作曲學習如何能獲得立即性的快感 ？

最近有一個網友來信表示自己自學過一陣子的數位編曲，但後來又覺得編曲、作曲似乎比較靜態（需要滑鼠點擊輸入音符），趣味性不及樂器演奏，因此想要了解我們專業作曲家的編曲過程的感受是否也是如此？是否有某種課程可以緩解這種因為過於靜態的枯燥感受？這位網友也問到關於是否有什麼課程可以緩解一般學習編曲、作曲的枯燥 ？學習作曲編曲的投資報酬率是不是很低 ？我們的回覆如下：

編曲初期的學習與創作過程的確是比較靜態的，但如果編曲者即興能力很強，又會不太一樣。因為即興彈奏至電腦中，伴隨著其他數位樂器，也是頗有趣的過程。但如果不會即興、不會鋼琴，那麼很難享受這種樂趣，也很難進入這個領域的核心。

編曲作曲的學習本來就是一個辛苦的過程，且較難獲得立即性的回報，但數位音樂有很多自動化的音樂製作或輔助創作的功具，已經大大減少這種無法享受立即性的問題。儘管如此，大體而言，編曲或作曲仍然是不及樂器演奏來得有趣。如果您只是追求立即性的趣味，學習樂器會更容易獲得。

若您希望彈奏音樂與創作一起學習，那麼可以考慮我們的「鋼琴彈奏與分析」的課程：
http://learnmusic-tw.blogspot.com/2015/08/blog-post.html

然而，上述課程仍然是一個長期訓練的課程（非短期可獲得立即成就感），不同的地方在於一邊學彈奏、一邊瞭解音樂理論與創作技巧、鋼琴即興技巧。很適合鋼琴初學、且又想培養音樂創作能力者。這個課程其實推出已經有三年（2015 年推出），也陸續有一些學生參與這門非以短期內達成升學考試為目的的課程，有興趣的學習者可以參考囉。

學應用音樂作曲的出路在哪裡呢 ？收入高嗎？

數位音樂與應用音樂一直是近年來熱門的學習領域之一，然而初學者常常很困惑這個行業到底好不好存活。關於學習編曲、作曲的出路如何，收入高不高，我們的回答是要看個人的音樂能力、經營方式、以及行銷能力、社交能力、與他人合作的能力，因此在這個領域中，每個人的收入差距還蠻大的，以台灣的環境而言，優秀的作曲家月收入可以高達10 至 15 萬（包含高階的作曲教學、音樂理論教學、商業音樂創作的收入），具有多元專長的應用音樂作曲家則月收入在旺季時甚至可高達 20萬 (包含作曲、編曲、PA、軟體教學、短期工作坊教學、互動科技影音裝置設計等接案收入），而能力中等的作曲主修畢業者，收入則約略在 45000上下（包含樂器教學、基礎樂理教學、試唱聽寫教學、商業音樂創作收入），至於至大型遊戲公司、多媒體公司專職的作曲家，收入則在 50000 以上，有些遊戲公司會要求作曲家另外要熟悉遊戲引擎以及一些 middle ware 的互動音效音樂軟體之整合能力，符合這些能力要求者，薪資可達 60000-100000，另外也有一些消費性 IC 作曲的全職工作機會，收入在 50000~ 70000 之間，但通常尚必須具備高度的聽寫能力。能力更差的作曲主修畢業者則大概必須面臨轉業或作與音樂無相關的工作。以上這接統計都是筆者認識的同行之收入狀況。簡言之，要靠作曲相關專長謀生，音樂能力絕對是高收入的必要條件，但尚需要其他相關的多元能力。換句話說，音樂的學習在目前這個世代，已經不是單純學習純粹的音樂相關技術就可以收大把鈔票，而是需要多元的能力以及長時間的經營，以音樂創作領域而言，不僅音樂創作能力要非常好，還要能夠懂得經營、行銷、社交、語言、文案能力、網頁製作、影音剪輯及其他科技能力(例如影音相關的程式設計等)。回歸到音樂創作本身，值得一提的是許多人以為熟悉音樂軟體操作就叫做會編曲，這絕對是非常誤謬的想法，軟體的學習應該是在已經有基本的作曲能力之後才需要去追求的技術，因為軟體的功能每年都在更新進步中，軟體的學習可以速成，但音樂能力往往需要長時間的積累。

由上述的月入20 萬的看似極端的案例中，您可能覺得一個人怎麼可能會這麼多東西，但這其實一點也不奇怪，因為要學習各種能力，以網路高度發達的世代，所有的資訊大部分都可以在網路上找到，大家競相作延伸學習之下，當然是努力的人比較會有好的收入。基本上，以音樂系的學生為例，若只會跟著學校的課程走的音樂系作曲主修生，畢業之後要找到相關的工作其實並不容易，因為學校教育的音樂創作課程，大部分都與產業無關，走的是純粹的藝術音樂，但這不意味音樂系的教育沒有價值，而是因為有很多技能已經在網路上可以自己學，整合學校教育、補習教育、網路學習而獲得各項相關的技能，才能真正靠音樂謀生，且獲得不錯的經濟生活。換句話說，既然網路資訊如此透明、學校之外的學習管道也很暢通，不主動學習的人當然會吃虧，因為其他人都不斷在做學校教育之外的延伸學習。最愚蠢的學生往往是老師推一步他自己才會走一步，這樣的學習者大概在學校系統中，只會在意學校的必修課程以及主修課程的表現，因此畢業之後，鐵定完全無法跟業界接軌。另外還有一些非科班的音樂愛好者，把時間與金錢投入軟硬體的學習，而沒有真正的下苦工去積累音樂能力，則在商業作曲案子很少的情況下，他們只好往軟硬體教學發展，當然這也是一條路，只是門檻越低者則競爭者眾，則更需要仰賴多元經營，例如投入錄音室、音樂教室的經營等等。純粹靠商業作曲而完全不從事教學或也不經營錄音室的人，若是有優秀的作品，也是不難在遊戲產業找到全職工作之外，只是薪資跟一般上班族類似，也可能還要負責公司裡頭的其他雜務。以上就是台灣的作曲家生存的狀況，但對於作曲能力非常優秀的作曲家，則大陸地區工作環境會比台灣好很多，然而這並不包括半專業只懂拼貼素材、操作軟體的數位音樂玩家。

對於在音樂系就讀理論作曲者的學生而言，如果很有遠見與強烈學習動機，應該不難跨入商用音樂的創作，但筆者長年在音樂系授課，看到的理論作曲主修生，大部分都是被學校的課程牽著鼻子走，也不會主動去爭取選擇適合自己生涯規劃的主修老師，對於數位音樂課程也因為只是選修課，因此完全不會去主動學習與延伸學習，最後就是畢業即失業，因為他們對於自己的生涯規劃實在想得太少了，尤其從音樂班上來的作曲主修生，想法上又更加封閉，學習上又更加缺乏動力，才會造成很大的學用落差。以台灣的保守作風而言，短期之內，學院的作曲學習的體系都不會有太大改變，也因此理論作曲碩士班慢慢萎縮是很正常的現象，不是因為少子化，而是因為長年沒有課程的改革 ，考生越來越沒有報考的意願；從另一愛一方面來看，音樂系的大學部作曲學生的招生，由於考招制度的關 係，並沒有受到少子化的衝擊，錄取率仍然不高，且只是音樂系的一個組別，因此並沒有迫切改革的推力，也因此台灣的音樂系作曲相關課程並無法隨著時局而革新已屬必然 。 當然或許也有些學理論作曲的人是以藝術家自許，他們並不在意賺錢謀生這件事，他們只喜歡純藝術的東西，這類人則並不在此篇文章的討論範圍，因為他們可能早有優渥經濟環境足以提供他們追求更高度的精神神層次之滿足。

簡言之，學習音樂創作的收入高不高，真的是看個人的各方面努力與經營能力而定，此外也看學習者能否掌握產業趨勢以及獨佔性的專業能力，其中，遊戲之互動聲音與音樂設計為近幾年來新興的高薪全職工作，值得學習者關注。另外，如果學習者只鎖定在以創作接案為生，以台灣的環境會比較辛苦，能力足夠者建議往大陸或日本發展，但若只想留在台灣，則音樂創作還有很多相關可經營的層面，包含教學、工作坊、音樂科技、數位音樂、樂譜販售、錄音室經營等等，端看每個音樂創作學習者的心態、能力與志趣了。

可以再參考應用音樂相關工作的文章：

新科技、新的產業趨勢、新的高薪工作vs 國外作曲系的新課程：

http://learnmusic-tw.blogspot.com/2018/12/vs.html

台灣、大陸舉辦之國際電子音樂節、研討會即將上場，反應科技融入音樂之趨勢潮流

http://musicacoustica.cn/cn2018/ 由北京中央音樂學院舉辦的一年一度的北京國際電子音樂節作品徵選與作曲比賽即將截稿囉，有興趣往學術作曲發展的人可以瀏覽一下該網站，瞭解一下國外的趨勢。今年的音樂節算是擴大舉辦，根據瞭解，2017 年連遊戲配樂公司的「小旭音樂」的老闆都出席該音樂節，大致上可以瞭解學術圈內，音樂創作領域已經變得越來越多元，電子音樂、多媒體、甚至應用音樂，逐漸取代只有「器樂」創作為主的傳統理論作曲。打算念理論作曲的同學們，應該好好思考未來的創作發展方向、以及如何選校、選主修老師。筆者認為無法主動觀察音樂界的趨勢，只照著他人留下的窠臼來學習方向者，將很難走出自己的一片天。如今網路資訊流通便利，其實並不難看出學習音樂創作者的未來方向，其中，科技能力成為學習作曲者不可或缺的一項專長。除了北京中央音樂學院的一年一度的國際電子音樂節之外，上海音樂學院也每兩年舉辦一次國際電子音樂節，算是亞洲地區非常盛大的學術電子音樂活動。

http://smit.nctu.edu.tw/wocmat2018/index.html 交通大學舉辦「電腦音樂與音訊科技研討會」，目前作品徵件、論文徵件即將截止喔，對於計畫報考清交音樂科技、電子音樂、多媒體劇場等碩士班有興趣的同學，就不要錯過這場盛會囉！從這些音樂會、研討會，也可以使考生清楚瞭解這類學術電子音樂的碩士班的研究與創作方向，是否是自己想要走的方向。音樂創作的學門，大致上可以細分為器樂前衛音樂創作（國內一般音樂系所理論作曲組的方向）、電子音樂與音樂科技（清交音樂碩士班相關組別的走向）、應用音樂（輔大、文大、師大相關組別的走向）。考生則有兩種，一種是「選校名不選系所發展方向」、一種是「選系所的發展方向」，前者愛名、後者務實，各有利弊。這些抉擇關係了考生未來的人生規劃俱深，因為碩班兩年～三年，往往是人生非常寶貴的、可以靜下心來好好學習技術的時光，甚至是最後一段可以全心投入學習的時光，因此也將對於未來出路有很深遠的影響。

由兩岸環境比較理論作曲主修的出路與合適的生涯規劃

前些日子一位對岸音樂學院名校的碩士班學生傳訊息跟筆者預約了暑期為期兩週的作曲密集課程，昨天學生剛抵達台灣，今天開始課程。今日課後我們聊到了對岸作曲主修與學術圈的發展狀況，大致上已經很明顯分成兩個發展方向：學院派 vs 影視配樂，多數的學生進入了學院派的作曲系，其實並不一定真的喜愛學院派音樂，而常是為了追求名校學位，骨子裡卻喜歡影視配樂，考上學校之後，許多作曲專業的學生都拼命接案，以北京為例，除了商業需求之外，也包含電影學院的配樂需求，廠商或客戶甚至會到學校來找價格相對便宜的學生作曲家，因此要接到配樂或編曲的案子並不困難，作曲主修學生只有熟悉數位音樂，接一首編曲案子可以拿到 6000 人民幣以上；僅有少數的學生立志要往學術圈發展，必須取得博士後才有較高的機會進入學術圈，而學術圈又比較偏愛留洋的博士。一旦進入學術圈，若能跟音樂科技扯上邊，就可以取得非常豐富的學術資源，因為國家提供了不少的錢讓音樂院去發展電腦音樂與音樂科技、新媒體等，另外，學院派的師資也可以藉由輔導考音樂班、音樂系的學生，而有許多額外收入，因此能到音樂院名校任教的老師，往往都能有非常好的經濟生活。

筆者覺得大陸目前的情況似乎就是跟台灣二十多年前非常相似，但現今台灣的學院派音樂之路，卻沒有這麼樣的坦途。目前許多音樂班上來，因為器樂能力不夠好而轉念作曲的台灣音樂系學生，其實對學院派音樂多半沒什麼興趣，他們都非常瞭解無論是否一直念到博士，已越來越難在台灣的學術圈或教育界獲得專職；無論是否到音樂班或音樂系兼課、或藉由不斷發表學術音樂作品來增加名氣，也不敵要學習理論作曲的人越來越少的事實，使得這些兼課教師或學院作曲家的虛名，在沒有專職的情況下，完全無法獲得實質的回報。實際上，學院派的理論作曲碩士班近幾年幾乎也都面臨了招不到學生的窘境。然而，台灣的音樂系作曲主修的學生們，即使對於影視配樂很有興趣，因封閉的音樂學術環境中，無法提供相關的應用音樂課程，在激烈的競爭下，其實也很難接到商業的音樂製作專案，跟大陸的情況不同。換句話說，台灣的音樂系理論作曲學生只會創作學院音樂，但商業作曲編曲能力與相關電腦技術不足，跟商業音樂界的品質需求仍有一段頗大的差距，所以也無法真正跟業界的同行一同競爭，最後只有轉行或轉做低階的樂器兼課教學。家境比較好者，可能會一直念到博士，但若留在台灣，只會再淪為流浪教師或轉行的命運，把問題留到未來，以 2018 年私立東吳大學的作曲專任職缺而言，就有超過 20 名以上國內外作曲博士參與教職的競爭，其他音樂系兼課的職缺，即使收入不多，也是國內外博士擠破頭，可見僧多粥少下競爭之激烈。

有趣的是台灣這幾年，大學樂器主修轉跨國內外應用音樂碩士的人越來越多，雙專長（樂器主修 + 音樂創作主修）已經成為一些比較能夠洞察先機的音樂系學生努力的方向。即將進入音樂系理論作曲大學部唸書的人，或許真的應該好好思考一下自己的未來發展方向，而所選的學校、所選的主修老師（純器樂專長的主修老師？或器樂與數位音樂雙專長的主修老師？），都將是影響未來發展的非常重要的關鍵。原則上，就學院派作曲主修而言，有電子音樂、數位音樂等專長的主修老師（要從老師的個人作品的方向來判別），或是有積極發展學院派電子音樂、商用數位音樂的相關學校的音樂系所，絕對是首選。然而，許多學校只是有這樣的課名，卻沒有真正相關專長的師資、或沒有積極的推動相關的課程的發展與展演，那麼考生就得多方私下打探了。筆者的看法，若科班學生打算念理論作曲，且有打算一口氣念到理論作曲博士、碩士，那麼最遲在考碩士班時，就一定要選擇真正有發展電子音樂、數位音樂且推廣相關展演活動的學校來念，因為出路會比只會器樂創作者的出路更為寬廣，不要再繼續迷信一些作風保守的「名校」，以 2018 年國內各校發展狀況來看，交大碩士班應該是首選，在電子音樂、新媒體音樂這些方面都積極的發展，傳統器樂作曲也有不錯的表現，加上理工為主的環境，要接觸到很多電腦相關的知識與技術，都相對較為容易，只可惜學校地點不在台北，使一些考慮交通因素的人望之卻步；其他的國立大學則仍只以學院派的器樂創作為主要方向，也沒有專業的電子音樂、數位音樂師資，往往僅有由不夠專業的師資開設的一兩堂選修課程，卻不投入軟硬體，且主修老師往往反對學生將這些科技元素融入在器樂創作中，早已跟職場與大環境的需求大相違背。若要申請國外學校的理論作曲，筆者也建議以同時具有器樂作曲、電子音樂作曲或數位音樂雙專長的主修老師為首選，否則跟者只會器樂創作的主修老師學習，唸完國外作曲碩士班，回國後仍可能難有發展空間。提供給大家做參考囉！

至於非科班的考生，筆者強烈建議直接攻讀應用音樂相關科系與碩士班，以 2018 年目前的狀況而言，仍首推輔大，因為該校在爵士音樂、數位音樂、應用音樂都很積極的推展，也佔進捷運的地利之便。

簡單的說，弄清楚自己的能力、定位與喜好，才不會花了許多銀子與精力，卻走了一條回不了頭的冤枉路。（有許多人只喜歡名校 😀，根本不在乎課程方向與主修師資，那就真的沒辦法囉！）

Rick Beato 的音樂人生存之道 - 音樂創作能力才是應用音樂的核心能力

音樂產業的型態已經跟以往大不相同，美國的音樂製作人兼作曲家 Rick Beato 經驗分享，他認為音樂製作人、錄音師的市場已經大不如前，花錢進到學校專攻錄音工程、或製作人，出來很難找到工作，因為目前音樂產業都偏向小型化的經營模式，與以往大不相同，想要以應用音樂為生，那麼作曲家兼有演奏能力才是王道，各種來源的版稅、演出的收入，才是讓應用音樂人活下去的主要收入來源。

Rick Beato 的建議可以給許多想念應用音樂、流行音樂相關科系的人做參考，門檻較高的作曲專業，相對於錄音工程、音樂科技、音樂行銷、爵士演奏、音樂治療等等琳瑯滿目的應用音樂碩士班招生項目而言，該如何選擇已不言自名。當然這也不意味音樂創作是一條坦途，基本上音樂的路就是比實力與名氣，名氣可以靠行銷手法，但實力就是一步一腳印的功夫，沒有經過嚴格的創作與理論訓練，便很難走出自己的路。此外，考生也必須明瞭門檻越低的入學方式，學校教育為了配合低素質的學生，也會無法開設進階的課程。應用音樂這個專業領域，比起以教學為市場的樂器主修專業，更需要面對音樂創作市場與聽眾的嚴格考核，因此在選擇學校時，似乎更應注意到課程規劃、師資結構，而不是僅熱衷於名校光環。

留學美國念音樂碩士、博士要如何開源節流？

• 留學美國念音樂要如何開源節流？

許多人看到留學龐大的費用，就立即知難而退，但其實到美國唸書有許多好處，是在台灣的環境所沒有辦法提供的，包括語言能力、國際觀、跨國的人脈等等。筆者以為資金準備到預估費用的 1/2～2/3 就可以往前衝了，剩下來的只是勇氣。以筆者為例，當初留美念博士班，預估要五年，但手頭上雖有 200 萬來自遺產的收入（預估平均每年最多用 40 萬，來支持五年），但已經不再可能從父母得到任何援助，學校方面也無法提供獎學金。當時尚未走出喪親之痛的我，還是心裡一橫，毅然決然去了美國，或許有一部分的原因是想離開傷心的地方。很慶幸的最終還是完成了留學的夢想。以下將開源、節流的經驗分享給大家。

節流方面：
為了省錢，我選擇的學校在美國的內陸南部，雖然也是音樂名校，但原本生活費與學費就比其他地方便宜，當然打工工資或獎學金的金額也相對較少。我選擇了步行可到學校、且租金便宜的住宿，純粹為了省去購車的費用。吃的方面，筆者剛去時都自己打理，靠著大同電鍋，將當地最便宜而有營養的根莖類蔬菜切片煮飯、有時也使用冷凍蔬菜來處理飲食。熟悉環境之後，通常就知道如何吃得便宜又有營養。另外，我從不參加學校的國際學生保險方案，因為網路上有更便宜的保險方案可買，因此我都是自己到網站上去購買國際學生的保險。此外，我的學分數與該修的課程都是算得好好的，暑假也繼續暑修，以便於縮短在美國當地生活時間，且暑修的學期比較短，有一些比較不討喜卻又是必修的課，我就會排在暑假修，可以比較快結束、輕鬆過關。另外，入學之前，我的托福、GRE 已經全部通過，實際上我也沒有參加任何英語補習班，因為從高中到大學畢業，我都天天聽英語教學的節目（最早是長春藤、空中美語，接著是英語說話速度較快的 English Digest，且我時時背單字，像家常便飯）。入學考試的科目，我都是全部通過，包括音樂史、音樂理論、視唱聽寫等，因為若沒通過，要花費的補修學分的費用必然比在台灣補習的費用更高出許多，所以我在台灣前已經都做了考試準備（許多音樂系畢業的同學，巴洛克以前的音樂史、甚至音樂理論都無法通過入學考試的最低標準，而必須花錢重修大學部的課程）。博士班要求的第二外語，我也是直接參加考試（當時考試的內容只是法語翻成英文，不能帶電子產品，但可以查字典，還好沒有考法語動詞變化），因為大學時期就有學了一些法語，且法文字跟英文字有很多類似的字根，翻譯對我來說並不難，但其他同學則是花了一年的時間去修課。這樣看來，我至少比其他的同學少修了10 個學分以上，當然這都是出國之前在台灣打下的基礎。

當然，為了省錢，我在美國完全沒有出去旅遊，我比較建議經濟無虞的人，不要這麼節省，應該多利用在美國的機會到各處旅遊一下，可以有更多的人生經驗與閱歷。此外，有機會跨到別的組別去修一些未來可能會用得到的、但畢業學分卻不承認學分課，有時反而有意想不到的收穫，這個部分是我比較後悔的地方，因為有些台灣學不到的課，為了考量學分費，我並沒有去多修，但回國後，當年沒特別去修的學門，如今卻都成為國內越來越蓬勃發展的音樂學門。

開源方面：
我積極尋找獎學金的機會，有一些專為國際學生提供的獎學金，有主動申請就有機會，就可以減少一點開支。此外，我也積極強化自己的語言能力、並且想辦法在課業的表現上嶄露頭角、找機會參加音樂比賽、又加入 ASCAP 版權協會來賺取音樂創作的展演之版權費，當時筆者還看到有台灣過去的留學生去揀其他有錢的學生搬家時留下的家具、書籍上網拍賣，或轉賣給其他人而小賺一筆的人；有的學生則偷偷至校外音樂教室兼差，通常會去華人餐館打工、或者是去華人經營的音樂教室教課，後者必須要考量買車與養車的開銷，當然這就屬於非法打工，可能具有被遣送回國的風險，因此必須謹慎考量。第二年我又跟國內教育部申請了留學獎學金，獲得每年 25000 美金的補助，可持續補助兩年。若有參加美國的研討會，我一定跟當地駐美辦事處申請補助。由於後來語言能力、音樂能力已受到一定的肯定，因此也在第二年開始取得助教的工作、及少額的獎學金，可以讓生活費大約接近打平。當助教不只是有少許的收入以及資歷的累積，至學校的某些特定的餐廳用餐，也可以享有很好的折扣，學費也通常可以抵免一些金額，因此可說是一舉數得。很慶幸的，筆者四年內取得博士，存款沒有變少，其實還多了大約一百多萬來自獎學金的收入。

對於碩士的申請者而言，由於只有兩年的時間，因此剛開始的確會比較難步入軌道，但國內有留學獎學金、公費留考都是可以嘗試的方向。非科班生若是選擇傳統音樂為主修，那麼申請教育部獎學金時便會很難跟科班生競爭，但若是念應用音樂、流行音樂、電影配樂、爵士音樂等相關的碩士班，由於目前獎學金競爭者較少，應用音樂相關科系上來的學生又常音樂理論的底子不好，若非科班生能夠好好準備音樂理論與音樂作品，並且增加自己的業界經驗與資歷，也是會有機會獲得教育部的獎學金。筆者曾經收過一名學生專門為公費留學中的樂曲分析考題來上課，他是非科班生，反應能力不錯，外加有長期參與業界的配樂與配音製作，竟順利考取公費留學考試，以應用音樂創作為攻讀的方向，考上之後還特別寫信來致謝。當然，這個案例也很讓我訝異，但沒有嘗試，誰也不會知道結果，再者既然美國的音樂碩士班多半有入學的樂理與音樂史考試，基礎不好的非科班生，藉由準備公費留考的機會，順便把這些缺少的能力補起來，即使公費留考沒著落，卻也能用來準備入學的音樂史、音樂理論測驗。另外，提昇自己的語文能力與音樂能力也非常重要，有了能力，到了國外才比較有機會展現自己的能耐而獲得專業領域內的獎學金。再者，若作品夠優秀，技術夠好，也可以藉由接案網站接一些編曲、配樂的案子，現在網路非常發達，有一些運用 paypal 跨國接案收費的網站，應該也是一個不錯的賺錢以及累積經驗的管道。值得注意的是學費昂貴的地方，打工通常也有較高的鐘點費；若能拿到獎學金，生活費與學費較高的地區，獎學金的金額也會比較高。大概最差的情況便是先念一年，沒錢再回台灣工作一年，賺夠了錢再復學也是一樣可行。因此留學者要有一點冒險的勇氣，由於其所帶來的效益與名聲卻是終身的，其實是很值得追求的一段人生旅程。

西方傳統和聲 v.s. 爵士和聲

「西方傳統和聲」系統為目前所有商用音樂、配樂中使用最廣的和聲系統，也是一般人聽起來最舒服的和聲系統，其進階的使用規則極其繁複，有許多細節皆會直接影響到作品的動人與否，同樣的和弦進行，若沒注意到聲部導進的原則，則給人的感受會差非常多。國內外的西洋音樂相關科系皆以西方傳統和聲系統為必修課程，通常演奏主修的人只需學皮毛、作曲主修的人則需要學許多細節，前者只需要訓練低音題（有數字低音或低音部，寫出其他三個聲部）、後者則要學習高音題（有高音部，寫出其他三個聲部），進階的學習則包括許多名曲的和聲分析、和聲與音樂結構、音樂句法之間的關係、功能和聲系統下的對位線條之設計、功能和聲骨架之下的和聲擴充(prolongation)、和弦的線性進行（linear progression) 等。沒有學過和聲的人，常以為這種和聲系統只是用在古典音樂，因而常會問：「以商業音樂為目的，是不是應該學習爵士和聲而非西方傳統和聲？」。我們可以先來瞭解一下兩者之區別與使用時機：

「爵士和聲」是一種針對特定風格而衍伸出來的和聲，其和聲進行的方式有許多地方與「西方傳統和聲」系統相似，例如都強調五度圈的關係，tritone substitution 的作法與增六和弦的用法相當、附屬和弦的用法也一樣，但「爵士和聲」有比較自由的縱向音響，例如四度堆疊的和弦、或三度持續往上堆疊至九、十一、十三和弦，而特別強調九度、十一度、十三度等堆疊的音響所產生的「不諧和」與現代感；「西方傳統和聲」則以三和弦、七和弦為主，並強調所有的不諧和的音程都需要解決，因此相對而言是比較強調「諧和」的聲響。再者，爵士和聲為一種調式和聲（modal harmony），通用的教學系統多半使用 chord scale 的理論，特定和弦搭配特定調式，較不強調不諧和解決至諧和音程所產生的音樂趣味，反而喜好不諧和的垂直音響。此外，且其調性常常是浮動的，短短的一首樂曲可能經過了好幾個調的 ii-V, 或 ii-V-I 的和弦進行，或加入各種變化音，不僅使得音響上聽起來更為不諧和，也使得調性更飄忽不定或調性不明；「西方傳統和聲」則是一種調性和聲 (tonal harmony)，強調調中心可以被感受得到，所有短暫背離調中心的現象，只是為了反襯出調中心的強勢與主導地位，因此更容易運用調性和聲彼此間的關係來建構曲式。故這兩種和聲系統呈現出來的和聲效果與氛圍有非常大的區別。商用音樂百分之九十使用的都是來自「西方傳統和聲」，主要原因之一在於一般人的聽覺並不喜歡太多半音的變化，且一般人會聽覺上會期待這些旋律是可以被記憶的；爵士音樂則相反地強調不諧和聲響所帶來的新鮮感、快速變換調式與和聲、充滿半音進行、浮動的調區的現象，加上其以即興為主而在旋律的結構上常導致細緻度不足，因而導致旋律難以被記憶以及節奏的強烈風格化，而使其乍聽之下每一首作品都有極高的相似度，所營造的氛圍多半脫離不了「輕鬆自在」，但這種氛圍卻有一大半的成分來自節奏風格，而非和弦本身。以下便是爵士風格的範例：

爵士和聲範例

坊間有不少教授爵士和聲的課程，但多半是由爵士演奏家所開設的課程，講求表面的音符流動，但在音樂材料上卻鮮少提及統一性、連貫性的美學，迄今各種書籍也很少有豐富的音樂範例來配合和聲的說明與音樂分析，這些課程也鮮少提及和聲與句法結構的關係。此外其強調縱向音響，卻少談橫向的對位線條（因為爵士音樂並不講究對位線條）也使其層次感較少。再者，就音樂寫作技巧而言，「爵士和聲」理論通常強調即興、立即彈奏、特定風格的應用方式，使得多數的情況都以縱向的、和弦式的垂直音響之方式出現，在各種曲目的織度語彙上也相對而言較缺少變化，對於樂理或作曲初學者而言，有可能因此導致誤導而不自知。

另一個不適作曲初學者學習的原因在於現有的爵士和聲系統非常混亂，少部分系統化的內容仍是來自西方傳統和聲的基礎，其他則來自片面的、或個人化的音響使用方法，例如許多國外的學習者在用的 Mark Levine 的爵士樂理書，提到了 Phrygian Chords，其實純屬個人的音響風格，但使用上只是屬和弦的變化型，不明究理的人可能花很多功夫去記這個縱向音響，卻在實務創作上對於整體音樂形式或情感表達影響極為有限。再以 Mark Levine 對於爵士和聲的指引為例，學習者需要熟悉 14 種調式以上，且要能快速移調，每個調式都還有自己各自的 avoid note 必須避免作為該調式所對應的和弦之垂直音響中的音，然而傳統和聲只有大調跟小調（小調有三種音階），許多學習者就已經覺得很複雜了，更何況初學就去接觸 14 種調式呢？

初學編曲與音樂創作的人，學習此種過度風格化的和聲，很容易花了太多的時間在垂直音響打轉，而得不到應用於實際音樂市場上的成效，也難以在短期內建立調性音樂的心靈能力。除此之外，此類音樂由於在聲部導進的處理上較為簡化，因此早已有「自動編曲軟體」可以快速製作各種類型的爵士音樂，只需要做一些細微的音色修改即可達成編曲或創作的目的，一首曲子大約半小時就可以完成，這意味著製作此種類型的音樂，編曲費用將會大幅壓低，因為只要會自動編曲軟體的人都能做出爵士音樂的相似的風格。目前卻沒有一套軟體可以自動編寫具有細緻的聲部導進的音樂或自動編寫管弦樂，因此要成為專業的作曲、配樂家，紮實的和聲與聲部導進的能力一點都不能少。簡言之，未來的趨勢中，只有不被科技輕易取代的配樂技術，才能在市場上存活。能靠素材拼貼、或自動編曲軟體、或版權音樂剪輯軟體所能做出的音樂風格，都不是配樂家學習創作的方向。

「西方傳統和聲」系統運用在樂曲中，由於有更龐大的經典曲目與樂譜、歷經數百年已被系統化的和聲規則與音樂範例，多變的織度與伴奏方式，使得和聲的知識不單純只是和弦連接，而是包含背後龐大曲目中的作曲技巧，也因此其成為一般作曲者學習作曲的首要學習重點。再者，管弦樂的編寫最重各聲部之導進，若學習者沒下過一番功夫練習「西方傳統和聲」聲部導進的處理方法，會非常難寫多重線條的音樂作品，更無法藉此推演出創作上常用到的「對位」線條，反之，爵士樂團並不以管弦樂編制作為呈現方式，因此爵士和聲關注的焦點也較少在於聲部導進，而在東方國家的配樂市場中，使用到爵士和聲的機率更為稀少，僅形成另一種小眾文化的體系，只是很多人常誤把「爵士和聲」跟「流行和聲」想成同一件事，才有許多人學習配樂時，會以應該先學習爵士和聲，殊不知爵士和聲的理論系統其實頗為雜亂無章，很多不明究理的人往往在縱向和弦中打轉，卻不知道怎樣建構有方向性、更易於感動聽者的和聲進行、以及更動人的旋律線條、也無法學得利用多重聲部同時進行所帶來的音樂張力。

有些同學未來希望到國外學電影配樂，往往迷惑於到底應該從哪種和聲系統下手。以西雅圖電影配樂碩士班師資 Hummie Mann 為例，其多半使用「西方傳統和聲」來寫曲子，有時也用二十世紀非調性音樂的和聲，但並不使用「爵士和聲」，從該校畢業的一些作曲家的作品也是如此。我認為主要的原因除了作曲者的個人偏好之外，也在於爵士和聲太過具有指涉性，只有在酒吧、舞廳的背景音樂適合，此外就其指涉性而言，也不適合與管弦樂的編制混搭配合。想出國念電影配樂的同學們，必須先釐清自己的目標，想學爵士編曲，應該去申請爵士編曲主修；想學電影配樂，那麼應該先把西方傳統和聲學好，以後再慢慢延伸學習。在美國，這些風格的範疇是分得很清楚的，film scoring 的系所方向，通常比較偏向古典音樂的延伸發展；jazz composition 則真正研究 jazz 的各種創作相關技術。兩種專業都是必須花多年的時間慢慢揣摩，但未來的創作的方向卻有可能完全不一樣。從嚴謹的和聲系統，開展至較為自由的和聲系統是比較正確的方向，但這是一個非常漫長的學習過程，因為和聲的學習從來不是「知道」理論，而是能真正「感受」理論的內容。若以申請學校為目的，音樂風格取向往往必受到審查人員個人偏好所影響，正所謂物以類聚，例如想申請西雅圖電影配樂碩士班，那麼同學們可以先聽一下 Hummie Mann 本人的電影配樂作品。其他學校的申請或考試也是一樣，申請者或考生可先去搜尋一下每個學校教授的作品，再決定和聲學習方向，但短期內想同時掌握多種和聲風格是不可能的任務，基礎未穩固就先想著如何才藝超群，是非常不切實際的想法。

Hummie Mann 運用「西方傳統和聲」創作的配樂

Hummie Mann 運用二十世紀無調和聲、以及後半段「西方傳統和聲」所創作的配樂

除此之外，好萊塢電影配樂大師無論是 Hans Zimmer、John Williams、James Roy Honer、Danny Elfman 都是以「西方傳統和聲」系統及其概年延伸運用來進行創作，因此如果同學們認為「爵士和聲」系統才是商用音樂的核心，實際上是非常錯誤的想法，多半是因為對於整個音樂理論的體系不瞭解之故，也因此有些人可能花了百分之九十的精力去練習僅佔商業音樂不到 10 % 的爵士和聲（台灣的配樂市場中，爵士音樂的需求更低於 5%），卻錯過了以「西方傳統和聲」系統為主的 90 %商業音樂市場，可說是事倍功半了。但如果您的學習順序是先學「西方傳統和聲」，再去瞭解爵士和聲，又會有不一樣的結果，因為您先明確感受得到「調中心」、「調性和聲」，再去找尋一些背離穩定調中心的手法，等於先瞭解一件事的正面，再從反面去瞭解，那麼您對於和聲的掌握就會更深切而通透了，然而這通常已經不是學習一兩年的作曲初學者能力所及，而是一個專業作曲家才有辦法瞭解的世界。

西方傳統和聲要能夠內化成內心感受的一部分，需要非常多年的時間，多數音樂系器樂主修者都沒有這種能力，因此無法即興，雖然完整的理論的學習由資深作曲家與理論家指導，大約在一年可以達到一定的能力使用這些和聲語彙來作曲，但仍然是一項辛苦的學習過程。其實爵士和聲也是如此，光學理論沒辦法透徹，而是要分析與彈奏大量曲目才有辦法真正吸收到精髓並融會貫通，由於兩者都需要花不少時間學習與內化，也因此以哪一種和聲作為學習的起步，後續創作的風格都會受到很大的影響，選錯方向則在配樂的道路上會受到很大的阻礙，先入為主的觀念，常常會引導人至跟預期不一樣的方向而回不了頭。另外，同學們也不要誤以為把和聲理論唸過一遍就等於通曉和聲了，因為紙上談兵與拿所學的理論來創作能感動自己的音樂作品是完全不同的層次，也因此在尋找合適自己風格偏好的師資時，您也可以先要求師資提供其相關的代表作品，看看這些作品是不是能感動您的音樂，再來決定該不該跟某位老師學習，因為通常每個作曲家都有自己的風格專精與偏好，創作時關注的焦點也不一樣。

和聲的學習終極的目標並不是把理論背熟，而是透過多年的反覆練習、廣博分析曲目、進而內化成音樂心靈的一部份，進而達到隨心所欲的運用卻能操弄聽者的情感，而這種能力若能有專業作曲家引導，才能事半功倍。

Hans Zimmer 使用西方傳統和聲以及民族音樂元素之配樂作品

若您還是無法弄清楚到底該學爵士和聲還是正統和聲學，那麼請您也可以觀察這些爵士和聲授課老師的專業工作，究竟是爵士音樂的樂器演奏者、或者是配樂作曲家，便可通曉一二，另外透過瞭解授課師資的作品與專案，也可以大概瞭解往這條路學習，最後可能會有怎樣的音樂成果。坊間 90% 的爵士樂理課程都是給演奏家學習的課程，授課老師也多半是爵士樂的「演奏家」，而不是真正的「作曲家」，這類課程的目的只是為了做爵士即興，但這種即興風格，並非商用編曲與配樂市場的核心，主要是這種和聲自由度太高、半音太多、旋律結構鬆散、調性浮動頻繁、曲式難以藉由調性而建立，因而難以被一般聽者所記憶，本質上只能算是一種即興演奏風格，但在台灣卻因為語言文字的誤導，讓人以為學流行音樂編曲或配樂就是應該學習爵士和聲，實在是一大誤解。最近回想起我念作曲碩士班時學習數位音樂的過程，當時正職電腦音樂剛開始在台灣發展、軟體音色也尚未出現，當時資訊不普及，我也跑去參加一位留日電腦音樂碩士的老師所開設的電腦音樂課程及錄音工程課程，因而認識了一個正職高中的年輕朋友，他有很多硬體器材，家住台北市電梯大樓，看起來生活寬裕，當時我常跟他借電腦音樂的講義來參考，因為他上過很多電腦音樂課程。他也在坊間的音樂教室參加某個著名老師所開設的爵士和聲大班課與編曲課程，但當時他雖然已經學了四年，作品還是很陽春，也沒有動人的音樂成分，我覺得非常訝異，因為算起來我比他還晚開始學作曲與理論，但他學到的音樂理論對我來說卻還是很粗淺。我認為多半是因為學習的方法有問題，死記一堆和弦進行公式、縱向和聲的色彩變化，卻完全抓不到功能和聲的原則與要領，也無法將樂理內化為音樂技能，看起來上這些大班課很便宜，但時間成本估算下去，卻是浪費很多時間，走了很多冤枉路，且還是得不到專業能力。另外也有一些人以為爵士和聲應用的層面較廣、學起來更快，但實際上配樂市場上的爵士和聲應用層面很窄、其少數的系統化的內容都是擷取傳統和聲的內容，其餘縱向和聲色彩的運用則是高度自由而無系統化的個人偏好，導致一開始學習和聲就是從爵士和聲開始的學習者，因為沒有接受過嚴格的、且真正系統化的正統和聲與聲部導進的嚴格訓練，未來創作的風格會受到極大的限制。若一開始走偏了路，由於已經投入大量的時間與金錢，要再回去按部就班學習正統和聲與聲部導進的技術，其可能性幾乎是微乎其微了。（PS：奧斯卡得獎的電影配樂，鮮少有爵士音樂。令人回味的無窮的可歌的旋律，也絕非爵士音樂，因為這種和聲的本質已經限制了其應用的層面）。相反的，從正統的和聲與聲部導進開始學習，再延伸到九和弦、十一、十三和弦的應用、漂泊和聲、各種轉調技法，音樂也可以有很多的和聲色彩變化。就像下面這首久石讓的曲子，其實本質上是完全來自正統的和聲學與聲部導進的技巧，只是搭配了更多的七和弦、九和弦、十一和弦等的應用而已。（這首作品一直是筆者的應用音樂之樂曲分析、音樂創作課程的私房教材之一）

綜合以上所述，該如何選擇和聲與作曲理論的學習方向，應該顯而易見了，原則上，從正統和聲學做完紮實的訓練與風格寫作，在慢慢透過聲部導進的原則延伸至變化和弦、浮動的調性或爵士和聲之嘗試，按部就班學習，才能真正達到學習目的。爵士和聲可以作為學完正統和聲之後的延伸學習，但如果本末倒置，那麼只會讓學習者事倍功半。

本中心的西洋正統和聲課程請參考：http://learnmusic-tw.blogspot.tw/p/blog-page_7675.html
本中心的爵士和聲課程請參考：http://learnmusic-tw.blogspot.tw/p/blog-page_7.html

離 106 年碩班考試時間剩 12 個月，非科班考生應立即開始規劃

目前離明年的碩士班考試書面資料繳交日期僅剩下 12 個月，常常有非科班學生到了考前幾個月才忽然想報考音樂研究所，往往又得再延一年，但一年不工作、不讀書，對於許多人來說在心理上會有極大的不穩定感，有些人會因為無法承受這種心理壓力，而放棄了原先的夢想，或又拖延更久的時間，因此我一直建議學生們生涯規劃都要早一步，無論是國內考試、國外留學，都要提早計畫，擬定好學習、準備的時間表，才能按部就班的達到自己的目標。目前各個學校為了搶到比較優秀的學生，每年的考試日期都會往前挪一些，例如文化大學音樂系碩士班今年開始舉辦「推甄」，考試內容跟一般的研究所入學考無異，只是提前在十一月份考試，如果成效得宜，明年有可能也會有其他學校一起跟進。輔仁大學音樂系的碩士班考試報名與審查資料繳交，今年也提前至一月初，以數位音樂組而言，一月初就要準備好所有代表作品送出去。因此建議明年的考生，目前 (每年一月份左右）就應該立即開始規劃讀書計畫，大三、大四課比較少，並不是意味可以開始吃喝玩樂、頹廢度日的日子，而是面臨人生未來重要的轉捩點的關鍵時刻。

有些人計畫邊工作邊讀書，但國內的各種工作，都是工時長、薪資少、壓力大，沒有堅強的毅力者，也會很難在疲累之餘，又能繼續邊工作邊學習，尤其是又要學另一個領域的非科班考生。男性的考生則礙於兵役問題，沒考上研究所，只好先去當兵，但當兵後往往會面臨更大的心理壓力，因為軍中的同袍，很多都是已經有工作經驗與能力者、或者役畢就立即就立即就業者，並非都是一樣走大學升學的路線，這些人往往更早成家立業，也使得大學畢業去服兵役的同學，會間接感受到一種無形的心理壓力，使得意志不堅決的人很難不會有想法上的改變。此外，最大的因素往往來自父母與家人，若要重新準備一年，往往家人也會持續給予壓力，或不在願意給予經濟支援，加上社會上對於欲成家立業的男性經濟能力之期待又比女性更多一些，在這種環境底下，心理又會再度受到影響，要再花一年時間由非科班轉攻音樂碩士班的可能性又更低了。

總之，在對的時間點做該做的事非常重要，錯過了要再回頭其實很困難。因此我非常建議還在念大學的同學，準備碩士班應該一鼓作氣，提早選好要走的方向，尤其是有心轉念音樂碩士班的非科班考生，必須把握學生身份，有計畫地學習音樂。

「理論作曲」與「演奏」的學習靠的都是實做的功夫

許多人對於理論作曲的學習常有所誤解，尤其以為理論作曲就是快速學習幾套理論，然後就會作曲，其實就連音樂系演奏主修的人也常常如此認為。事實上，理論作曲雖然要研讀理論，理論卻不僅是要讀通，還要熟能生巧，因為不熟練則無法活用於創作中。作曲相關的理論並非是一種靠理解就可以達到學習目標的知識，而是一種透過不斷地練習，而後達到將理論內化為直覺的一種長期訓練過程，儘管熟練各種鋼琴曲目的人，學習作曲可以更為快速，但仍然必須透過長期努力，才有可能成為一位能獨當一面的作曲家。

大部分想來學作曲的音樂系樂器主修者，常常熬不到能將理論內化就已經因為看不到立即的成果而放棄作曲的學習，因為作曲需要大量的練習，而作曲的過程對於初學者是非常耗費心神與時間，在學習態度與觀念未能建立的情況下，音樂系樂器主修者由於已經習慣從演奏中得到立即的成就感的學習經驗，又認為自己已經通曉和聲學或樂曲分析的相關內容，往往不願意相信專業作曲家之非系統化的作曲指導所能得到的益處，反而比非科班的學習者更難進入音樂創作的領域。此外，樂器的練習常常是不斷地練習同一個舊的曲目，就可以因立即的成就感得到的喜悅，與作曲者不斷求新求變的思維方式去慢慢精雕細琢一首曲子有所不同，因此反而可能比一般人更難適應作曲的學習過程。儘管如此，數位音樂的相關技術，實際上已經大為減少作曲者在作曲過程中難以得到立即成就感的痛苦。

非科班的學習者，則由於對於音樂理論的瞭解是一片空白，因此直接接觸進階或更細節的音樂理論時，反而有較多的意願去仔細研究與練習，而不易被成見與偏見阻礙學習，但另一個前提是這些學習者必須願意播出時間去創作，接受創作過程中所帶來的絞盡腦汁的苦，不善於忍耐短期內看不到立即成果的頭腦活動、或不樂意耗費心神去創作音樂的人，實際上並不適合學習作曲。

然而也因為上述這種原因，絕大多數的作曲家都是大器晚成、或者年紀越大則作品寫得越好，對於持續創作者而言，創作能力將隨著年齡增長而不斷進步。演奏家的手指技術則往往恰好相反，手指技術會隨年紀的增長而逐漸退步，僅有音樂性的表現能力會隨著年紀的增加而持續進步。同樣是音樂的學習，演奏需要長期練習，熟能生巧之下才能成為演奏家；作曲相關的理論或作曲技巧，也是一樣是要需要透過實做與不斷練習才能達成學習目標。簡言之，讀懂理論、與將理論內化為自己感覺的一部分，這兩種層級有非常大的差異，前者只是紙上談兵，無法以「快、狠、準」的熟練度來寫出好的音樂；後者則是因為熟練理論而能超越理論討論的範圍去寫出好的作品，且通常即興能力也會伴隨著作曲能力的進步而自然發展出來。

綜合以上所述，作曲的學習其實比樂器的學習有更高度的抽象性，「理論內化為直覺」跟「瞭解理論」大不相同，理論用在實際的作品創作上所遇到的瓶頸，也非書本中系統化的死知識所能解決，因此作曲學習者找對作曲老師指導作品的創作，與樂器學習者找對樂器演奏老師一樣重要，許多營造作品美感的能力，必須靠著老師個人的音樂經驗來傳承，而不是教科書裡系統化的知識所能引導。以成就一個專業音樂家而言，儘管學習作曲所花費的時間比學習樂器演奏短，但在選擇學習作曲之前，也要先瞭解自己的個性與毅力，是否能夠長期堅持與投入一項難以得到立即成就感的學習與創作過程。

音樂系畢業後如何開始自己的音樂事業？

網友問題：我已經音樂系畢業了，但想找配樂的工作，要如何開始？

我們的回覆：
音樂系作曲學生面臨求職時，最大的問題往往在於過於封閉在自己的學習圈，沒有做廣博的學習、也沒有做長期的生涯規劃、或者沒有長期經營人脈。以音樂創作為例，創作的功夫需要長期的學習，無論是跟老師學或自己持續自修，都是一樣需要不斷前進。另外，人脈需要長期的經營，自我行銷的技術需要長期的學習，尤其是數位行銷的概念與基本能力是必備的。

人脈的經營除了長期努力之外，我不得不承認這與運氣多少有一些關連，有沒有認識對的人這件事，許多時候無法自己掌控，但是不想辦法拓展人脈、擴展生活圈，便很容易在原地踏步。實際上，等到畢業才要去找人脈、或才要開始累積業界可以用得到的作品，都有一些晚了，很多人到這時候就會顯得慌亂，此時，倒不如趕緊再規劃一下新的學習目標，包含電腦音樂相關的技術、各種商業音樂的風格研究、學習更多的流行樂器等。另一個選擇，便是再進入碩士班，學習更多的東西，但不是再侷限在學術音樂中，而是大膽的跨出去吸收各種音樂養分、參加各種跨界合作。

為了累積人脈，有的人會先從製作劇場音樂開始，加入劇團，開發自己在劇團中的人脈。有些人則是會先找專職的音效設計、音樂助理的工作開始，長期接觸相關產業，等待瞭解了產業運作的狀況，累積必要的人脈，且有足夠的時間累積自己的作品、提高作品品質之後，再決定是否自己成立工作室。有些作曲家會同時經營自己的教學事業（樂器教學、視唱聽寫教學等）、以及音樂創作工作，但選擇這個方向的人，建議花個幾年的時間，去取得音樂碩士學位，在教學的資歷上會比較有份量。無論如何，人脈與工作機會不會一下子發生，或者待遇也不會一下子到可以過活的程度，這是一個非常普存的現象，需要持續的自我經營與等待。然而，等待的時間，你還是可以不斷地創作適合於業界的作品，在憂慮人脈不夠的同時，也應該先問問自己，作品準備好了嗎？用來擴展自我學習技術的最佳工具英文是否已經使用的得心應手？

音樂與藝術的行業，非常仰賴人脈，但人脈與機緣有時很難自己掌控，比較能做的反而是累積自己的作品與實力、不斷地學習各種音樂風格與專業技術（比較能適合地狹人稠的台灣市場，因為分工並不像國外來得細），並在作品到達一定品質之後，開始進行數位行銷（如果作品品質還沒到，就作了自我行銷，那麼反而會得到反效果）。另外，不要捨不得投資自己的學習，因為音樂創作者要學的東西實在太多（要投資的硬體也不少），依照現況來看，音樂系剛畢業的學生，要進入音樂創作的市場還有一段長的學習之路要走，無論是數位音樂技術、音樂本身的創作能力、業界人脈，都是持續累積的過程，要比較的便是努力不懈的精神與長時間的投入。偏好穩定工作的人，並不適合走音樂這條路，這是很多音樂系的人並不知道的現況，也很晚才開始準備面對。如果當學生的時期，你沒拼全力學習該學的生活技能（例如英文、電腦音樂技術）、積極建立足夠的事業人脈，積極學習自我行銷的能力，減少吃喝玩樂的時間，那麼這段等待期會更長，並不令人訝異。如果您已經是這樣的狀況了，我建議先去念碩士班，因為這是經營音樂教學的最基本條件，然後再從人脈、數位行銷、教學、創作同時規劃自己的音樂事業。值得一提的是數位行銷，多少可以彌補人脈的不足，音樂人自己做數位行銷，在國外行之有年，在國內則在這幾年才越來越多，但目前尚仍侷限在國內市場。近年來，年輕的音樂家也越來越懂得數位行銷術，像官大為、VK克、黑味爵士、Live School、馬叔叔吉他教室等，都是筆者看過的成功的數位行銷案例，這些數位行銷的費用應該不會太高，甚至音樂家自己都可以做，因此都很值得正在起步的個人或小型音樂團體參考，但值得一提的是行銷的「產品」本身仍要具有一定的品質，行銷術可以比較讓人看到你，但如果「品質」有問題，則反而會影響名聲而適得其反。

智慧財產權 vs 作曲家的生存空間

著作權是否被注重，往往決定了一個環境中所給予作曲家的生存空間。根據筆者的觀察，台灣仍然是一個非常不注重智慧財產權的地方，也因此作曲家要在台灣的環境中以音樂創作生存，除了透過媒體廣告公司以全職方式「製造」音樂之外（此種「全職聘任」的情況下，所有版權都歸公司所有），若要以無長期合約的創作方式作為唯一的謀生方式，除了少數有豐厚人脈的作曲加之外，仍是非常困難的事。

網路的發達降低了個人用戶對於音樂購買的需求已是無法改變的事實，但商業類的案件若仍不注重音樂智慧財產權，則就真的把作曲家的生存空間再次壓縮。照理來說，所有商店、餐廳播放的音樂都必須取得合法授權，所有會議或公開場合所播放的音樂也必須受到智慧財產權的保護，但實際上在台灣情況並非如此，只有部分大型商家才會注意音樂播放的版權問題。前些日子，我聽到一位攝影界的朋友提及他們的同行幫人拍攝婚禮的微電影，一個案子要價十萬，但配樂卻是直接使用盜版。又如有一些傳播公司接受其他單位委託策劃一些國際性的活動或會議，開幕音樂也往往無取得使用授權就擅自盜用。此外，每年台灣有許許多多的媒體相關比賽，這些參賽作品，幾乎都不需要被比賽執行單位要求提出配樂的使用許可。再者，依據智慧財產局的規定，婚喪喜慶這些公開場合所使用的音樂，只要是「家屬自己提供」而非儀式承包的廠商所提供，則一律不用取得音樂使用授權。許多靠婚喪喜慶演奏流行音樂的樂師，也在未經取得音樂使用權之下，便演奏這些成名的流行音樂作品。這表示作曲家可真是對社會的貢獻良多，很多人在免費享用作曲者或音樂製作者的辛苦成果。

當然，不得不承認這些情況來自一個共犯的結構，至少有一半以上的音樂工作者使用盜版音樂編輯軟體與音色庫；全國的大專院校至少有一大半以上的軟體類課程使用盜版軟體。再者，音樂工作者易於以透過網路取得盜版音色與節奏素材，那麼音樂的製作成本必然可以壓得很低，惡性競爭的結果，台灣的音樂製作費用十年來完全沒有因為物價上漲而增加。

這些便是音樂產業在台灣很難精緻化、專業化的原因，當然盜版盜用也是全球共同的問題，只是相對而言，台灣更為嚴重不尊重音樂的智慧財產權。或許這是一個無解的問題，我們只能相信音樂工作者會找出其他的方式而繼續生存；或樂觀的來看，大環境未能理想則表示還有更多的作曲者生存空間會慢慢隨著對著作權的重視而被釋放出來。

取樣音源漫談 - 人聲

數位音樂能否動人，除了作曲技巧外，音色來源也影響到作品的渲染力。整體而言，最有情感渲染力的聲音來源莫過於弦樂以及人聲，尤其是獨奏弦樂與獨唱是最能夠單憑音色就非常感動人。然而在技術上，儘管這幾年，取樣技術有很大的進步，卻在獨奏弦樂與獨奏人聲上沒有太大的進展，弦樂器或人聲的 portamento、vibrato 之模擬都難有真正的技術性突破，至於 legato 的部分，則在這兩年，有越來越多的音色廠商改進了這部分的不足。獨奏弦樂或聲樂的部分，則幾乎沒有一家廠商作得完美。VSL 音色庫可以算是獨奏弦樂中做得最好的一家，即使近幾年有其他廠商陸續出品一些獨奏弦樂的音色，仍然無法跟很早就建立的 VSL 弦樂音色庫相比。聲樂部份更複雜，因為牽扯到歌詞的問題，且獨唱的模擬幾乎沒有一家廠商做得好，連 VSL 都不敢出獨唱的音色，大概是怕把金字招牌砸了。其他小的廠商則比較沒有招牌的負擔，可惜獨唱的音色仍只集中在樂句取樣，而少做獨唱的單音、legato 取樣，因為結果都無法令人滿意。下面這款以安魂曲為主要訴求的取樣音源，則是繞開前述幾個難題，而注重特殊風格的樂句音色取樣，但因為是一種創新，也獲得許多好評。官方 demo 曲如下，算是很好的編曲參考作品：
 
另一款標榜獨唱音色的產品Voice or Rapture 則在 legato 僅製作了 Ah 跟 Oh 兩個母音，就品質來說，單單這兩個咬字的 legato 就已經非常不容易了，可能算是目前現有的獨唱女聲最真實的一款產品吧。官方 Demo 曲如下：



其他人聲的產品包含 vsl、east west 則各有特色與缺點，vsl 的人聲無法處理歌詞，但聲音算是目前合唱中最真實的一款，軟體設計的效能也算是最好的。east west 則一直走平價路線，其合唱音色優點在於可以依照使用者的需要唱各種歌詞，但真實性不如 vsl 。Soundiron 的產品則目前似乎也成為前兩者之外，新的合唱音色的佼佼者。除此之外，yamaha 的 vocaloid 也可以模擬人聲與歌詞，但聲音較不真實，雖然在日本的虛擬歌手 Hatsune Miku 便是使用 yamaha vocaloid 製作，但僅限於此種經過特殊包裝與「虛擬」形象塑造的的演唱吧，並不適合一般配樂製作。

精緻藝術與音樂創意產業 (閒聊)

前些日子黃士眉老師跟我推薦「三國」的音樂，平常很少看電視的我，好奇想知道黃老師的好音樂是哪樣的音樂，因此看了一下「三國」，果然音樂非常精緻，張力起落的安排都恰到好處，和聲的處理也依照情感的需求來做變化。因為是台灣的電視台在播放，起先我很納悶台灣怎可能有精緻的電視劇，於是我上網查了一下是否是台灣拍的片子，得知果然是大陸的片子，那麼我可一點都不訝異了。

海島文化似乎註定了是速食文化，凡事講求立即的利益，連政府的文化單位，在乎的也是立即的成效，重視流行音樂甚於藝術音樂，也並未對於精緻文化創作人才提供相對於以往更多的機會，更不用說會從教育層面積極推廣精緻文化藝術，當然不可能有精緻的電視劇出現。（撇開精緻藝術，就連科技產業如今也多半是代工的居多。）原以為新政府的文化經費能發揮些許作用，但從建國百年 30 億的弊案，便可得知政府單位仍沒有長遠的眼光與公正廉明的制度，來扭轉島國文化產業的頹勢。若有經費提供給藝文團體，分配權也常是掌握在某些特定人士手中，獨立創作者，若沒有多處鑽營，累積人脈，很難有出頭的機會。

從大陸的電視劇「三國」在劇本、音樂、選角、視覺等各個層面的考究，便知道對岸的影視工作者的文化涵養與藝術層次了。何謂藝術精神，我以為便是盡善盡美地完成一個作品，就算是大眾藝術，也不外如此，依照作品本身的內容決定各種元素的選擇安排，便是一種藝術。反觀台灣的影視，什麼都以商業來考量，連個古裝劇也要配上搖滾的流行音樂來做置入性行銷，當然也不可能有什麼好的影視作品，更何況現今連台灣拍電視劇的機會也少得可憐了。