赴美攻讀音樂碩士：數據揭密為何「先就學再工作」與「及早出發」才是最佳財務策略

赴美攻讀音樂碩士：數據揭密為何「先就學再工作」與「及早出發」才是最佳財務策略

許多計畫赴美攻讀音樂碩士的同學，畢業時常面臨抉擇：究竟該先在國內工作兩年存學費，還是大學畢業後立刻出發？從長期財務數據與整體投資報酬率（ROI）來看，**「先就學、後工作，越早出發越省錢」**是經過數據驗證的最優解。

一、 留學成本與通膨數據：為什麼「先工作再出國」是財務陷阱？

留學費用並非固定不變，延後出發將直接承受「學費調漲」與「生活物價膨脹」的雙重夾擊：

• 學費長年上漲趨勢： 根據美國 College Board 與 Education Data Initiative 統計，美國高等教育學費長期以年均約 3%～5% 的幅度調漲；私立大學與頂尖音樂學院的年學費（Sticker Price）常年維持在 40,000 至 50,000 美元以上，單年調幅即達數千美元。

• 生活與租金成本高漲： 美國各大城市（如波士頓、紐約、洛杉磯等音樂重鎮）在歷經通膨高點後，租金與外食開銷維持在高基期。延後兩年出發，等於必須以更高的生活成本基期就讀。

• 本土儲蓄追不上通膨與匯率： 大學畢業在國內工作兩年，以一般起薪扣除生活費，兩年約能存下 30～50 萬台幣。然而，美國碩士兩年學費與生活費的調漲差額加上匯率波動，往往就超過數十萬台幣，辛苦存下的薪資購買力實質已被通膨侵蝕殆盡。

• 高達數百萬台幣的薪資機會成本： 提早兩年畢業，代表能提早兩年進入市場賺取碩士層級的薪資待遇（在美起薪普遍具備數萬美元水準）。這兩年的實質薪資差，遠遠超越先在國內工作所累積的微薄存款。

二、 善用「教育部留學生就學貸款」：把通膨轉化為財務優勢

若出國預算不足，不應以「延後出發」作為解方，而應妥善運用政府的低利金融槓桿：

• 低利率與數年寬限期： 教育部留學貸款具備政府補貼的低利機制，碩士階段提供長達數年的「寬限期」（寬限期內僅需繳納極低利息，無需償還本金）。

• 通膨稀釋實質債務： 在長期通膨環境下，貨幣的實質購買力會逐年遞減。透過政府低利貸款並拉長還款期，未來的還款金額在實質購買力上被通膨大幅稀釋，實質效益等於**「越晚還款，通膨等於幫你少還錢」**。

• 保持充裕的流動現金： 善用學貸能讓你在留學期間與求職初期保有穩健的現金儲備，從容應對各項專業軟硬體採購與生活開銷。

三、 留學隱形巨額支出：入學「音樂理論」考試未過的代價

除了主修術科與作品集，美國各音樂學院在新生報到時皆會舉辦嚴格的音樂理論（Music Theory）與聽寫視唱（Aural Skills）分級考試，這是多數留學生常忽略的財務黑洞：

• 未通過即強制補修： 若入學樂理測驗未達門檻，校方會強制要求補修大學部基礎樂理課程，且這些補修學分不計入碩士畢業學分。

• 極為高昂的學分代價： 美國音樂研究所單一學分費動輒 1,500～2,500 美元以上，補修一至兩門課（3～6 學分）就需額外支付約 15 萬至 40 萬台幣 的學費。

• 面臨排擠效應與延畢風險： 補修基礎課程會排擠高階核心課程的時間，甚至可能導致延畢半年至一年，隨之增加的房租與生活費將使留學成本急遽膨脹。

四、 來 Learnmusic 提前奠定樂理實力：省下大筆留學費用的關鍵

與其到了美國因考試沒過而支付數十萬台幣補修基礎課程，不如在出國前用極高的性價比把樂理基礎一次打穩：

• 針對海外入學考精準培訓： Learnmusic 提供系統化的音樂理論、和聲學、曲式分析與聽寫訓練，完全依據美國音樂學院入學測驗標準規劃。

• 極高性價比，省下巨額學分費： 在 Learnmusic 學習完整音樂理論的學費，遠比在國外因入學考未通過而被迫補修學分便宜得多。

• 免修基礎課程、如期畢業： 扎實的樂理能力能確保你順利通過入學分級測驗、直接免修基礎課，把寶貴的時間與學費全數投入高階專業領域，如期甚至提前取得碩士學位！

有意赴美深造的音樂學子，把握時間儘早啟程！及早取得學歷、善用教育部留貸抗通膨，並在出發前至 Learnmusic 扎實打穩音樂理論，用最省錢、最精準的策略開啟你的留學之路！

114 年公費留考音樂理論出題方向

公費留學考試的筆試將在今年十月份舉行，回顧去年的考題，考了二聲部華彩對位、和弦分析、也考了非調性的音樂，顯見出題者希望考生從文藝復興到現代樂派對於各個時期的音樂都能有通盤的了解。這份考題對於演奏的組的同學應該不算容易，因為大部分的演奏組的同學不太願意花時間研究音樂理論，也不想去接觸現代音樂。現在大部分的國內碩士班入學考試也不考音樂理論，音樂系的演奏組同學就更沒有音樂理論的學習動機了，當然也就跟公費留考絕緣。其實音樂理論的學習，不是只是為了考試，無論在音樂詮釋、音樂即興、視奏、以及音樂的理解上，都能有很大的幫助。國外大部分的音樂學院碩士班入學都還是要通過音樂理論的考試（沒通過要花大錢補修學分)，所以如果有打算出國念音樂的同學，還是非常建議把音樂理論學好喔！

AI 對商業音樂的衝擊 ＆ 作曲學習者的挑戰與新思維

AI 正在改變商業音樂市場，作曲學習者應該如何應對？

AI 已經佔領多數中低階商業音樂市場

近年來，人工智慧（AI）技術的發展速度驚人，AI 生成音樂已經成為中低階商業音樂市場的主要工具。許多 AI 音樂生成平台，例如 Udio 和 Suno AI，讓使用者只需要輸入簡單的文字指令，就能產生完整的音樂作品。這些 AI 不僅可以快速生成旋律和和弦，還能根據文字描述自動調整音樂的風格與情緒。因此，許多企業選擇 AI 來製作廣告配樂、背景音樂，甚至是遊戲音樂，因為這些 AI 能夠快速產出符合市場需求的作品，並且大幅降低製作成本。(udio.com)

然而，AI 的崛起也讓許多音樂創作者感到擔憂。知名指揮家 西蒙·拉特爾爵士（Sir Simon Rattle） 曾經警告，英國政府正在計劃修改版權法，這項修改將允許科技公司在未經創作者許可的情況下，使用受版權保護的音樂作品來訓練 AI 模型。如果這項法案通過，許多音樂創作者的作品將可能被 AI 作為訓練資料，卻無法獲得任何版權補償，這對音樂產業的未來發展可能帶來嚴重影響。(thetimes.co.uk)

根據 國際作者和作曲者協會聯盟（CISAC） 的研究，如果這種 AI 訓練方式持續發展，且沒有適當的監管，到 2028 年，全球音樂創作者的收入可能會減少 24%，影音創作者的收入也將下降 21%，整體產業的經濟損失將超過 220 億歐元，其中 100 億歐元 來自音樂產業的直接損失。這些數據顯示，AI 已經徹底改變了商業音樂市場，特別是在需要大量標準化音樂的產業，AI 幾乎已經能夠完全取代人類作曲家。(tmc.taipei)

如果作曲學習者只想學習基本編曲，AI 已經能夠輕鬆取代這類音樂創作

許多作曲初學者可能會認為，只要學習一些常見的和弦進行，例如 I–V–vi–IV 或 ii–V–I，再搭配 MIDI 排列與基本配器，就能夠創作出聽起來「還不錯」的音樂。然而，這類音樂 AI 早已經能夠輕鬆做到，甚至比人類作曲家更快、更有效率地完成。

如果作曲學習者的目標只是製作「能用但不特別」的音樂，AI 其實已經能夠勝任這樣的工作。與其花時間學習這些基礎編曲技巧，不如直接使用 AI 來生成音樂，這樣反而更節省時間與成本。然而，真正希望在音樂領域長遠發展的作曲學習者，應該思考一個關鍵問題：人類作曲家還有什麼是 AI 做不到的？

深入學習作曲技術，建立無法被 AI 取代的能力

如果作曲學習者希望成為真正的作曲家，而不只是製作出 AI 也能輕易完成的音樂，那麼深入學習音樂理論、和聲學、聲部導進、樂曲分析與配器法，就是不可或缺的關鍵能力。這些技術正是目前 AI 最難掌握的部分，也是音樂產業中創造獨特性的核心。

聲部導進（Voice Leading） 是音樂創作中不可忽視的技術，因為它決定了橫向線條與和聲之間的銜接流暢度。良好的聲部導進能讓和聲進行更具音樂性，使音樂聽起來自然且具有表現力。然而，許多 AI 生成的音樂往往缺乏這種細膩的聲部處理，導致和聲變化呆板、生硬，無法真正創造出具有情感深度的音樂。

此外，許多 AI 生成的音樂仍然缺乏靈活的轉調技巧，例如 共同和弦轉調（Pivot Chord Modulation）、模進轉調（Sequential Modulation）、半音和聲轉調（Chromatic Modulation） 和 等音變化轉調（Enharmonic Modulation），這些技巧能讓音樂在調性變換時更加自然且具有層次感。我們非常推薦學習 《Harmony and Voice Leading》 這本書，這是美國許多音樂院校指定的和聲學教材，內容深入且系統化，並且特別強調聲部導進在不同和聲進行中的應用。(artist-magazine.com)

除了作曲方面的技巧之學習之外，實際上音樂詮釋的能力也非常重要，這種能力主要在輸入 MIDI 資訊於 DAW 時所需，對於數位音樂作曲家而言，自己必須能夠操控各種擬真的取樣樂器，使其在數位軟體中的演奏時，能夠具有情感渲染力與張力，而非只是呆板與情感缺乏的演奏。此種音樂演奏詮釋的能力主要可以投過長期學習樂器演奏來獲得，但不只是練習手指的技巧，而是需要透過專業老師的指導，學習怎麼用聲音操控音樂的情感渲染力。此外，樂曲分析的能力是音樂詮釋的基礎，透過鋼琴的專業訓練，則更可以知道如何透過音色、力度的變化，來呈現音樂的結構，並強化音樂的表情。然豻，這個部分的訓練也常常被作曲的學習者所忽略，而實際上，AI 生成的音樂在樂器演奏的詮釋上，也常常因為呆板缺乏情感的演奏，使得其聽起來跟真人演奏或作曲家精心模擬的數位樂器演奏的結果，仍有一段明顯的差距。

申請美國配樂碩士，開啟更廣闊的音樂職涯

美國的影視與遊戲產業發達，許多電影與遊戲公司願意投入大量資金來製作高品質的配樂。相較於台灣因預算考量而逐漸趨向 AI 生成音樂或罐頭音樂，美國的配樂市場更重視原創性與作曲技術，也更願意投資於高階配樂人才。

許多 Learnmusic 的學生已經成功取得美國配樂碩士學位，目前正在美國影視產業中持續參與電影配樂工作與創作（部分則回到台灣從事全職音樂創作及擔任大學音樂相關科系講師。）如果作曲學習者希望申請美國的配樂碩士學位，Learnmusic 提供專業的課程與指導，幫助學生建立扎實的音樂理論基礎、掌握聲部導進與配器技術，並製作高品質的作品集，以提升申請成功率。透過這些專業訓練，學生將能夠順利進入國際市場，發展更具競爭力的音樂職涯。

結論：學習國際配樂標準，為留學美國做好準備

對於希望進入影視、遊戲和商業音樂產業的作曲學習者而言，選擇美國的配樂碩士課程，不僅能學習到最先進的技術，還能夠與影視產業建立實際的合作關係。在 Learnmusic 的客製化課程中，學生不僅能夠學習聲部導進、轉調技巧、即興創作與配器實作，還能獲得完整的作品集指導與申請建議，為申請美國配樂碩士做好最充足的準備！如果你希望未來能在國際音樂市場中發展，現在就開始提升自己的專業能力，迎接更廣闊的音樂職涯吧！

恭喜本中心鋼琴家廖珮君老師指導學員，考取台北藝術大學「音樂專業師資教育組」在職碩士班以及台北市立大學音樂在職碩士專班

恭喜本中心鋼琴家廖珮君老師指導學員，考取台北藝術大學「音樂專業師資教育組」在職碩士班以及台北市立大學音樂在職碩士專班。今年有一位同學考取台北藝術大學「音樂專業師資教育組」，並且有兩位同學考取台北市立大學音樂在職碩士專班，其中一位為非科班的考生，非常恭喜這幾位同學。

圖為學生傳來的考生感言之 line 訊息截圖：

人工智慧對音樂創作的影響：挑戰和機會

人工智慧的世代來臨，最先被取代的可能是文字工作者、平面設計工作者、以及語言翻譯工作者，但跟樂器演奏家的工作，幾乎完全沒有任何影響。對於作曲家工作是否有影響呢？以現況來評估，流行歌編曲、流行歌作曲可能會先被取代，因為 AI 工具可以輸入歌詞，一鍵生成歌曲，模仿情感張力較薄弱的風格非常容易。（可參考下面影片的 suno AI 展示。或來這裡嘗試 https://www.suno.ai/）若某個廠商需要一首形象歌曲或產品行銷的歌曲，找真人編曲與錄音及演場，依照現在行情，費用需要 30000 NT 以上，找 AI 編曲演唱及寫歌詞，則可能只需要不到 500 NT，而且可以產生很多個版本提供選擇，那麼這個廠商八九成會找 AI 來音樂製作吧。此外，現在教學市場上有很多混音與母帶處理的工作坊，教授在數位音樂體中的混音技巧與母帶處理技巧。數位音樂初學者常以為這些技術是數位音樂的核心，所以會積極花錢花時間去學習，然而，AI 混音與 AI 母帶處理也已經技術成熟，且已經成為線上的商業服務項目，使得混音、母帶處理的專業技師的工作，也將是數位音樂界被 AI 取代的第一波人員。

然而，目前對於高階配樂或作曲工作者而言，由於工作內容的複雜度較高，創意性思考的需求較高，因此被 AI 取代的可能性尚未發生。AI 若要影響到高階的配樂或作曲工作，則首先要能讓複雜的自然音樂器音色被模仿得成功，目前 AI 技術最先模仿的是人聲演唱，在情感的部分迄今還是很難做到逼真，要模仿眾多的自然音樂器的聲響與情感表達，則還要更多的時間來訓練其模型，此外，要將和聲、句法結構、素材發展的音樂要素與情感之間的關係解釋清楚，原本就是一件抽象而困難的事，等於 AI 要模仿連音樂理論家都不一定能系統化解釋清楚的東西，因此就更加不容易了。再者，配樂的音樂需求，若是搭配影像，常常會需要對時間點，但現有的 AI 音樂工具是無法指定在哪個時間點要生成什麼樣的情緒或使用什麼樂器，因此目前 AI 音樂對於影片配樂工作者而言，現階段仍影響有限。再者，要用 AI 來寫管絃樂曲配樂難度更高，在 Chatgpt 還沒問世之前，就已經有一些公司在研究 AI 管弦樂，但從網路上可以聽到的成品以及可操作的 AI 音樂工具而言，多年來的研究產出，一樣是沒有情感的 AI 創作，離動人或具有強烈戲劇張力的的作品還有很大的距離，當然也沒辦法指定哪個時間要出現指定的音樂變化。有興趣嘗試的人可以到 https://creators.aiva.ai/ 網站自己玩一下，看看是否滿意成品。筆者測試過該 AI 系統，能夠指定的項目仍然不夠充足，且音樂品質仍難以達到堪用的標準。

(AI 管弦樂展示）

實際上，在 Ｃhatgpt 出現後，市面上也出現了很多假的 AI 音樂網站，聽起來音樂有一定品質，宣稱其音樂是 AI 製作，然而實際上只是現成的曲庫提供關鍵字搜索功能而已，根本仍然無法依照指示者的提示文字產生對應的音樂。所以 AI 對於精緻音樂而言，還有很長一段時間要走，才有些微的可能具有商品化的可能性。

呈上，學習應用音樂創作，若要能生存得長久，需要走精緻路線，朝情感渲染力、或戲劇張力較大的音樂風格來進行學習，因為 AI 目前最難取代是人類的情感表現。此外，相較於一般的電子樂器音色而言，管弦樂也是目前較難被 AI 取代的編制種類，這些樂器的情感表達方式也是 AI 目前較難模仿的。再者，需要搭配影片內容與特定時間點來進行的配樂創作，目前尚沒有 AI 音樂工具能夠達成。有鑑於此，整體看來，影視配樂相關的行業，由於更強調戲劇張力與細緻的情感表現的需求，作曲者仍可以有一定的生存的空間。值得注意的是：風格相近的流行歌曲編曲應該是最先被取代的種類，因為流行音樂通常風格模仿、和聲抄襲的情況是普遍的現象，而 AI 要從眾多相似風格曲庫中學習，則是最為快速而容易，要 AI 建立流行歌的模型相對容易得多。

整體而言，應用音樂創作的學習相關技術時，除了該選擇朝精緻音樂及影視配樂的方向前進之外，仍要注意 AI 對於這個產業的衝擊，筆者會認為多學習一項相關的技術是有必要的，例如樂器演奏也可以是作曲學習者可以多學的一項技術之一，因為樂器演奏若要由 AI 取代，還要等待 AI 能成功地控制機器人，並且能成功融入情感才有可能，因此作曲者可以多強化演奏能力以便讓自己多一個機會。另一種可能，就是增加自身的科技能力，例如多一些音樂科技的能力，或透過音樂科技的學習過程，深入程式設計，或許可以培養另一項相關專長，較能因應未來更多的產業變化。然而，可預料的是流行歌編曲的需求將大量減少，且目前已經正在發生，因為相關 AI 工具已經有一定的成熟度。年輕的音樂創作相關的學習者可以參考看看上述想法，以找出未來適合自己又能繼續以音樂為業的生存方式。

應用音樂碩士班考試、與留學申請期限前之「時間管理」

 「時間管理」在準備音樂升學考試或留學申請是非常重要的事，生活中一定會有大大小小的雜事困擾與耽擱我們的進度，因此同學們必須非常清楚當雜事與準備考試或留學申請既定的時程有衝突時，何者對我們的意義比較重要，藉此來取捨時間的使用。準備考試或準備留學申請的時程，常常會依據考生本身的程度不同而所需時間不同，因此對於沒有作曲經驗的同學而言，比較合適的策略是「提早準備、預留彈性的時間」。依照筆者的經驗，一半以上的同學都是要拖延到最後一刻才會開始緊張，以留學申請為例，往往是到最後一刻，才發現曲子的進度不夠、托福還沒考、簡歷影片還沒做，聲音後製也來不及，尤其是非科班的準備者，由於寫曲子的經驗不足，難以預估自己需要多少時間完成一首作品，若沒有預留彈性的時間來加強準備的內容與品質，要申請到名校就會變得格外困難。

以申請留學所需的作品而言，一首曲子從草稿、修改、配器至後製，以兩個月半來估算是比較保險的，加上如果有其他生活上的繁瑣事情的干擾、或反應能力較差、音樂經驗不足，則可能需要更長的創作時間。申請學校的作品不是像低階的商業案子，可以用一天、或一週就能做完，因為作品本身要代表你的能力極限，因此會需要注意更多的細節。考國內應用音樂碩士班的作品準備，則可以兩個月為作為完成一首曲子所需的準備時間，當然假設音樂能力偏弱，需要的創作與修改的時間就會更長。以上述為標準來估算寫曲子的時程之外，我會建議在預留兩個月左右的時間，作為彈性時間，這樣更為保險。「慢工出細活」的道理是必然的，假設遇到時程非常緊迫的狀況，那麼也只能依據現有的時間平均分配，按照一定的時間表來處理自己的音樂作品，但也一定會影響申請學校或考試的最後成果。

就寫曲子的過程而言，在有老師指導的情況下，老師的功能除了在學習音樂創作之初指導必要的進階和聲理論之外，還有一部分是陪著學生一邊寫曲子一邊修改、一邊提供學生創作上的想法，一段一段的進行計畫、創作、與修改，以便於把曲子盡可能的修改到一定的專業程度，整個過程都是非常重要的學習歷程。作品的修改並非完全是主觀或直覺的，曲子的品質差，通常都會有一定的「音樂」上的原因，老師的作用就是幫學生找到這些原因，並解說這些原因給同學們聽，啟發同學們的進一步思考，這其實是作曲課程中非常重要的一環，因為要在抽象的音樂中，明確告訴同學作品中發生問題的原因，是需要授課者本身有高度的音樂理論能力與作曲技巧，加上清楚的頭腦。這一部份的課程其實對於授課者而言，也特別費神，比單純講授音樂理論更的難度更高，但卻很容易被學習者忽略。有些學習者傾向一次把一整首曲子寫完，再拿給老師看，其實這樣的方式，老師要協助同學進行作品結構上的更動就會格外困難，此時就只有兩種選擇，其一是大幅刪改現有作品，其二是老師僅協助學生微調細節。如果是以後者方式進行，則整體品質要再大幅提升就很有困難，除非是非常有音樂經驗的學習者，否則對於學校的申請或考試的代表作品之品質呈現往往是不利的，此外在學習過程中，學習者也會錯過從老師這裡獲得創作上的啟發之學習歷程。

以上供考生們作參考。順便在此恭喜一下去年申請到國外配樂碩士的一位同學，不僅在今年年中獲得「教育部留學獎學金」、接著也獲得所就讀的美國的學校的配樂比賽冠軍，而得到豐厚的獎金，省掉一大筆留學費用！對於細節的注重與持續的努力，必然會有回報，藉此勉勵大家。

本中心疫情期間授課方式公告

目前本中心的上課方式有分遠距、面授兩種，依據每位老師的意願與師資疫苗注射的狀況而有不同。

(1) 目前鋼琴主修課程已經自七月底開始接受面授課程，但仍保留遠距授課的選擇。

(2) 升大學音樂創作、應用音樂相關課程可接受面授課程、也可以接受遠距線上課程。

(3) 升碩士班應用音樂相關課程、以及申請國外電影配樂碩士班的課程，目前仍以遠距線上課程為主，預計在疫情降為一級、或疫苗施打情形更為普及時，才開放面授課程，目前預計十月底、或十一月初應該可以開放面授課程。

遠距課程就音樂創作、應用音樂相關課程而言，遠距線上授課與面授課程效果一樣好。遠距課程的優勢有下：

(1) 節省交通時間與交通費。

(2) 遠距線上課程可以錄音、錄影，且可以直接錄製到電子樂譜、電子書上老師指導的內容，上課內容完全紀錄，不遺漏細節。面授課程則僅能錄音（演奏課程依照老師的意願而不再此限）

(3) 線上課程的每堂課會預留時間來進行軟硬體測試，例如第一堂課 10:00-11:00 （A 學生的課），第二堂課為 11:30-12:30 （B 學生的課），前後兩堂課已經預留緩衝時間，因此網路技術上的問題不會影響課程內容與進度，因為多了10-15 分鐘左右來作為軟硬體連接的緩衝。面授課程的學生通常是連著排課，例如第一堂課 10:00-11:00 （A 學生的課）、第二堂課 11:00-12:00（B 學生的課），因此面授課程通常會準時下課。

遠距課程的收費方式依照每個授課老師的安排而略有不同，請來信或來電洽詢。

遠距課程的軟硬體準備，請參考這裡：

http://learnmusic-tw.blogspot.com/p/blog-page_76.html

狂賀本中心非科班學員錄取哥倫比亞大學電影配樂碩士班

狂賀本中心非科班學員錄取哥倫比亞大學電影配樂碩士班，這位同學同時也錄取了 NYU 等學校的配樂碩士班。

哥大的這個 Music Composition for the Screen 的碩士班課程規劃算是非常完整而充實，沒有任何與作曲不相干課程或傳統音樂系的音樂史課程，甚至還包含了最新的遊戲、VR 虛擬實境媒體等配樂的相關課程，申請上的難度極高，教學品質也很優秀，學分費都花在刀口上。在此之前，本中心也有兩位學員申請到哥大配樂碩士班並前往就讀，目前這兩位學員都留在美國繼續發展，也有非常好的學習成果。非常恭喜這位本中心第三位有機會進入哥大配樂碩士班就讀的學員。

先來瞧瞧他們有什麼課程吧：

MUSC 521 Scoring I

MUSC 522 Scoring II

MUSC 525 Electronic Orchestration

MUSC 526 Acoustic/Hybrid Orchestration

MUSC 550 Film Production Survey

MUSC 555 Games, AR, and VR Production Survey

MUSC 560 Music in Media Survey

MUSC 601 Media Music Tech Lab - take four times for 8 credits

MUSC 610 Screen Music Forum - take four times for 4 credits

MUSC 621 Scoring III

MUSC 622 Scoring IV

MUSC 627 Music for Games, AR, and VR I

MUSC 628 Music for Games, AR, and VR II

MUSC 641 Conducting for Media - take twice for 6 credits

MUSC 679 Career Development

MUSC 690 Internship

MUSC 691 Thesis: Final Project

https://www.colum.edu/....../music-composition-for-the......

本中心學員之本年度國內外音樂碩士班考試錄取紀錄 （2020）

今年的音樂碩士班考試大致上已經結束，僅剩下少數國外的音樂碩士班尚未全數公告錄取狀況。目前統計資料如下，所有參與課程的學生都已經錄取相關碩士班，也非常恭喜這些學生們在過去一年多來的努力終於獲得回報 ，其中有許多是非科班的學生考上音樂碩士班，更是投注了不少心力才能達成。整體而言，今年度國內音樂碩士班錄取的難度大致與去年相同，但文大流行音樂碩士班錄取標準提高不少。國外電影配樂碩士班的錄取難度則大幅提高，也因此要特別提醒想申請國外電影配樂學校的學生，一定要有非常充分的準備，高品質的後製與專業的記譜不能少，作品品質的要求也要大幅提高 ！

明年要考國內音樂碩士班的學生，必須立即開始準備了，提醒大家考試日期通常是 2 月份～3 月份，音樂創作相關的組別常常更需在 12 月份就必須完成考試報名，並同時上傳作品了，因此有計畫明年要報考國內碩士班的學生，必須立即開始準備囉，因為僅剩下不到 9 個月的時間可以準備了！要準備國外電影配樂碩士班留學申請的非科班同學，若是申請 2022 年 8 月入學者，可以準備安排相關課程與學習計劃了。若是申請 2021 年 8 月入學者，現在才開始準備的話，那麼幾乎就是來不及的狀況，因為只剩下七個月就要交出申請的資料，更不能輕忽了。在此也預祝明年的考生都能夠順利考上喔！

升國內音樂碩士班錄取名單：

國立台北藝術大學碩士在職專班「音樂專業教育師資組」（大學音樂系，以鋼琴演奏考取碩士班音樂專業教育師資組）(109) (廖珮君老師指導）

國立台北藝術大學碩士在職專班「音樂專業教育師資組」（大學非科班，以鋼琴演奏考取碩士班音樂專業教育師資組）(109) (廖珮君老師指導）

國立台灣師範大學流行音樂產學碩士專班（大學音樂系應用音樂主修，碩班持續流行音樂創作主修）(109)

實踐大學音樂碩士班鋼琴組（大學非音樂系，碩士班轉鋼琴主修）（109）(廖珮君老師指導）

輔仁大學音樂系碩士班音樂創作與音樂學組（大學音樂系鋼琴主修，碩士班轉應用音樂創作主修）（109）

輔仁大學音樂系碩士班音樂創作與音樂學組（大學非音樂系，碩士班轉應用音樂主修）（109） x  2

輔仁大學音樂系碩士在職專班數位音樂組（大學非音樂系，碩士班轉應用音樂創作主修）(109)

市立臺北大學音樂系碩士在職專班 x 2（大學非音樂系，以鋼琴演奏考取碩士班音樂教育組）（109）（本中心有兩位非科班學員考上）

文化大學音樂系碩士班商用音樂組 (招生考試)（大學音樂系演奏主修，碩班轉商用音樂創作主修）(109)


申請美國 Film Scoring 碩士班錄取名單：（截至目前為止，尚有部分學校未公告錄取結果）

印地安那大學 Jacob School of Music 視覺媒體配樂碩士班（大學非音樂系，碩士班轉電影配樂主修）（109) （全世界排名前十大 音樂名校之一）

印地安那大學 Jacob School of Music 視覺媒體配樂碩士班（大學音樂系，碩士班轉電影配樂主修）（109) （全世界排名前十大 音樂名校之一）

紐約市立大學 Brooklyn College 影視配樂碩士班（大學音樂系，碩士班轉電影配樂主修）(109) 

紐約市立大學 Brooklyn College 影視配樂碩士班（大學非音樂系，碩士班轉電影配樂主修）(109) 

舊金山藝術大學電影配樂碩士班（大學音樂系非作曲主修，碩士班轉電影配樂主修） (109)

舊金山藝術大學電影配樂碩士班（大學非音樂系，碩士班轉電影配樂主修）(109)

非科班該不該轉念音樂？ 喜歡音樂就趕緊投入，仍然是一分耕耘一分收穫

筆者常常要回覆許多非科班考生關於念音樂出路的問題，實際上 Learnmusic 的網頁上都寫得很清楚了，通常顧忌很多的人根本不適合念音樂，因為還沒念就開始計較得失，那麼後續要投入努力時，仍必然瞻前顧後，未來發展必然非常侷限。簡單的說，念音樂的未來工作發展，也是一分耕耘一分收穫（不一定只有音樂上的努力，還包括其他輔助性專長的努力），無論是不是科班，都是一樣。想轉念音樂的人，最忌諱是認為本行走不通，才想要換個輕鬆容易的跑道，但實際上音樂之路一點都不輕鬆。同樣念到音樂碩士，有人月收入超過 15 萬，有人月收入 3 萬上下，前者背後許多音樂上與非音樂上的努力是旁人看不到的。網友問：「唸完應用音樂碩士班，就可以從事編曲工作嗎？」這答案很簡單，有人可以有編曲工作、有人還是不行，因為每個人的努力並不相同啊。科班生也是一樣，唸完鋼琴碩士班，有人只能在 yamaha 教琴，有人卻是拿國際大獎、演出邀約不斷，端看個人長期努力的成果吧！因此這類的問題，其實真的不太需要問囉，喜歡就趕緊投入，投入一定會有回報（半途而廢的不在此類），但仍然是一分耕耘一分收穫。

想念音樂又躊躇不前的人，先來看這幾篇文章：

(1) 念音樂出路的問題請參考這篇：http://learnmusic-tw.blogspot.tw/2013/07/blog-post.html

(2) 非科班轉念音樂，生涯發展上可以有哪些跟科班生不一樣的優勢，請參考：

http://learnmusic-tw.blogspot.tw/2018/02/blog-post.html

(3) 非科班考音樂碩士班常見問題請參考這篇：http://learnmusic-tw.blogspot.tw/p/faq.html

(4) 許多人搞不清楚應用音樂、理論作曲碩士班之區別，那麼請參考這三篇：

認識理論作曲主修：http://learnmusic-tw.blogspot.tw/2015/10/blog-post_10.html

理論作曲主修 、 應用音樂主修 vs 配樂市場 http://learnmusic-tw.blogspot.tw/2018/02/blog-post_24.html

(5) 許多人不清楚應用音樂作曲家有怎樣的收入或工作類型，請參考此篇：

學應用音樂作曲的出路在哪 ? 收入高嗎 ？
http://learnmusic-tw.blogspot.com/2018/12/blog-post.html

已是音樂系科班學生，要如何準備應用音樂碩士班的考試？ 該如何準備進入業界？

科班生想轉攻應用音樂相關碩士班，可以透過我們的數位音樂課程，規劃完成三首數位音樂作品為目標，藉由我們提供的創作指導，瞭解數位音樂的軟體、硬體該如何架構以及音樂性細節的修飾，也可同時瞭解自己在應用音樂的創作上，還有哪些音樂上可以補強之處。這些作品可同時作為清大、輔大、文大、師大應用音樂相關碩士班的備審資料，作品的品質至為重要。

整體而言，現在理論作曲科班生由於入學考試的競爭較少，導致整體素質下降，許多考生都是高中才開始準備大學音樂系理論作曲考試，因此有時調性音樂的能力並不如外界或學生自己想像得好，對和聲的瞭解亦不夠深入。另外，音樂系的學生另一個較大的障礙是軟體使用能力以及建構自己的軟體工作站的能力較差，一般大班課的補習班或學校數位音樂課程，由於軟體資源有限，也只教授某一套編曲軟體，卻不會提及各種音色庫的相關使用、哪些音色庫適合哪些曲風、哪些音色庫或特殊編曲工具好用、各種音色軟體要如何安裝等等。有人引導入門，可以省掉許多摸索的時間。在本中心的非科班生的應用音樂碩士班升學的輔導案例中，在 106 年度輔大的應用音樂碩班考試，本中心輔導的非科班生考試成績就優於音樂系理論作曲主修的學生，而把國立大學理論作曲主修的學生擠到備取名單，可見理論作曲主修生在應用音樂創作上，仍常有不足之處，最怕的是這些理論作曲的學生想進入應用音樂，卻不認為自己有缺什麼樣的訓練，那麼就無從進步。以學習和聲為例，許多科班生對於和聲學的態度，認為瞭解概念就可以自由創作而不需要再深入研究了，但這種想法往往阻礙了和聲語彙的學習，在許多的名家作品或古人的作品中，其實有許多值得特別去記憶的和聲進行，但許多人學習和聲卻未曾去深入瞭解這個部分，這就好像大家都知道文法大致上的原則，卻沒有針對優美詞句或片語下過苦工，那麼就很難寫出文情並茂的文章。

此外，由於大學或碩士班理論作曲入學考試時，多半考生會選擇寫無調音樂，因為這種實驗音樂對於樂理能力的要求不高，因此逃掉了去深入研究調性音樂的機會，如果考生僥倖考上理論作曲組之後，又是閒散度日、純粹只是在應付無調音樂的主修考試，沒有犧牲玩樂的時間去研究調性音樂的創作，那麼畢業之後在調性音樂能力仍然無法長進多少。然而，更糟糕的現象是，許多學理論作曲的學生，會誤把「創意」當作「隨意」，而將調性音樂的寫作看得太容易，眼高手低的情況下，那麼就更不可能重新仔細鑽研調性音樂的語法了，到頭來寫出來的調性音樂，可能品質還不及一些非科班卻不斷努力聽音樂與創作音樂的人了。

就就業的長遠規劃而言，無論是科班生或非科班生，可以自己列出商用音樂市場上常見的五至十種音樂風格，慢慢針對這些風格去累積相似的作品。廠商要找人做某種音樂，就是要聽接案者是否有相似風格的作品，音樂系的學生通常最容易拘泥於自己習慣的風格，也常有眼高手低的情況，也使得作品常難以符合市場需求。因此長期針對市場需求來累積作品、並進行商用音樂風格模仿是必要的。筆者比較建議可以先從遊戲配樂的相關風格入手，再慢慢延伸到其他風格，因為遊戲配樂市場是剛性需求，比較不受唱片市場影響，其他的市場也包含宗教音樂、動畫配樂、畢業歌編曲、英語教材編曲、兒歌編曲、流行歌編曲與創作、各類廣告音樂創作、布袋戲音樂創作、劇場音樂創作等等，其實範圍與風格都有頗大的差異而需要花時間去嘗試創作並累積有品質的作品。

申請攻讀 2018 美國音樂碩士班者，目前必須開始緊鑼密鼓準備（僅剩下 15 個月）

許多人不太清楚申請美國碩士班的時程，往往想到時已經又必須等到下一年度。目前開始準備碩士班申請者，大概只來得及申請 2018 年的秋季班（大多數學校沒有春季班，但 New York University 有春季班）。秋季班的申請時間為前一年的 12 月份左右，春季班的申請時間為前一年的 10 月份左右，然而入學春季班者，以NYU 為例，有許多課會變成擋修，因此相對於秋季班而言，能選擇的課較少。因此 2016 年九月份才開始準備的同學，大概只剩下一年四個月的時間，要準備作品、托福、以及入學考試科目，可說是頗為緊迫了。

申請上學校之後，要立即參加入學音樂能力測驗，這些科目包含了視唱、聽寫、和聲學、樂曲分析、樂理等內容，沒通過就要補修學分，也算是音樂系畢業所需的基本能力。美國的學制與台灣不同之一在於「畢業比入學更困難」，有些學校甚至並不承認台灣的課程，以 NYU 的 scoring for film and multimedia 碩士班而言（電影與多媒體配樂碩士班），無論是音樂系、或非科班，許多人可能會被要求補修一些基本的作曲能力之相關科目，包含對位法、管弦樂法等等，若再加上入學考試未通過的科目，那麼要補修的學分數，連同語言課程（New York University 要求國際學生都要補修語言學分），加起來學費可說也是一筆不小的費用，因此當然是應該在台灣先把這些科目學習好，否則不但要多花錢修國外的學分，且還有可能因為一下子聽不懂那麼多音樂術語的英文說法而學不好該科目，導致無法通過又需要再重修。

以 NYU 的學分費為例，該校網站寫有寫：http://steinhardt.nyu.edu/graduate_admissions/tuition 。

NYU 的 2016 年的一個學分費是 1596 美金，如果是個別指導的一對一課程，需要選到三個學分，但每週只上一小時的時數，每學期有 15 週左右。核算起來，大班課 1596 /15 = 106.4 （以台幣兌美金匯率 32:1 來看，折合台幣約 3404 元)。 一對一個別課 1596 x 3 / 15 = 319.2（以台幣兌美金匯率 32:1 來看，折合台幣約 10214 元)。具 NYU 的台灣留學生表示，一般學生學分費大約要花 200 萬台幣，生活費要花 100 萬台幣，若加上補修的學分，可能更是一筆不小的開支吧。

相對而言，Learnmusic 的一對一音樂創作課程由留美音樂博士暨資深作曲家、任教音樂系之師資授課，每小時 2000 NT，比美國的大班課一小時 3000 NT 還便宜許多，也只是美國音樂碩士班一對一主修課的 1/5 收費。念碩士班之前，把音樂能力的基礎打好原本就是應該準備的工作，入學考試要能通過基本門檻原本就是應該有的準備，申請者應該不要輕忽了。

本中心的鋼琴主修師資廖珮君老師的國家音樂廳獨奏會錄影陸續上線中

雖然國內很多高學歷的鋼琴老師，但真正每年持續開演奏會，且成為國家音樂廳常客的鋼琴家並不多，許多高學歷的老師都忙著賺錢而不再開演奏會，久而久之琴藝就荒廢掉了，也沒有能力幫學生做進階曲目的示範。然而，廖珮君老師對於鋼琴演奏有一貫的堅持，每年都一定要求自己開演奏會，教學工作上也不貪多，以保有每日足夠的練琴時間，她自己不斷地努力與持續學習，使得技巧上與演奏的表情上，都有非常精湛的表現。在教學上也成果卓著，歷年由 Learnmusic 轉介給她的指導的鋼琴主修學生，也都能順利考上理想的音樂碩士班、大學部音樂系，學生對她的教學評價也非常好。

Ravel 這首曲子可說是許多鋼琴家都不敢挑戰的高難度樂曲，因此作為此次 Learnmusic 首度公開的一段廖珮君老師的演出，可讓大家瞭解廖老師在鋼琴上的精湛造詣。後續我們也會在陸續刊登廖老師其他曲風的演出片段。廖老師的簡歷可參考我們的師資介紹網頁。http://learnmusic-tw.blogspot.tw/p/blog-page_10.html

國立大學音樂系碩士在職專班招生今年改採「寧缺勿濫」模式運作

根據今年音樂在職碩士班錄取狀況，顯示目前一些國立大學音樂系已經開始篩選在職專班的學生素質，音樂能力未達一定標準，即使還有多的名額，也不予錄取。以國立台北教育大學為例，原本預定招收 21 名學生，有 27 人報考，但最後只錄取 15人。往年樂理逐漸減少考對位法，但今年也加入了對位法的考題。因此非科班的考生無論在演奏與樂理與樂曲分析的能力都不能太輕忽，建議考生還是要把該學的音樂能力學好，不要心存僥倖或碰運氣的方式去面對考試。

產業與人口結構改變，數位音樂、應用音樂創作目前已成為熱門領域

「學士後跨藝合創音樂學士學位學程（簡稱IMPACT音樂學程）」今年招生人數超乎想像多，考試分成兩組：（A）具樂器演奏及演唱經驗者，與（B）具音樂創作、編曲、錄音或其他音樂相關之企劃活動經驗者。A 組報考人數 48 人，B 組報考人數 46 人，總共 94 人，錄取30名。幾乎跟音樂碩士班的錄取率差不多。

以目前的熱門程度而言，北藝的數位音樂學程，跟文大、輔大應用音樂碩士班的錄取率相似，但性質上略有不同。文大、輔大仍依附在音樂系底下，因此對於傳統的音樂能力、畢業的音樂會都有一定的要求，加上有一對一的主修課，因此學生可以直接透過一對一的指導，獲得作曲與音樂創作的技巧，再者畢業後因為有碩士學位，要到大專兼課比較有機會（目前大學兼課的基本要求是碩士學位），鐘點費雖不高，但對於個人的名氣有加分的作用。至於北藝的跨域數位音樂學程，好處在於有「北藝」的招牌保證，立即變成一流音樂學府的畢業生，但由於沒有提供碩士學位、也非正常的音樂碩士班，因此沒有一對一的主修課程，畢業後也無法到大專院校兼課，仍然只能算是學士畢業。明年師大也將流行音樂碩士班併入音樂系中，重新對外招生，依照慣例，只要是前段學校的金字招牌，無論師資設備如何，預料都將是競爭最激烈的考試。

就當前而論，文大、輔大、北藝、師大應用音樂相關的學程、學位，已經為對於數位音樂創作有興趣的考生提供了更多的學習機會。歷年來較低的錄取率，也顯示了台灣產業結構的改變，古典音樂樂器主修者，由於教學市場飽和與少子化，越來越多人想要跨到應用音樂創作來，因為如此可以跳脫傳統器樂教學市場的侷限，也可以增加與產業的連結，不必專賴音樂教學為生，最好的例子包含網路名人官大為、V.K 克等，以北藝鋼琴演奏碩士畢業的背景，卻極盡所能跨到應用音樂創作或編曲的領域，並積極透過網路行銷，將自己豎立為專業作曲家的形象，便可知道音樂界的市場狀況已經快速翻轉，應用音樂創作顯然已經成為目前熱門的音樂領域之一。然而，應用音樂創作仍需要紮實的音樂理論能力為基礎，並不是自己隨便看看樂理書、或一些網路教學就可以熟稔的技術，非科班者若想要在這個領域中走得長久，仍需要下不少功夫，並做好長期的音樂理論、音樂創作學習計劃，此外，考生應當體認到名校的招牌只對從事教學工作的人有幫助，但對於只看實力的業界，則並不會有太多加分的效果，若想魚與熊掌兼得，取得學歷的招牌、又有十足的實務能力，那麼可能還需要透過學校課程之外的相關學習管道進行學習。

以筆者的觀點，目前可預知的是當許多人都開始投入數位音樂創作，則必然會有削價競爭的情況出現，最後就只會有長期下苦工學習、以致於能力精湛出眾、作品有多元的彈性又能受大眾喜愛或被市場所需求的人，才容易走得長久。高品質的音樂創作絕對是一項耗費心神的工作，軟體應用並不難，音樂本身的內容才是難題所在，同學們在決定生涯的方向之前，仍須衡量自己是不是真的喜歡音樂創作、是否能夠在學習上持之以恆好學不倦，如果個性與毅力並不適合，其實比較不建議一窩風跟隨熱潮，因為音樂創作所帶來的快樂不像學習樂器、或堆疊 loop 那樣，可以立即得到成就感。音樂創作的成就感可能是在長時間學習與耗費心神地創作，完成了一個作品之後，才能真正得到成就感。

美國音樂碩士班的學分費

• 美國碩士班的學分費？

至美國念碩士準備足夠的金錢是少不了的，而非科班想進入名校，又必須加強托福與音樂能力。通常每個學校都會把學分費、大致的學雜費清楚地列出來，此外，因此出國留學者必須先準備好足夠的資金與搶獎學金與工讀機會的能力，才有可能一圓夢想。以著名的紐約大學為例， 2016 年的一個學分費是 1596 美金，如果是個別指導的一對一課程，需要選到三個學分，但每週只上一小時的時數，每學期有 15 週左右。核算起來，大班課 1596 /15 = 106.4 （以台幣兌美金匯率 32:1 來看，折合台幣約 3404 元)。 一對一個別課 1596 x 3 / 15 = 319.2（以台幣兌美金匯率 32:1 來看，折合台幣約 10214 元)。Learnmusic 的一對一音樂創作課程由留美音樂博士暨資深作曲家、任教音樂系之師資授課，每小時 2000 NT，比美國的大班課一小時 3000 NT 還便宜許多，也只是美國音樂碩士班一對一主修課的 1/5 收費。

NYU 的學分費在該校的網站寫得很清楚：http://steinhardt.nyu.edu/graduate_admissions/tuition 。此外， NYU 電影配樂碩士班入學需要考樂曲分析、音樂史、視唱、聽寫，和聲，這些東西在台灣沒學好，就變成要花額外的學分費來補修，還不一定能順利通過課程，因此當然是應該在台灣先把這些科目學習好。

有鑒於此，在台灣先把音樂創作、音樂理論的能力紮實的打好，然後到美國去做一個優秀的碩士班學生，甚至以優秀的音樂能力跟外國人搶獎學金與工作機會，可說是非常值得的投資。如果音樂能力不好，有些中後段學校還是有可能接受申請者，但申請上了學校，卻又因為水準沒達到學校水平而被當掉重修，學校其實可以賺更多錢。兩者相比，便可知道應該要怎樣做長遠的留學申請準備的讀書計畫了。

另一方面來看，以NYU為例，大城市的學校學費貴 (念碩士所需之學分費約 200 萬台幣，生活費約 100 萬台幣），但工作機會也會比較多。留學 NYU 的孫紹庭提及：「國際學生入學時沒有預先申請任何獎學金或補助的機會。但入學後視表現可以透過工作或助教等等方式獲得額外的津貼或抵免）」。大家可以參考孫紹庭的這篇文章：“What is Tonmeister in the U.S.?”- 談紐約大學(NYU) Music Technology 分支 — 錄音及音樂製作專業主修 – Tonmeister Concentration 

非科班音樂演奏碩士考生，是否應該選擇只考術科的學校，而放棄學科的準備？

筆者常常遇到許多想考碩士班演奏組的非科班學生，只對演奏有興趣，卻對學科考試的準備無興趣，或者想要省下補習費，因而選擇了不學習樂理、樂曲分析、音樂史。實際上，有些演奏碩士班的確不考學科（日間部為主），但這不意味一位有音樂素養的演奏家或音樂教師不需瞭解樂理、樂曲分析、音樂史。無論從現實考量、或從音樂能力的考量，以演奏碩士班為考試目標的非科班考生，都有必要去充實相關能力，畢竟演奏不是純粹的手指運動，而是需要經過音樂素養的訓練（包括音樂理論、音樂史等相關的知識），才知道決定音樂詮釋方法的理由。再者許多在職專班的音樂碩士考試，目的已經不是在培養頂尖專業演奏家，而是在陪養兼具必要基本音樂能力的音樂師資，做橫向的音樂能力開展，因此放棄學科的學習，只去考只考術科的學校，可能需要謹慎的評估自己的能力。大致上來說，非科班考生學科學習之必要性其理由如下：

• 不考音樂理論的演奏碩士班名額極少，且是科班演奏主修者必搶的碩士班：

不考音樂理論的演奏碩士班，主要集中在日間部，非科班的同學通常很難考上日間部演奏組。在職專不考音樂理論的大台北地區學校，僅有台北藝術大學、以及台灣藝術大學。台北藝術大學為音樂系所的第一志願，即使是在職專班，也多半是音樂系鋼琴主修畢業生必爭的一間學校，該系的考試制度並不意味學科不重要，而是他們有把握收到的學生是來自音樂系已經受過樂曲分析等學科訓練的學生（科班學生從國小、國中、高中、大學已經有一定的音樂史跟音樂理論能力），畢竟北藝大是音樂系的第一志願，專門培養演奏家，從來不缺學生。另外一間台灣藝術大學，日間部當然不太可能去收非科班考生進演奏組，但在職專班也是幾乎是音樂系科班的人考上，主要因為在職專班總共只有七個名額（含括各種樂器，且擇優錄取）。考生們也可以參考我們輔導的非科班鋼琴主修考生考上的學校，歷屆只有一名非科班考生考上台北藝術大學在職碩士班的鋼琴組，但實際上這位學生也跟我們學了十個月的樂曲分析、和聲，其演奏能力與樂曲分析能力都非常好。

同學們若想知道北藝大、台藝大在職專班錄取的考生究竟有多少是音樂系出身，只要把榜單上的名字鍵入 google，以「姓名 音樂」兩個關鍵字來查，就知道考上的學生有多少比例是音樂系畢業的了。非科班考生務必衡量自己的能力，高估了自己的能力，只會浪費更多的時間與機會。

非科班錄取音樂系碩士在職專班機率較大者為教育大學的音樂系碩士班、或私立大學的音樂系碩士班，以國立台北教育大學音樂碩士在職專班為例，其計算分數的方式為 「中西音樂史×35％＋音樂理論×20％＋術科×35％＋服務年資積分」，學科的比重更重要，但考進去以後一樣可以選主修課。台北市立大學音樂系碩士在職專班計分方式為「音樂理論×15％＋術科×40％＋面試×45％」，術科比重略微提高，但面試比重也高，如果被問到對於音樂性本身的理解，沒有理論基礎的同學可能會一問三不知，只會手指運動，那麼成績也必然受到影響。私立學校中排名較最前段的東吳大學音樂系，其在職碩士專班分為音樂教育主修、與演奏教學主修，計分方式皆為「調性音樂分析×15﹪＋書面審查及面試(主修科目)×85﹪］＝總分」，樂曲分析與面試都會與演奏者對於音樂的理解力、音樂理論的能力有關。

• 進階的演奏能力並非短期可達成，演奏技巧的穩定度、音樂性的表現沒辦法速成，臨時惡補的技巧或曲目，現場彈奏時容易出現破綻，勝算大為減少。

演奏能力的評斷包含很多細節的音樂性處理、也包含且演奏技巧是否非常穩定不會輕易出錯，再加上不考學科的學校，演奏曲目必然比較龐大，且需要背譜，臨時惡補演奏曲目的考生，可能因為曲目龐大而學藝不精，使得面試時演奏起來破綻百出，更加減低了演奏的可聽性，而提高了名落孫山的機會。相反的，樂理的課程卻通常一年就可以上全，有鋼琴基本能力的人上得更快，再者，藉由準備研究所學科考試的機會，把這些該會而不會的東西補起來，若有幸考上，入碩士班後，修習相關課程時，才能跟得上其他科班生。如何以最有效率的方式來幫助非科班同學達成考上音樂碩士班的願望，一直是本中心的課程規劃所強調的重點，偉大的鋼琴家雖可以不用是音樂理論的強者，但非科班的同學短期內要達到碩士生等級的演奏能力，且又要跟演奏經驗豐富的科班鋼琴主修生競爭，無論是日間部、或在職碩班，難度都不低，有一定的落榜風險。

• 面對龐大的考試曲目，非科班的學生要花更多的金錢找高階演奏老師學習，有時並不比同時準備學科所花的時間與金錢少。

有些考生為了省補習費，因此選擇了只考術科的學校，但實際上，只考術科的學校，考試曲目多半較龐大，往往需要跟高階的鋼琴老師上更多的鋼琴課，卻又由於演奏能力幾乎無法速成，演奏技巧的穩定度與音樂性的表現，都非是立即可達成，能考的學校變少、有能力的競爭者又多，考上的機率則大為減少，因此整體來說，不見得比較省錢或省時，原本演奏技巧平庸者，甚至有可能要準備兩年才能把考試曲目準備到一定的熟悉度，投資的回報可能極低。一般同時考術科與學科的學校，只需要準備一首演奏曲，且名額較多，則考上的機會大為提高。

• 碩士班的課程不會再重頭教起音樂的基本能力，和聲、樂曲分析、音樂史卻是許多碩班大班課必修課程必要的先備能力：

碩士班的課程不會只有演奏課程，音樂理論與音樂學相關的課程都會有，如進階的樂曲分析，通常仍會列為必修課程，但如果非科班考生僥倖靠演奏能力考上，卻完全沒有和聲、樂曲分析的能力，不但許多課堂的分析與研究報告撰寫的能力為零，碩士論文也可能會不知如何撰寫。演奏類的碩士論文通常會包括作品的介紹與分析，屆時對於這些學科能力為零的碩班生，必然又是一個大難題。

• 音樂理論、音樂史的相關能力是音樂系必修課程，缺了這些基本訓練，演奏或教學能力必然有較大的缺口：

音樂史的內容攸關對於整體音樂發展的瞭解， 樂曲分析的能力更攸關對於音樂詮釋的能力、和聲能力也有助於視奏能力的輔助發展（瞭解調性和聲的理論，則視奏彈錯音的機率大為減少）。就教學上而言，樂曲分析能力對於音樂的詮釋非常重要，演奏教學並非只是手指的運動，也包含對於曲式、和聲張力、材料的瞭解。樂譜上標示的有限，有獨力詮釋音樂能力的演奏家，會透過自己的樂曲分析能力，去瞭解哪些素材是演奏上要特別強調的；曲式的瞭解則有助於演奏家背譜、以及對於整體音樂張力輪廓之想像與記憶，而不是只聽到音樂的局部內容，導致演奏時無法掌控一整首的曲子的整體架構。再者，有些樂器演奏老師，尤其是鋼琴主修的老師，有可能會接到考音樂班的孩子或考音樂證照檢定學生，但這種教學課程常會由主修老師直接來授課所有內容（包含樂理、鍵盤和聲、即興等），且鐘點費也較高。一些只在乎文憑而忽略學科能力的非科班碩士班考生若忽略了這層考量，未來學生的來源也會非常有限，缺乏樂理的紮實訓練，難以作為輔導民間音樂檢定或國中小音樂班升學考試的師資（如英國皇家檢定、yamaha 鋼琴檢定考、kawai 鋼琴檢定考）。



※  如何選適合的研究所考試相關課程之老師？
有資格幫你上音樂史的老師應該是「音樂學組主修」的老師。有資格幫你上樂理的老師，應該是「理論作曲組主修」的老師。由於研究所考試屬於進階的知識，沒有助理教授、博士以上資格的老師，按照教育部及各國學制的慣例，根本無法在研究所授課。因此報考研究所，理應該找具有博士學位或助理教授等級以上的師資，否則非常可能被學藝不精、只多讀碩班兩年書就來教研究所考生的老師所誤導。非本科系的考生，務必注意，莫為了貪小便宜，學到錯的知識而不自知。另外有一些作曲主修的老師為了招攬學生，便自己來開音樂史的課程，往往會誤導學生的學習，各種音樂史的細部知識也難以融會貫通，教學成效非常有限，多半只是讓考生覺得有補習有心安而已，不會讓你因此考高分，跟自己買書來看不會有太大的差別，更何況部分補教老師本身也沒有足夠英文能力去讀英文書，來獲得第一手的資料以準備教材。實際上，音樂史也是一種很艱深的學問，術業有專攻，本中心無法認同理論作曲主修碩士甚至博士自己開設考研究所所需要的音樂史課程，畢竟在音樂的領域中，專長原本就是分得很細的。

再傳捷報：鋼琴家廖佩君老師所指導的非科班考生，今年全數考上理想音樂系所理想的主修

再傳捷報：今年本中心廖珮君老師所指導的鋼琴學生，考上碩班鋼琴主修者，再增加一位。目前廖老師的鋼琴學生考取鋼琴主修者有下：

(1) 文化大學音樂系碩士班鋼琴組（大學本科系，碩班考取鋼琴主修） 

(2) 國立台南大學音樂系碩士在職專班鋼琴組（大學非本科系，碩班轉剛琴主修）

(3) 東吳大學音樂系碩士在職專班演奏教學與音樂教育組（大學非本科系，碩班轉鋼琴演奏教學主修）

(4) 國立台南藝術大學音樂系碩士班鋼琴組（大學非本科系，碩班轉剛琴主修）。

更讓人驚喜的消息，我們的一位大一非科班的學生，目前順利通過文化大學的轉系考試，成為鋼琴主修生。以上學生都是本中心的廖珮君老師所指導，而且有一些學生考上了學校之後，仍願意繼續跟廖老師上課，顯示廖老師教學與演奏能力真的很強。在此也恭喜這些喜歡彈鋼琴的同學都順利考取他們理想的系所主修。

距離明年二月的碩士班考試僅剩最後十個月！

每年都要提醒仍在三心二意的考生，黃金的準備時期（考前一年）已經過了兩個月了，等到暑假才開始計畫碩士班的考試，除非是主修科目已經很有把握或音樂底子非常好的非科班考生，否則對於非科班的考生來說，考音樂系碩士班的難度會受到能否掌握黃金準備期的影響，錯過了考前一年的黃金準備期，考上的機率就會隨著減少，畢竟音樂是需要拉長時間準備、密集學習不及分散學習來得有成效。

另外，有意參加文大音樂碩士班甄試的非科班考生，則僅剩下六個月的準備時間，因為十一月份考試，備審資料大約十月份就必須送出。

西方傳統和聲 v.s. 爵士和聲

「西方傳統和聲」系統為目前所有商用音樂、配樂中使用最廣的和聲系統，也是一般人聽起來最舒服的和聲系統，其進階的使用規則極其繁複，有許多細節皆會直接影響到作品的動人與否，同樣的和弦進行，若沒注意到聲部導進的原則，則給人的感受會差非常多。國內外的西洋音樂相關科系皆以西方傳統和聲系統為必修課程，通常演奏主修的人只需學皮毛、作曲主修的人則需要學許多細節，前者只需要訓練低音題（有數字低音或低音部，寫出其他三個聲部）、後者則要學習高音題（有高音部，寫出其他三個聲部），進階的學習則包括許多名曲的和聲分析、和聲與音樂結構、音樂句法之間的關係、功能和聲系統下的對位線條之設計、功能和聲骨架之下的和聲擴充(prolongation)、和弦的線性進行（linear progression) 等。沒有學過和聲的人，常以為這種和聲系統只是用在古典音樂，因而常會問：「以商業音樂為目的，是不是應該學習爵士和聲而非西方傳統和聲？」。我們可以先來瞭解一下兩者之區別與使用時機：

「爵士和聲」是一種針對特定風格而衍伸出來的和聲，其和聲進行的方式有許多地方與「西方傳統和聲」系統相似，例如都強調五度圈的關係，tritone substitution 的作法與增六和弦的用法相當、附屬和弦的用法也一樣，但「爵士和聲」有比較自由的縱向音響，例如四度堆疊的和弦、或三度持續往上堆疊至九、十一、十三和弦，而特別強調九度、十一度、十三度等堆疊的音響所產生的「不諧和」與現代感；「西方傳統和聲」則以三和弦、七和弦為主，並強調所有的不諧和的音程都需要解決，因此相對而言是比較強調「諧和」的聲響。再者，爵士和聲為一種調式和聲（modal harmony），通用的教學系統多半使用 chord scale 的理論，特定和弦搭配特定調式，較不強調不諧和解決至諧和音程所產生的音樂趣味，反而喜好不諧和的垂直音響。此外，且其調性常常是浮動的，短短的一首樂曲可能經過了好幾個調的 ii-V, 或 ii-V-I 的和弦進行，或加入各種變化音，不僅使得音響上聽起來更為不諧和，也使得調性更飄忽不定或調性不明；「西方傳統和聲」則是一種調性和聲 (tonal harmony)，強調調中心可以被感受得到，所有短暫背離調中心的現象，只是為了反襯出調中心的強勢與主導地位，因此更容易運用調性和聲彼此間的關係來建構曲式。故這兩種和聲系統呈現出來的和聲效果與氛圍有非常大的區別。商用音樂百分之九十使用的都是來自「西方傳統和聲」，主要原因之一在於一般人的聽覺並不喜歡太多半音的變化，且一般人會聽覺上會期待這些旋律是可以被記憶的；爵士音樂則相反地強調不諧和聲響所帶來的新鮮感、快速變換調式與和聲、充滿半音進行、浮動的調區的現象，加上其以即興為主而在旋律的結構上常導致細緻度不足，因而導致旋律難以被記憶以及節奏的強烈風格化，而使其乍聽之下每一首作品都有極高的相似度，所營造的氛圍多半脫離不了「輕鬆自在」，但這種氛圍卻有一大半的成分來自節奏風格，而非和弦本身。以下便是爵士風格的範例：

爵士和聲範例

坊間有不少教授爵士和聲的課程，但多半是由爵士演奏家所開設的課程，講求表面的音符流動，但在音樂材料上卻鮮少提及統一性、連貫性的美學，迄今各種書籍也很少有豐富的音樂範例來配合和聲的說明與音樂分析，這些課程也鮮少提及和聲與句法結構的關係。此外其強調縱向音響，卻少談橫向的對位線條（因為爵士音樂並不講究對位線條）也使其層次感較少。再者，就音樂寫作技巧而言，「爵士和聲」理論通常強調即興、立即彈奏、特定風格的應用方式，使得多數的情況都以縱向的、和弦式的垂直音響之方式出現，在各種曲目的織度語彙上也相對而言較缺少變化，對於樂理或作曲初學者而言，有可能因此導致誤導而不自知。

另一個不適作曲初學者學習的原因在於現有的爵士和聲系統非常混亂，少部分系統化的內容仍是來自西方傳統和聲的基礎，其他則來自片面的、或個人化的音響使用方法，例如許多國外的學習者在用的 Mark Levine 的爵士樂理書，提到了 Phrygian Chords，其實純屬個人的音響風格，但使用上只是屬和弦的變化型，不明究理的人可能花很多功夫去記這個縱向音響，卻在實務創作上對於整體音樂形式或情感表達影響極為有限。再以 Mark Levine 對於爵士和聲的指引為例，學習者需要熟悉 14 種調式以上，且要能快速移調，每個調式都還有自己各自的 avoid note 必須避免作為該調式所對應的和弦之垂直音響中的音，然而傳統和聲只有大調跟小調（小調有三種音階），許多學習者就已經覺得很複雜了，更何況初學就去接觸 14 種調式呢？

初學編曲與音樂創作的人，學習此種過度風格化的和聲，很容易花了太多的時間在垂直音響打轉，而得不到應用於實際音樂市場上的成效，也難以在短期內建立調性音樂的心靈能力。除此之外，此類音樂由於在聲部導進的處理上較為簡化，因此早已有「自動編曲軟體」可以快速製作各種類型的爵士音樂，只需要做一些細微的音色修改即可達成編曲或創作的目的，一首曲子大約半小時就可以完成，這意味著製作此種類型的音樂，編曲費用將會大幅壓低，因為只要會自動編曲軟體的人都能做出爵士音樂的相似的風格。目前卻沒有一套軟體可以自動編寫具有細緻的聲部導進的音樂或自動編寫管弦樂，因此要成為專業的作曲、配樂家，紮實的和聲與聲部導進的能力一點都不能少。簡言之，未來的趨勢中，只有不被科技輕易取代的配樂技術，才能在市場上存活。能靠素材拼貼、或自動編曲軟體、或版權音樂剪輯軟體所能做出的音樂風格，都不是配樂家學習創作的方向。

「西方傳統和聲」系統運用在樂曲中，由於有更龐大的經典曲目與樂譜、歷經數百年已被系統化的和聲規則與音樂範例，多變的織度與伴奏方式，使得和聲的知識不單純只是和弦連接，而是包含背後龐大曲目中的作曲技巧，也因此其成為一般作曲者學習作曲的首要學習重點。再者，管弦樂的編寫最重各聲部之導進，若學習者沒下過一番功夫練習「西方傳統和聲」聲部導進的處理方法，會非常難寫多重線條的音樂作品，更無法藉此推演出創作上常用到的「對位」線條，反之，爵士樂團並不以管弦樂編制作為呈現方式，因此爵士和聲關注的焦點也較少在於聲部導進，而在東方國家的配樂市場中，使用到爵士和聲的機率更為稀少，僅形成另一種小眾文化的體系，只是很多人常誤把「爵士和聲」跟「流行和聲」想成同一件事，才有許多人學習配樂時，會以應該先學習爵士和聲，殊不知爵士和聲的理論系統其實頗為雜亂無章，很多不明究理的人往往在縱向和弦中打轉，卻不知道怎樣建構有方向性、更易於感動聽者的和聲進行、以及更動人的旋律線條、也無法學得利用多重聲部同時進行所帶來的音樂張力。

有些同學未來希望到國外學電影配樂，往往迷惑於到底應該從哪種和聲系統下手。以西雅圖電影配樂碩士班師資 Hummie Mann 為例，其多半使用「西方傳統和聲」來寫曲子，有時也用二十世紀非調性音樂的和聲，但並不使用「爵士和聲」，從該校畢業的一些作曲家的作品也是如此。我認為主要的原因除了作曲者的個人偏好之外，也在於爵士和聲太過具有指涉性，只有在酒吧、舞廳的背景音樂適合，此外就其指涉性而言，也不適合與管弦樂的編制混搭配合。想出國念電影配樂的同學們，必須先釐清自己的目標，想學爵士編曲，應該去申請爵士編曲主修；想學電影配樂，那麼應該先把西方傳統和聲學好，以後再慢慢延伸學習。在美國，這些風格的範疇是分得很清楚的，film scoring 的系所方向，通常比較偏向古典音樂的延伸發展；jazz composition 則真正研究 jazz 的各種創作相關技術。兩種專業都是必須花多年的時間慢慢揣摩，但未來的創作的方向卻有可能完全不一樣。從嚴謹的和聲系統，開展至較為自由的和聲系統是比較正確的方向，但這是一個非常漫長的學習過程，因為和聲的學習從來不是「知道」理論，而是能真正「感受」理論的內容。若以申請學校為目的，音樂風格取向往往必受到審查人員個人偏好所影響，正所謂物以類聚，例如想申請西雅圖電影配樂碩士班，那麼同學們可以先聽一下 Hummie Mann 本人的電影配樂作品。其他學校的申請或考試也是一樣，申請者或考生可先去搜尋一下每個學校教授的作品，再決定和聲學習方向，但短期內想同時掌握多種和聲風格是不可能的任務，基礎未穩固就先想著如何才藝超群，是非常不切實際的想法。

Hummie Mann 運用「西方傳統和聲」創作的配樂

Hummie Mann 運用二十世紀無調和聲、以及後半段「西方傳統和聲」所創作的配樂

除此之外，好萊塢電影配樂大師無論是 Hans Zimmer、John Williams、James Roy Honer、Danny Elfman 都是以「西方傳統和聲」系統及其概年延伸運用來進行創作，因此如果同學們認為「爵士和聲」系統才是商用音樂的核心，實際上是非常錯誤的想法，多半是因為對於整個音樂理論的體系不瞭解之故，也因此有些人可能花了百分之九十的精力去練習僅佔商業音樂不到 10 % 的爵士和聲（台灣的配樂市場中，爵士音樂的需求更低於 5%），卻錯過了以「西方傳統和聲」系統為主的 90 %商業音樂市場，可說是事倍功半了。但如果您的學習順序是先學「西方傳統和聲」，再去瞭解爵士和聲，又會有不一樣的結果，因為您先明確感受得到「調中心」、「調性和聲」，再去找尋一些背離穩定調中心的手法，等於先瞭解一件事的正面，再從反面去瞭解，那麼您對於和聲的掌握就會更深切而通透了，然而這通常已經不是學習一兩年的作曲初學者能力所及，而是一個專業作曲家才有辦法瞭解的世界。

西方傳統和聲要能夠內化成內心感受的一部分，需要非常多年的時間，多數音樂系器樂主修者都沒有這種能力，因此無法即興，雖然完整的理論的學習由資深作曲家與理論家指導，大約在一年可以達到一定的能力使用這些和聲語彙來作曲，但仍然是一項辛苦的學習過程。其實爵士和聲也是如此，光學理論沒辦法透徹，而是要分析與彈奏大量曲目才有辦法真正吸收到精髓並融會貫通，由於兩者都需要花不少時間學習與內化，也因此以哪一種和聲作為學習的起步，後續創作的風格都會受到很大的影響，選錯方向則在配樂的道路上會受到很大的阻礙，先入為主的觀念，常常會引導人至跟預期不一樣的方向而回不了頭。另外，同學們也不要誤以為把和聲理論唸過一遍就等於通曉和聲了，因為紙上談兵與拿所學的理論來創作能感動自己的音樂作品是完全不同的層次，也因此在尋找合適自己風格偏好的師資時，您也可以先要求師資提供其相關的代表作品，看看這些作品是不是能感動您的音樂，再來決定該不該跟某位老師學習，因為通常每個作曲家都有自己的風格專精與偏好，創作時關注的焦點也不一樣。

和聲的學習終極的目標並不是把理論背熟，而是透過多年的反覆練習、廣博分析曲目、進而內化成音樂心靈的一部份，進而達到隨心所欲的運用卻能操弄聽者的情感，而這種能力若能有專業作曲家引導，才能事半功倍。

Hans Zimmer 使用西方傳統和聲以及民族音樂元素之配樂作品

若您還是無法弄清楚到底該學爵士和聲還是正統和聲學，那麼請您也可以觀察這些爵士和聲授課老師的專業工作，究竟是爵士音樂的樂器演奏者、或者是配樂作曲家，便可通曉一二，另外透過瞭解授課師資的作品與專案，也可以大概瞭解往這條路學習，最後可能會有怎樣的音樂成果。坊間 90% 的爵士樂理課程都是給演奏家學習的課程，授課老師也多半是爵士樂的「演奏家」，而不是真正的「作曲家」，這類課程的目的只是為了做爵士即興，但這種即興風格，並非商用編曲與配樂市場的核心，主要是這種和聲自由度太高、半音太多、旋律結構鬆散、調性浮動頻繁、曲式難以藉由調性而建立，因而難以被一般聽者所記憶，本質上只能算是一種即興演奏風格，但在台灣卻因為語言文字的誤導，讓人以為學流行音樂編曲或配樂就是應該學習爵士和聲，實在是一大誤解。最近回想起我念作曲碩士班時學習數位音樂的過程，當時正職電腦音樂剛開始在台灣發展、軟體音色也尚未出現，當時資訊不普及，我也跑去參加一位留日電腦音樂碩士的老師所開設的電腦音樂課程及錄音工程課程，因而認識了一個正職高中的年輕朋友，他有很多硬體器材，家住台北市電梯大樓，看起來生活寬裕，當時我常跟他借電腦音樂的講義來參考，因為他上過很多電腦音樂課程。他也在坊間的音樂教室參加某個著名老師所開設的爵士和聲大班課與編曲課程，但當時他雖然已經學了四年，作品還是很陽春，也沒有動人的音樂成分，我覺得非常訝異，因為算起來我比他還晚開始學作曲與理論，但他學到的音樂理論對我來說卻還是很粗淺。我認為多半是因為學習的方法有問題，死記一堆和弦進行公式、縱向和聲的色彩變化，卻完全抓不到功能和聲的原則與要領，也無法將樂理內化為音樂技能，看起來上這些大班課很便宜，但時間成本估算下去，卻是浪費很多時間，走了很多冤枉路，且還是得不到專業能力。另外也有一些人以為爵士和聲應用的層面較廣、學起來更快，但實際上配樂市場上的爵士和聲應用層面很窄、其少數的系統化的內容都是擷取傳統和聲的內容，其餘縱向和聲色彩的運用則是高度自由而無系統化的個人偏好，導致一開始學習和聲就是從爵士和聲開始的學習者，因為沒有接受過嚴格的、且真正系統化的正統和聲與聲部導進的嚴格訓練，未來創作的風格會受到極大的限制。若一開始走偏了路，由於已經投入大量的時間與金錢，要再回去按部就班學習正統和聲與聲部導進的技術，其可能性幾乎是微乎其微了。（PS：奧斯卡得獎的電影配樂，鮮少有爵士音樂。令人回味的無窮的可歌的旋律，也絕非爵士音樂，因為這種和聲的本質已經限制了其應用的層面）。相反的，從正統的和聲與聲部導進開始學習，再延伸到九和弦、十一、十三和弦的應用、漂泊和聲、各種轉調技法，音樂也可以有很多的和聲色彩變化。就像下面這首久石讓的曲子，其實本質上是完全來自正統的和聲學與聲部導進的技巧，只是搭配了更多的七和弦、九和弦、十一和弦等的應用而已。（這首作品一直是筆者的應用音樂之樂曲分析、音樂創作課程的私房教材之一）

綜合以上所述，該如何選擇和聲與作曲理論的學習方向，應該顯而易見了，原則上，從正統和聲學做完紮實的訓練與風格寫作，在慢慢透過聲部導進的原則延伸至變化和弦、浮動的調性或爵士和聲之嘗試，按部就班學習，才能真正達到學習目的。爵士和聲可以作為學完正統和聲之後的延伸學習，但如果本末倒置，那麼只會讓學習者事倍功半。

本中心的西洋正統和聲課程請參考：http://learnmusic-tw.blogspot.tw/p/blog-page_7675.html
本中心的爵士和聲課程請參考：http://learnmusic-tw.blogspot.tw/p/blog-page_7.html