教科書知識卻又是極為有效作曲技巧。

(4) 優秀的音樂理論教師需要有廣博而深入的音樂理論知識，也需要有豐富的音樂創作經驗與教學經驗，才能更精確的將這些理論解釋得更透徹。然而，一個優秀的作曲家卻不一定是一個優秀的作曲老師，因為若沒辦有辦法把作曲技巧、和聲技巧以更系統化的方式傳達給學生，學生仍很難有效率的學習。




結論：
回到本文開頭的主題，和聲學對於應用音樂創作無用之說，其實是一種誤導，反之，系統化而深入的和聲學的學習，是訓練調性音樂的最有效的方法之一，只是很多人的學習方式都是紙上談兵、或是走馬看花，不去深入理解與研究、不去記憶與熟練鍵盤操作，不去深入體驗和聲色彩與情感之間的連結關係，而只是為了考試而學習和聲題庫的作答方式、或只是為了快速完成創作的作品，那麼當然無法藉由和聲學來提升作曲技巧，也不會知道怎麼應用在創作上了。當代和聲學其實在許多學者的整理下，整個學習系統在當代已經非常完善了，有的和聲學教科書也甚至納入了「二十世紀」的和聲技巧，這些技巧也在一些 John Williams 的配樂作品中出現過。然而，和聲學的學習上，往往需要一段較常的時間（一年至兩年），也需要優秀老師的引導，才能進行有效的學習與實際的運用。若不想從和聲學入手來學作曲，那麼就只能靠大量的作品分析來學和聲與作曲，所需要的時間不會比較短，且由於是非系統化的學習方式，會更加仰賴老師本身的歸納分析與解說。

後疫情環境下的 Film Scoring 碩士班申請之音樂學習與申請策略

這幾天晚間（7/8），幾位已經申請到美國配樂碩士班，準備出國的同學們，正努力參加學校的線上入學音樂能力測驗，包含音樂理論（和聲、樂曲分析等）、與音樂史、鋼琴彈奏、視唱等科目，同學們跟我說如果有一科沒過，就要花 18 萬台幣來補修學分，因此必須卯足全力爭取通過的機會。本週二晚間 21:30，兩位學生們來我這裡借場地考試，一直到台灣時間快半夜才結束當天晚上的考試，接下來還有別的科目要考。這些學生們為著夢想而努力的精神非常不簡單，這些過程雖然辛苦，卻絕對是一個很好的能力成長的機會。

當然，從今年三月疫情爆發後，也有幾位學生陸續決定停止準備配樂碩士班申請的課程。疫情何時結束目前其實仍難預測，但關於疫苗研發的消息，多半預估在今年年底之前會出現，而年底正是明年度美國碩士班申請的交件期限，從光明面來想，若在今年年底申請資料繳交期限之前（12 月左右），能把相關的作品完成並送件，其實有幾個優點： 

• 一旦疫情出現轉機，今年年底送件的人所面對的競爭對手可以推測應該會少掉三分之一到二分之一，也比較有機會進入較好的學校或獲得獎學金 

• 美國總統川普的 QE 策略，可能導致美金匯率持續下跌或維持在低點，因此明年七月入學的同學，可能剛好可以用台幣換到最多的美金，等於節省了一筆費用（現在匯率從 31 跌到 29.5，學費與生活費等於打了九五折。）

• 距離實際入學的日子，在投出申請資料後，也還有半年的日子可以等待疫情緩解，亦即今年年底投件，也是等到明年七月間才需要入境美國，在今日生物與醫療科技發達的情況下，明年七月疫情持續的機會似乎不大。先申請者更有機會搶名校的先機。

• 若很不幸的，年底仍然疫情無法解決，已完成或接近完成的代表作品，可以有機會再做細節的調整、後製、或修改；另一個策略，就是把作品完成後，先擱置一旁，等待疫情緩解之時，隨時可以投件進行申請，不用一下子手忙腳亂，打亂自己的申請計畫、或降低作品品質。

• 就作曲家的生涯而言，優秀的音樂作品之累積以及持續的作品之自我行銷，是刻不容緩而必須持續進行的，因為網路行銷的效益通常要好幾年才會看到成效或帶來收益。先把該學的音樂能力學完，然後持續使用這些能力進行作品分析、音樂創作與作品行銷，才是目前最好的自我經營策略。

簡言之，先把申請學校的代表作品準備好、托福考完、音樂能力準備好，等待疫情緩解時，就可以立即將作品拿來申請學校。此外，若入學音樂能力考試也因為有長期準備而能完全通過，則又可省下一筆不小的補修學分的費用。現階段若立即中斷申請學校的準備工作與學習，將導致申請的機會又再延後兩年以上，中間若沒有持續學習音樂與英文、沒有驅策的力量讓自己學習音樂與持續創作，很多已經打好的基礎，也會慢慢退步遺忘，正所謂「學如逆水行舟，不進則退」，那麼之前所做的努力就真的可能因此荒廢了。

文憑對於台灣配樂的工作是否重要呢？

非科班的同學們常常會問：「配樂工作需要文憑嗎？」這個問題答案很簡單：「文憑非絕對必要，但文憑是建立專業形象之方法之一」。這幾年師大、輔大在應用音樂在職專班報考的人很多，其實其中有不少是已經在業界工作的配樂工作者，他們為什麼有配樂工作還要來報考呢？有三種原因：

(1) 想提升專業形象以便有更多工作機會

(2) 想搶攻教學市場來增加穩定收入

(3) 自我實現。

其中，前兩者佔多數。 文憑非獲得工作的唯一保證，但競爭的市場中，每一樣條件都重要，同樣一個音樂創作的工作機會，若兩人的作品品質相似、工作資歷相似，但其中一人有音樂系的文憑，那麼取得工作機會必然會略高一些。在二十多年前沒有配樂相關的碩士班，許多非科班人可以比較容易進入這個配樂的圈子，但如今這些國內外的配樂碩士班越來越多，追求學歷幾乎已經是趨勢，對於剛開始想跨入這個領域的人而言，碩士班的申請或考試準備、以及進入碩士班的訓練，對於想進入這個圈子的人已經提供了最好的入門途徑、並也有助於音樂人脈的建立，想進入這個圈子的人多半都會追求這些學歷，你不去追求，就在專業形象上輸人一等。況且，學歷又不會因為年紀大而消失（音樂能力倒是可能會因為缺少練習而退化），那麼學歷的「恆久性」又是非常值得的一項投資。

另外，有碩士以上文憑者可以到大學兼課，也算是相對穩定收入來源之一，並且有助於專業形象的建立。這幾年來，許多業界配樂工作者都回到學校拿碩士學位，然後再去申請講師證，到大專兼課，為的不就是想藉此有更多的相關工作機會與生存空間嗎？

當然，學校系統內的訓練，對於音樂人脈與技術提升，還是能有一定程度的幫助的。 其實各行各業用人都是一樣，一個人的能力如何，不是一下子就能看見，但文憑卻往往代表一個基本品質與能力的保證。少數的人可以不靠文憑，但不一定代表其他人也有相似的機運。各項相關條件都具備的人（學歷、能力、人脈兼具），成功的機率往往就越高，這就是一種競爭與生存的法則，因此實在不需要找很多理由讓自己不去追求文憑。這個時代已經不是你到某家錄音室作個助理，然後就會變成專業作曲家，有接不完的案子和優渥的收入。這個時代受到網路傳播的影響，其實越來越講究「品牌形象」，而學歷就是品牌形象建立的重要條件之一，投資自己，花個一年至一年半的準備、兩年拿碩士學位、並在求學期間順便增強自己的專業能力，然後享受恆久的品牌形象所帶來的好處，為何不呢？有些人認為追求學歷要花錢，因此遲遲不敢執行追求學歷的計畫，但其實金錢隨時在貶值，筆者記得幼稚園時，一碗餛飩麵只要 10 元，國中時變成 35 元，現在一碗餛飩麵在 60 元以上，甚至有高達 160 元的餛飩麵，存的錢往往在通貨膨脹的過程中持續貶值，因此拿錢來投資自己，早點善用學歷所帶來的效益，可能才是更好的選擇吧。

考大學來不及準備考應用音樂相關科系，該如何規劃後續學習？

高中考大學的階段，許多人其實尚未了解自己想要追求什麼，有些人忽然發現自己很愛音樂，但卻通常來不及準備音樂系大學的考試，若以應用音樂為例，其實大學沒考上應用音樂科系或組別，也未必沒機會走應用音樂，因為應用音樂或商用音樂原本就是一個跨領域的行業，以一個作曲家而言，要自我行銷、建立人脈、吸收國外新知、熟悉相關軟體與音樂科技， 就一般音樂科系所能提供的教育而言，其實反而相當不足，考不上音樂系的同學們，其實把時間拉長，盡可能地把這個行業中輔助的能力，利用非科班的大學四年多學一點，平常也可以增加樂器演奏能力（尤其是鋼琴），日後大二暑假、或大三開始， 修課比較少時，再開始規劃考應用音樂相關碩士班的專業學習 ，在合適的師資指導之下也是有機會走入音樂專業，且是非常務實的時程規劃與安排。

由於雙專長已經是一種趨勢了，普通大學中，又以數位媒體設計、外文、影視傳播、資訊等相關科系，都對未來應用音樂的生涯發展、自我行銷、科技學習上都很有幫助。例如：

(1) 數位媒體設計系：數位媒體設計相關科系所學到的影音製作及網頁設計的能力，可以輔助音樂行銷，並可與視覺設計為主的同學的們建立良好的人脈關係，增加配樂接案的機會。若在設計系可以學到不錯的影音剪輯能力，那麼以後也可借助此能力進行自己的音樂行銷、專業形象行銷等，許多有名的 youtuber 音樂家，都要仰賴這種能力。

(2) 外文系：以外文系為例，所學到的語言能力有助於藉以學習國外各種音樂軟體的技術，並有助於跨國合作與接案，其中，英語與日語又是最重要的語言，英語能力好則可以利用各種免費或低價的線上教學課程學到混音、錄音、後製、及各種音樂軟體操作的技術；英語能力的養成，對於想要出國留學念電影配樂碩士又可以省下額外的語言考試準備時間；優秀的英語能力有助於透過一些國際接案的網站（例如 freelancer.com 及 upwork.com）以及國際性的版權音樂公司接到音樂製作的專案。此外，日文能力也很有用，曾看過日商遊戲公司在台徵求遊戲配樂人才，就求要有優秀的日語能力，且日語能力可以讓作曲學習者直接透過日文了解日本音樂媒體、動漫產業發展的狀況與風格類型等，亦有助於相關領域的了解與學習。

(3) 影視傳播科系：影視傳播科系有助於同學們建立起與電影、影片製作有關的人脈，可藉以增加接案與影像工作者合作的機會，並且訓練影音剪輯與製作的能力。此外，以申請國外影視配樂碩士班的學校而言，有電影製作經驗的申請者，可具有加分的作用。

(4) 資訊相關科系：資訊相關科系所學到的程式設計能力，最適合未來應用在遊戲設計中的音樂設計、音效設計，以當前趨勢來看，互動式、非線性的遊戲配樂已經成為遊戲配樂的一種趨勢，有程式設計能力的人，才比較容易進入這個領域，國外的許多遊戲配樂家都有基本的遊戲引擎與程式語言的能力，已經顯示 這是未來作為一個專業的遊戲配樂家與音效設計必須要有的能力，且兼有置入音樂與音效到遊戲中的程式設計能力， 也為自己強化獨特性與競爭力。下面這個影片說明了遊戲配樂作曲家的新角色 - 「音樂與聲音設計者 + 置入音樂與聲音至遊戲中的執行者」。事實上，有程式設計能力的人，才有辦法進行整個聲音置入的測試、以及與專業的程式設計師溝通的能力，光只會音樂軟體、或中介軟體的操作還是不足的。

(5) 音樂輔系：若無法進入音樂科系的音樂愛好者，也可以首選有音樂的學校，利用輔系、雙主修的方式來強化自己的音樂能力，再利用大三時尋求專業資源來強化一下作曲能力 ，就有機會進入應用音樂相關碩士班，且仍保留進可攻退可守的雙專長。一般而言，校內申請音樂輔系的門檻較低，尤其是理論作曲主修又比一般樂器演奏容易獲得輔系的資格，因此也是可以納入考慮的規劃之一。


由於各校碩士班招生考試不斷提前，非科班的在學同學，建議最遲大三上必須開始準備考試（等於有一年至一年半時間準備），必須服兵役的同學更須謹慎規劃，提前瞭解自己的能力、補足一些比較需要長期訓練的音樂能力，爭取時間做分散式的學習，並提高考上的機率。目前有部分學校的推薦甄試在十月份開始報名、十一月份考試，也提供「提前入學」的申請，對於提前準備的同學是一項利多，「提前入學」的制度對於已經畢業的考生，在時間安排上也是個不錯的選擇。若是打算要出國申請配樂碩士班的同學，則建議要更早開始準備，時間必須拉長至一年半至兩年，國外入學申請繳交的資料期限是每年的 12 月至 1 月，加上語言能力的要求、申請手續的複雜、及作品準備的品質要求也比較高（要製作管絃樂總譜、兼顧音樂後製、影音整合等），因此最遲二下暑假要開始準備，且時程上其實也非常緊迫，不容懈怠。

高中升大學要考應用音樂相關科系，學生們其實往往知道自己的性向時，已經來不及了，或者許多學生自己也還不是很清楚自己的方向，加上高中生的學校課程非常多而課外能有的時間很少，應用音樂的北部優質學校的名額也非常少，輔大大學部應用音樂創作組只有 2 個名額，若沒有十足的把握與長期的準備，風險頗高。因此若真的來不及準備應用音樂相關科系，那麼把時間拉長，先就讀其他具有助力的相關科系，大二下、或大三上再開始也是非常務實的選擇。(PS: 若原本鎖定音樂系演奏主修的學生，但中途卻想轉換成應用音樂，也是可以大學先就讀原本的演奏，至大三時再開始準備應用音樂創作與碩士班考試的相關學習，鋼琴能力好且曲目彈奏得多的音樂系演奏組學生要轉換應用音樂創作的跑道其實並不困難，但仍需注意英語能力的強化，英語能力不佳常常是音樂系學生轉換應用音樂專業最大的阻礙）。

都是教作曲與相關理論，內容與方法差很多

許多人以為不同老師教授同樣的科目，內容應該是會大同小異 ，然而實際上卻完全不是如此，因為同樣的音樂理論科目， 相似的課程綱要，內容卻是可深可淺。以和聲學為例，有的老師只傳授簡化成摘要式的教條（許多專門教授升大學樂理考試的老師會採用這種方式進行教學）、少數老師則有能力延伸至音樂其他層面的內容（如素材與和聲的關 係、句法與和聲的關係、曲式與和聲的關係等）。此外，每個老師教導學生實踐理論的方法也非常不一樣， 許多老師強調「紙上談兵」與寫考題的能力， 僅有少數老師會強調和聲應用在創作上的方法。再者，每本課本能提供的內容也不相同，有些課本寫得太簡要，純粹只是為了應付考試，有些則有龐大的樂譜範例去說明和聲在音樂中的應用方式。基本上，中文教材的和聲學課本絕大部分都不夠周全（翻譯書除外），但若完全不用書籍，只是用筆記來上課，那麼要拿來用在創作上，就更加困難了。

呈上，和聲學的教科書有很多種，國內外音樂系最常用的外文和聲學教科書有兩本：Tonal Harmony 與 Harmony and Voice Leading，這兩本書是國內外公認非常好的和聲教科書，但仍然各有其優缺點，Tonal Harmony 架構很清楚 ，解釋也非常系統化，但細節與譜例對於學習作曲者而言，仍然顯得不足，較難讓學習者從多種作品範例中了解各種實務上的應用細節；Harmony and Voice Leading 則是架構雖清楚，但由於陳述的方式旁徵博引，對於初學者而言，若沒有合適的師資引導，則其所要傳遞的核心的概念可能難以被理解。其中，Harmony and Voice Leading 是出自理論家 Schenker 的弟子之手，裡頭有許多 Schnkererian Analysis 的符號標記，一些沒學過 Schenkerian Analysis 樂曲分析方法的音樂理論老師，對於書中的概念往往會一知半解，說明起來就更不清楚了，所以許多國內有使用國外和聲學書籍來上課的老師，本身沒有學過 Schenkerian Analysis 的老師，大多傾向用 Tonal Harmony 來進行教學了，因為國內音樂系所比較少開設 Schenkerian Analysis 課程，國外音樂院的 Schenkerian Analysis 則屬於「音樂理論主修生」的專業必修課程，非「作曲主修生」的必修課程 （在國外音樂院中，理論、作曲是兩個不同主修；國內則理論與作曲合併為一個主修，國內音樂系理論作曲畢業者，到了國外通常選擇作曲主修，所以不一定會修音樂理論的進階課程，因此許多作曲博士並沒有修 Schenkerian Analysis ）。簡言之，作曲主修者也不一定有機會修這種進階的理論課，然而，很多音樂的科目其實是息息相關的，授課老師需要懂很多東西，否則只是照本宣科，自己沒有全懂，自然也難以讓學生將音樂理論融會貫通。這不意味學作曲要學 Schenkerian Analysis，而是身為一個優秀的音樂理論教師，需要有廣博的音樂理論知識，也需要有豐富的音樂創作經驗與教學經驗，才能更精確的將這些理論解釋得更透徹。換句話說，一個優秀的作曲家不一定是一個優秀的作曲老師，因為若沒辦有辦法把作曲技巧、和聲技巧以更系統化的方式傳達給學生，學生仍很難有效率的學習，尤其對於非科班考生而言，起步已經比別人慢，因此更需要系統化、具體化的練習方法，才有辦法短期內達到一定的音樂創作水平。

從另一方面看來，學習和聲理論若是以應用音樂 、配樂創作為學習目標，而非只以樂理考試為目的，則需有不同的學習方式才能有效學習與深入學習。由於多數傳統的樂理或作曲老師僅注重和聲學考試的「解題」技巧，但卻沒辦法說清楚和聲在調性音樂作曲上的應用方法，或所傳授的知識也常僅限於十八世紀聖詠合唱曲的風格，鮮少延伸至十九世紀的半音和聲技巧、或二十世紀一些特殊的和聲用法，當然更不會有晚近一些應用音樂作曲家使用的一些較少出現在古典音樂中、卻極具戲劇性的和聲語法。以下面筆者的這個遊戲配樂案例而言，裡頭包含了兩種半音和聲的技巧，前半段的半音和聲（20秒處）並不會在古典音樂的教科書中出現，此技巧是來自當代配樂大師 Hans Zimmer 配樂作品出現的半音和聲技巧，聽起來很有新鮮感與戲劇張力，當然也不會出現在一般和聲學老師的授課內容中。後半段的反向級進的半音和聲技巧（43 秒處）則來自古典音樂作曲家常用的半音和聲技巧 ，雖然是老套且有一個規則存在，然而這些特殊的手法，卻也完全不會出現在一般以考試為目的的和聲學教材中，音樂系大班課和聲學老師通常也不會教你這些技術，一則因為學校大班課的進度通常為了配合學生的整體程度而並沒辦法教得深入，一則可能因為授課老師自己可能也沒有深入研究因此更不會告訴你如何記憶這些古代就已經流傳下來的特殊半音和聲技巧。

換句話說，除了正規的和聲課本內容之外，其實還有許多有趣而有效的和聲進行值得學習。然而，在觀念上，有些老師會認為和聲無定則，只要通曉功能和聲的概念、以及熟悉四聲部寫作的常用規則即可，沒有必要去記憶特定的和聲 pattern。筆者則比較持不同的想法，認為「功能和聲」的概念，有如基本的文法， 只懂得文法，沒有豐富的詞藻，則很難寫出文情並茂的文章。就音樂創作而言，這些詞藻可以是來自前人已經留下的有效的和聲 pattern。此外， 對於應用音樂而言，創作的效率更是一件重要的事，光靠靈感與鍵盤上笨拙的實驗、以及粗淺的和聲概念，若只是要創作出很普通的應用音樂不會有問題， 但要創作出與眾不同的作品， 會變成非常困難而耗時 。 功能和聲的架構之外，有許多來自聲部導進所產生的一些非常有效的和弦連接方式， 這類特殊的和弦連接方式常會需要仰賴記憶，才能成為作曲家可用的音樂詞彙之一，卻往往不在學校和聲學課程中被提及，也不在一般考試導向的和聲學課程中 。

除了上述所提及的授課內容的深度、與練習方法的設計會大幅影響學習成效之外，學習者常常誤以為上了和聲學就會寫曲子，其實這得看看你跟怎樣的老師上哪種層次的和聲學、 授課老師有沒有特殊的方法讓你熟悉一些和聲進行方式，以及你自己對於和聲運用的能力有多少期許。如果你的自我期許只是跟其他流行歌曲、或一些和聲上豪無特色的配樂一樣，那麼便宜行事也許可以，但倘若你的期望不只這些，而是想讓自己的音樂動人又與眾不同，那麼就真的要慎選自己的老師。

總而言之，同樣的音樂的科目名稱，授課者教學的內容與教學的方法，會大為影響學習成效，人文藝術領域的課程尤其如此。然而選擇作曲老師往往比選擇鋼琴老師更為困難，鋼琴上個一兩堂課，就會知道老師的教學方法是否適合自己，但作曲與音樂理論需要循序漸進，光是上一兩次課，初學者往往仍然無法知道老師葫蘆理賣得什麼藥，有時可能真的得全憑運氣與緣份了，一旦跟錯了老師，要換老師也往往已失先機，為時已晚，因為不太可能再從頭重練重學，有的人也會認為是炒冷飯，更沒機會重新走過一次這樣的訓練流程。在筆者的作曲與音樂理論學習過程中， 學校的教授們雖然不見得是用很有系統方法去教授和聲課程，但卻推薦了一些非常好的書， 其中一本就是 Harmony and Voice Leading，另外也包含一些非常老舊、絕版的和聲書籍如 George Rochberg (1971-1977) 的 chromatic harmony，儘管 Rochberg文字敘述比較艱澀，但這本書的半音和聲的範例非常有趣而豐富。Tonal Harmony 以及其二十世紀和聲的內容，則提供了非常系統化的和聲概念，也讓我在解釋和聲概念上，可以更為清楚。在國外念博士班的同時，筆者遇到很不錯的音樂理論教授，跟隨他學了一年的 Schenkerian Analysis，也經由他的課程而有機會讀了不錯的宣克分析的教科書 Analysis of Tonal Music - A Schenkerian Approach，繪製了很多宣克樂曲分析圖，算是獲益良多。說起來，能在學習和聲學的初期，就提早接觸到這些資料，也有機會統整這些資料，也算是好運氣吧。這些教材內容經過筆者多年研究與整合 ，早已納入筆者的教學內容當中， 再者，由於體會到要將和聲知識轉換成創作技術，鍵盤上的功夫不能少，所以近幾年我陸續整理了一些有效的和聲進行，也開始要求作曲學生在鍵盤上練習這些技巧，其中也包含在轉調技巧與作品當中的落實之方法，這些方法與一般純粹為了作曲升學考試而練習的鍵盤轉調公式或鍵盤和聲並不相同，而是一系列非常特別而獨特的訓練方法與和聲設計的概念，藉以結合聲部導進的和弦（voice-leading chord) 與結構和聲（structural chord），使得和聲的內容可以更為多變卻不突兀，也得以使轉調的過程可以更為順暢。教科書中往往只能闡述轉調的概念與方法，卻沒有提供很有效的練習方法及創作上與其他音樂元素之間的關聯，使得大多數的學習者雖理解了概念，卻在實作設計過渡段落時，顯得不自然或過於突兀，有效的作曲教學仍必須設計系統化的練習方法，才能提升學生在作品中設計轉調與過度段落的能力，筆者則是從長期思考如何藉由鍵盤即興來輔助創作的過程中、以及大量分析古代及當代的調性音樂作品、大量閱讀和聲理論相關書冊中，得到一些創作上與教學上關於轉調手法與練習方法的體悟，因此近幾年自己的帶的作曲學生，如果有認真上課，其實都算是運氣好，因為可以省去許多摸索的時間，就可讓作品的和聲語彙豐富許多，在轉調與半音和聲的設計上也會沒有障礙，而這些獨特的練習方法，是屬於頗為個人化的經驗傳承，教科書裡頭也不會有。

音樂的學習往往包含太多「個人化」的經驗傳遞， 作曲的學習也是如此，並非靠著教科書就能學得通，練習的方法往往是很重要的關鍵，而每個老師能掌握的內容與練習方法的有效性也不相同，偏偏初學的學生往往無法真正知道老師有料還是無料，或者上過學校的大班課，才知道原來學校的內容跟一些校外個別老師授課的內容細節與教學方法差很多，因此筆者有一些舊的學生在考上碩士班、或大學部音樂系作曲組之後，雖然學校有相同科目的大班課及個別課，還願意回頭來上我這裡的課，往往就是因為經過了實際上課比較之後，得到結論是我們這裡的個別課，學習上更有效率與深度。當然也常有一些來 Learnmusic 面談的學生，只是想探聽我們怎麼幫學生準備考試或申請國外學校，然後私底下又找更便宜的老師來上同樣的科目，表面上很像很聰明，其實是因小失大，因為音樂理論的基本訓練，將深深影響日後創作的能力，過了這個打基礎的學習階段，要重新回頭大概也沒機會了。因此師生有時候真的很看緣份！

總和以上所述，找尋作曲師資，需要了解這幾點：

(1) 同樣是教這些課程項目，內容跟深度差很多，因此光看課程名稱或課程綱要，並無法了解實際上課的內容與方法。

(2) 就算用相同的課本，優秀的老師老師會知道如何用這些基本教材來進行深入講解，也會延伸說明如何結合書上的理論落實到真實的寫作中。

(3) 一個負責任的作曲老師會不吝分享許多實際的應用範例與實作技巧，因為這個部分也涉及老師個人多年的經驗，甚至有時並非系統化的教科書知識卻又是極為有效作曲技巧，因此老師願意分享個人經驗，會是學生的福氣與緣份。

(4) 優秀的音樂理論教師需要有廣博而深入的音樂理論知識，也需要有豐富的音樂創作經驗與教學經驗，才能更精確的將這些理論解釋得更透徹。然而，一個優秀的作曲家卻不一定是一個優秀的作曲老師，因為若沒辦有辦法把作曲技巧、和聲技巧以更系統化的方式傳達給學生，學生仍很難有效率的學習。

108 年度本中心學員考取碩士班的紀錄

其實下一個年度的考生們已經積極開始準備明年的考試囉，另外有幾位學生仍正在為明年初的國外碩士班申請而準備，再加上有好幾位已經考取碩士班、以及大學部音樂系所的同學，又決定回來繼續上課，因此雖然考季結束，本中心的師資們工作量其實還是一直持續維持，加上前些日子忙著許多配樂專案，所以雖然碩士班考季已經結束了一陣子，一直忙到今日才更新完本中心考上國內碩士班的清單於網頁上。今年度本中心的考生考上碩士班的全部清單如下，也恭喜這些學員們都能順利考上自己理想的學校與科系。 

國立台北藝術大學碩士在職專班專業師資音樂教育組（大學非本科系，以鋼琴演奏考取碩士班音樂教育組）(108) 

國立台北藝術大學碩士在職專班專業師資音樂教育組（大學音樂系鋼琴主修，以鋼琴演奏考取碩士班音樂教育組）(108) 

輔仁大學音樂系碩士班音樂創作與音樂學組（大學音樂系作曲主修，碩班轉應用音樂創作主修）(108)（榜首） 

市立台北大學音樂碩士在職專班 x 2（大學非本科系，以鋼琴演奏考取碩士班）(108) ( 本中心有兩位非科班同學考上) 

市立台北大學音樂碩士在職專班（大學本科系，以鋼琴演奏考取碩士班）(108) 文化大學音樂系碩士班商用音樂組 (招生考試)（大學音樂系鋼琴主修，碩班轉商用音樂主修）

文化大學音樂系碩士班商用音樂組 (推薦甄試)（大學國樂系琵琶主修，碩班轉商用音樂主修）(108) 

文化大學音樂系碩士班商用音樂組 (推薦甄試)（大學音樂系作曲主修，碩班轉商用音樂主修）(108) 

輔大應用音樂創作碩士班（日間部）以及文大的流行音樂碩士班（日間部）入學考試於三月 26 日同時放榜囉！狂賀本中心學員考取輔大碩士班應用音樂創作組榜首，名次還在輔大音樂系應用音樂大學部的本系生之前，非常不簡單。此次輔大有六人報考，競爭三個名額，相較於其他國立大學的理論作曲組考試名額比考生還多的情況下，輔大應用音樂碩士班則更為競爭，考試的科目也多。本中心拿下榜首的考生，過去一年來，每兩週固定從屏東北上來上課，幾乎沒缺過課，毅力可佳，因此拿下榜首也在意料之中。 同時間放榜的文大流行音樂碩士班，除了先前推薦甄試已經考上的兩位同學之外，另一位較晚參與本中心課程的學員也順利錄取。非常恭喜這些同學。今年參加本中心課程，報考應用音樂、流行音樂碩士班的同學，都是來自音樂系的同學，主修包含鋼琴、琵琶、作曲等，一方面顯現音樂系同學們開始思考擁有雙專長的可能性，而不再侷限於傳統的演奏與現代音樂創作。恭喜並祝福這些同學都可以在未來的碩士班學習中，獲得更多的創作能力與經驗。 

另外，在在職專班部分，台北市立大學碩士在職專班也於三月底放榜囉，狂賀本中心三名學員在廖珮君老師的指導下，以鋼琴為術科，順利考上台北市立大學音樂碩士在職專班。這三名學生中，有兩名是非科班的考生，這兩位同時參加了本中心廖珮君老師的鋼琴課程、以及本中心的升碩班之音樂理論共同科目筆試個別課程。 台北藝術大學的碩士在職專班則在 4 月初放榜， 狂賀本中心兩位學員分別考上「專業師資音樂教育組」。兩位學員皆以鋼琴應考，由本中心的鋼琴主修師資廖珮君老師指導，其中一位考上「專業師資音樂教育組」的考生還是非科班考生。非常恭喜這兩位同學！ 很開心今年考上的學生們，還特別送來卡片、點心禮盒來表達謝意，也有幾位考生們願意幫我們錄製考試準備的心得影片分享給網友們（請見我們的 facebook 粉絲團喔！）

從 108 年度的音樂系碩士班報考人數看考生流動的趨勢

雖然不是所有學校都願意公告碩士班招生的報名狀況，但從一些學校的報名狀況，可以大略知道哪些組別屬於音樂系的熱門組別，以及哪些組別屬於冷門組別。

國立清華大學碩士班報名人數公告了（http://admission.nthu.edu.tw/Front/Template/News.aspx?id=zTq4pS6u2k8=&Sn=430 ），審視這些報名人數並核對當年簡章（連結在此），往往可以知道哪些屬於熱門的組別。音樂系的「音樂工程與應用音樂組」報考人數有 23 人，錄取 3 人，可以算是相當熱門的組別，錄取率只有 13%，且由於全國有相似科系碩士班的學校很少，錄取的人大概百分百都會報到就讀。同樣熱門的是鋼琴演奏組，報考人數 23 人，錄取 6 人，錄取率只有 26%，但由於其他學校也有鋼琴組，因此備取者仍然有機會備取上。清大的理論作曲組，報名人數 2 人，錄取 1 人，錄取率也是高達 50%，但這些考生通常是清大作曲組、交大作曲組同時報考，因此潛藏的錄取率大概也是 100%。清大的聲樂組，報考人數 5 人，招生 2 人，錄取率則是 40%，錄取率也頗高。另一個報考人數教少的台灣音樂組（音樂學），報名 4 人，錄取 3 人，錄取率高達 75％，且由於交大音樂所也還有招考音樂學組，報考人數歷年也很少 (今年錄取名額比報名人數還多），因此清交音樂學組備取上的可能性也頗高，潛藏的錄取率可能也是 100%。台大目前也已公告碩士班報考人數，台大的音樂學組則是報名人數 8 人，錄取 4 人，錄取率高達 50%（連結在此），與他校音樂學組的名額共用之後，備取上的機會也不小。

綜觀之，清大結合科技與音樂的招生走向，的確是一個非常明智的策略，也頗能符合時代趨勢，有機會篩選出非常優秀的學生，但令人驚訝的是這個組別釋出的招生名額卻比前一年更少了一半（107 年招收 6 人, 108 年招收 3 人），內部各組之間的名額協調也頗耐人尋味。

目前交大的 108 碩士班報考人數也已經公布（連結在此），音樂學組只有 1 人報考，招生名額卻有 2 名。理論作曲組 4 人報考錄取 2 人，與清大同組別相較之下，略勝一籌，但是更多人報考的卻是結合科技與音樂的兩個組別：電子音樂組（ 10 人報考錄取 2 人）以及新音樂劇場組（ 5 人報考錄取 2 人）。看起來交大音樂碩士班結合科技的組別，報考人數都尚能維持，也顯示越來越多考生認同科技應該結合音樂的想法。

無提供碩士學位的應用音樂「學程」 vs 數位音樂「碩士班」

許多非科班的音樂創作愛好者，往往對於「名校」的流行音樂、應用音樂學程趨之若鶩，但學士後學程並不等於正式的學位，也沒有一般音樂系的主副修考試，表面上看起來可能有許多名人掛名授課，但掛名的人不一定授課，且真正的業界翹楚也可能沒有時間為了趨趨 700-900 NT 的鐘點費跑一趟學校授課，因此表面看到的文宣未必符合實際的內容。從另一個觀點來說，有時業界師資願意在名校掛名，其實也是為了增加自己的名聲，再用名聲換取更多的業界機會，所以有些音樂的學習者認為「學歷」不重要的想法、認為自己以後完全不想從事教學，正是忽略了碩士學歷、以及大專兼課講師對於個人名氣與品牌經營的幫助，畢竟有了品牌與名氣， 才有自我價值提升的機會，而可能因此獲得更多相關的專業工作機會。然而，學歷並非絕對的收入保證，若空有學歷沒有實力，高學歷雖可能使初次合作的客戶比較願意信任，但一旦被發現只是空有文憑而無實力，則久而久之也難以立足業界。

大體而言，數位音樂、流行音樂學程的課程多半是一些短期可以成就的知識或技術，沒有一對一的作曲主修、副修課程，只有大班課軟硬體技術的課程或工作經驗分享課程，比較適合已經有作曲能力而想增加數位音樂知識者。學程之所以稱為學程，主要原因就是教育部對於學程的專任師資員額要求不高 、且軟硬體設備與空間規劃的要求較低，並屬於一個學校中的暫行教學單位，也因此授課的老師們都是暫時的、兼任的老師，教師們對於長期妥善規劃、經營課程這件事的心力有限，更不可能像一般健全的系所一樣，專任老師們會去開課程會議，協調授課內容整體的系務發展方向，也是人之常情。

至於若立志想成為專業作曲家，但尚無音樂創作能力、未經和聲理論訓練者，則筆者建議以追求音樂創作相關的碩士班為目標較佳，這些數位音樂或音樂創作的碩士班最大的優點在於提供一對一的音樂創作主修課程，可以由老師一對一的引導之下，逐漸強化自己的專業作曲能力，且在音樂系底下學習，系所對於音樂能力有一定的要求，且有其他樂器主修的同學一起修課、交流，對於日後在音樂上的發展頗有幫助。此外，音樂系底下的碩士班， 往往提供了其他演奏相關的主副修 課程，有更多器樂學習的機會，可藉此增加音樂經驗 。客觀而言，若同樣是花兩年，筆者並不建議先往無學位的音樂學程鑽營，因為軟硬體技術更新得太快，業界經驗分享式的教學也對於沒有紮實音樂基礎的人幫助有限，等於本末倒置，花了兩年學習數位音樂軟硬體或聆聽哪個大案子賺了多少錢、做了什麼商業談判等，卻沒有同時學習音樂本身能力，實際上並沒有太大益處。此外，又偏偏軟硬體的技術淘汰得很快，可能等多年以後音樂創作能力成熟時，又必須重新學習數位音樂軟硬體，那麼就等於白白浪費了兩年的時間，且也拿不到正式的碩士學位，無法運用一些教學工作來增加穩定性的收入或建立專業名聲。當然如果資金充足可以在無學位的學程之外另外找個別師資指導音樂創作、及相關音樂理論、演奏與即興能力，也可以達到碩士班一樣的成效，只是仍會缺少一張碩士文憑。文憑的作用在於找工作、等待接案時，提供進可攻、退可守的保障，也是個人名氣、能力的一個表面證明。有了音樂碩士文憑，在沒有案子可接的時候，可以至音樂教室兼課、也甚至有大學兼課的機會（大學兼課講師的基本要求是碩士學位，以無學歷要求的專業技術人員聘僱，則需要有非常多年的業界實務工作經驗）。

總而言之，無論是否花了了兩年進入數位音樂學程或碩士班學習，要成為專業的作曲家，絕對不能不重視音樂基本能力，況且音樂創作能力會隨著紮實的音樂理論能力、創作經驗的持續累積而與日俱增，數位音樂軟硬體技術與知識卻是沒有持續更新就淘汰很快（例如：五年前考的音樂軟體證照，過了五年若不用此技術來創作音樂，等於廢紙一張，要使用軟體時又得重新學習新的操作介面、與新的編曲工具），因此哪個為主、哪個為從，道理應該非常清楚了。原則上，筆者建議無論是否準備數位音樂碩士班、或先參加數位音樂學程，就專業作曲家的生涯規劃而言，音樂創作相關的理論及音樂本身的能力是絕對不能偏廢，而必須立即學習、長期累積、先打好音樂本身的基礎才是應用音樂學習與長期自我經營的根本之道。此外，由於學歷、實力其實都重要，因此兼顧兩者，才是致勝之道。

作曲學習如何能獲得立即性的快感 ？

最近有一個網友來信表示自己自學過一陣子的數位編曲，但後來又覺得編曲、作曲似乎比較靜態（需要滑鼠點擊輸入音符），趣味性不及樂器演奏，因此想要了解我們專業作曲家的編曲過程的感受是否也是如此？是否有某種課程可以緩解這種因為過於靜態的枯燥感受？這位網友也問到關於是否有什麼課程可以緩解一般學習編曲、作曲的枯燥 ？學習作曲編曲的投資報酬率是不是很低 ？我們的回覆如下：

編曲初期的學習與創作過程的確是比較靜態的，但如果編曲者即興能力很強，又會不太一樣。因為即興彈奏至電腦中，伴隨著其他數位樂器，也是頗有趣的過程。但如果不會即興、不會鋼琴，那麼很難享受這種樂趣，也很難進入這個領域的核心。

編曲作曲的學習本來就是一個辛苦的過程，且較難獲得立即性的回報，但數位音樂有很多自動化的音樂製作或輔助創作的功具，已經大大減少這種無法享受立即性的問題。儘管如此，大體而言，編曲或作曲仍然是不及樂器演奏來得有趣。如果您只是追求立即性的趣味，學習樂器會更容易獲得。

若您希望彈奏音樂與創作一起學習，那麼可以考慮我們的「鋼琴彈奏與分析」的課程：
http://learnmusic-tw.blogspot.com/2015/08/blog-post.html

然而，上述課程仍然是一個長期訓練的課程（非短期可獲得立即成就感），不同的地方在於一邊學彈奏、一邊瞭解音樂理論與創作技巧、鋼琴即興技巧。很適合鋼琴初學、且又想培養音樂創作能力者。這個課程其實推出已經有三年（2015 年推出），也陸續有一些學生參與這門非以短期內達成升學考試為目的的課程，有興趣的學習者可以參考囉。